REVISTA DE ARTE CONTRA LA CORDURA

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ARTES PLÁSTICAS

PACO LAFARGA Sin alambradas

Edición: 
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid. 13/12/2018.


PACO LAFARGA EN ACCIÓN.

Empecé de niño, sentado en las rodillas de mi padre en aquella cocina de la calle Mayor, dibujando fondos marinos, con Lole y Manuel sonando en el radiocasete donde grabábamos mis fiestas de cumpleaños con los amigos. Con dieciocho años estuve a punto de irme a Madrid a estudiar Bellas Artes, pero para entonces yo seguía siendo un niño acurrucado entre las suaves manos de su yaya (siempre conmigo). Así que pronto desestimé la idea porque con esto no vas a comer, Paco / para esto no hay salidas. Y cuánta razón tenían los cabrones. Acabarás de profesor en algún colegio / ¡No, joder! ¡Yo quiero ser como Dalí! Conocí la obra de Antonio López, que me despertó un poco de aquel letargo. Decidí retomar, o más bien comenzar, siempre con el apoyo de mis padres y de la Tabu.  En mi vida se cruzó un señor, o tal vez lo busqué yo, el único verdadero artista vivo que conozco, el maestro Golucho, quien me acogió en su casa y me enseñó a descubrir hacia dónde fugan los sueños y el deseo, quien con su afilada mirada me trazó un sendero arriesgado y definitivo, lección de poesía y de vida. Y todo esto soy yo, o el yo que ahora soy, en construcción, como muchas de mis pinturas, busco la belleza inadvertida, el cuerpo y su sensualidad, la seducción de mi estudio, sus techos bajos de donde me crece gente, todo lo lo que no sé de mí.

Es obvio que me ajusto a unos parámetros realistas, quizá es con este lenguaje con el que más cómodo me siento, aunque es solo una excusa o una apariencia puesto que me interesa muchísimo lo que no se dice.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Me cuesta engancharme con algo, me aburro rápido. A la hora de pintar, intento no crearme expectativas porque a veces me anticipo, pinto el cuadro en mi cabeza, henchido de emoción, para luego desinflarme enseguida.  A veces, por ese motivo, ya ni lo empiezo, por ello necesito un vínculo emocional muy grande con lo que quiero representar, para no abandonarlo en mitad del proceso, solo disfrutarlo improvisando un lenguaje y que este se me olvide rápido y no se convierta en un método.  Está claro que me inclino por el ser humano, por los desnudos, la carne, la sensualidad, por escarbar, aunque sinceramente se me escapan de las manos los motivos por los que me decanto por algo en concreto y no por otra cosa.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
No diré cosas como que intento encontrarme a mí mismo a través de la pintura o que pretendo descubrir aspectos de mí que desconozco o que yo me expreso mejor pintando o simplemente —y que esto suene muy solemne, por favor— que yo no puedo vivir sin la pintura, que necesito crear, que es como el aire que respiro o que lo que intento es colmar de belleza el mundo para hacerlo un poquito mejor. Todo eso es MENTIRA.  Es evidente que estoy hablando de mí con cada pintura, pero no trato de invocar, concienciar, hacer visible, reivindicar, transgredir, etcétera.  Lo siento, es todo mucho más prosaico, solo me pongo a dibujar o a pintar lo que me apetece. Para mí la pintura es intuición, seducción, intimidad, deseo y, ante todo, evitar que la razón interfiera en todo este proceso tan extraño.  Desconozco por qué pinto, tampoco me importa. Yo solo intento convertir en pintura, de la forma más convincente, todo ese desorden de ideas y deseos, sin apenas planificación, sin alambradas.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Principalmente pinto para mí, y no digo esto como reclamo de creador marginado. Tampoco lo digo por todo lo contrario, como artista en la cúspide que se lo puede permitir. Lo digo porque siento que es así, porque no me queda más remedio, porque hay muy poquita gente que confíe o que apueste por mi trabajo, es decir el mercado del arte me es un poco ajeno. Comenzar una pintura con esa intención, con esa voluntad de independencia me parece acertado, te relaja, te apacigua y te ayuda a trabajar libremente. Por fortuna, somos más visibles que nunca gracias a las diferentes redes y esa es una buena forma de comunicación con el mundo para calibrar por dónde vamos, pero al mismo tiempo esto crea un caudal desorbitado de imágenes, excesiva competitividad y mucha ‘fast painting’ que muere al día siguiente de publicarse. Yo, a pesar de ese ingenuo deseo de pintar para mí mismo quiero mostrar lo que hago, porque vender un cuadro siempre es una celebración.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Cualquier creador podría aspirar a que los que deciden si su trabajo es bueno o no tengan un poco más de gusto. No tengo consejos, quizá confiar en uno mismo pero sin pasarse.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Golucho fue un antes y un después.  Conocerle allá por el 2005, justo después de la muerte de mi yaya, fue como tomar un rumbo y ‘decidir’ y unos meses antes, ver en compañía de la Tabu una exposición suya, estremecerme y sentir una emoción que ya no he vuelto a sentir en lo artístico.  Guardo aquel recuerdo como un tesoro.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Una canción que me gusta mucho es ‘John Wayne Gacy Jr’ de Sufjan Stevens. Es pura delicadeza. ¿Una ensoñación recurrente? Tener el pelo de Bunbury en el vídeo ‘La chispa adecuada’, ¡qué pelazo! Para vosotros no tengo consejos. Pero, por favor Thalamus, no renunciéis a vuestros sueños, luchad por ellos … frasecitas hechas del doctor Lafarga.

JULIA SOBOLEVA A way to avoid insanity

Edición: Txetxu González
Traducción: Antonio Acosta
Corrección inglesa: Gina Rosemellia
thalamusxmagazine@gmail.com
Madrid/Manchester. 17/11/2018.


JULIA SOBOLEVA (©ALL RIGHTS RESERVED).

Julia Soboleva is UK-based, mixed-media artist. Her work is concerned with the notions of taboo, trauma, communication and the occult. Working with found imagery, Julia creates mysterious pieces with theatrical atmospheres, ominous overtones and absurd humour. She completed a Master’s Degree in Illustration from the Manchester School of Art in 2018 and she is currently working as an educator and a freelance designer.

Julia Soboleva es una artista de técnicas mixtas afincada en Reino Unido. Su trabajo está preocupado por las nociones de lo tabú, el trauma, la comunicación y lo oculto. A través de las imágenes que encuentra, Julia crea obras misteriosas con atmósferas teatrales, matices amenazantes y humor absurdo. Post-graduada con un máster en Ilustración en la Escuela de Artes de Mánchester (Reino Unido), trabaja actualmente como educadora y diseñadora independiente.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

I am trying to move towards light in my everyday life, but in my work it’s darkness that draws me in. Therefore, perhaps, I try to keep a balance of these seemingly opposite forces. In fact, light and darkness are two sides of the same coin. You see the gleaming surface, you flip it, and you discover dark forces pulsating just beneath it. I love seeing things emerge from darkness. It is bottomless.

Intento acercarme a la luz en la vida cotidiana pero en mi trabajo la oscuridad me atrapa. Por tanto, quizás, intento mantener un equilibrio entre estas fuerzas aparentemente opuestas. De hecho, la luz y la oscuridad son dos caras de la misma moneda. Ves la superficie reluciente, le das la vuelta y descubres las fuerzas oscuras golpeando del otro lado. Me encanta ver lo que emerge desde la oscuridad, es ilimitable.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

Creativity is a way to avoid insanity. I do art because it is the closest thing to truth for me. I feel like language, as a system, often fails to serve as an adequate communication tool. The instinctual, irrational, intuitive side of human nature often does not fit the logical, systematic, coherent quality of language. I use visual art to communicate all the information that I can’t deliver through language.

Another important aspect driving my creativity is discipline and the tireless application of work ethics. Regardless of my mood or the presence or absence of inspiration. I am trying to show up for my work every day. During each creative session it is essential for me to temporarily dissociate myself from the results of my work. This state of detachment creates a psychological resistance to the disruptions of self-doubt or self-assurance in my process. All I have to do is show up and what comes out of the process of creation is not entirely my responsibility. Filmmaker David Lynch famously refers to his creative process as catching fish. Desiring an idea is like baiting a hook and waiting for a fish to bite. If you catch a small fish, Lynch says, bigger fish will follow.

La creatividad es una manera de evitar la locura. Hago arte porque es lo más cercano a la verdad para mí. Siento que el lenguaje, como sistema, a menudo fracasa como una herramienta adecuada de comunicación. El lado instintivo, irracional, intuitivo de la naturaleza humana no encaja a menudo dentro de la naturaleza lógica, sistemática y coherente del lenguaje. Uso el lenguaje visual para comunicar toda la información que no puedo expresar a través de las palabras.

La disciplina y la incansable aplicación de la ética laboral es otro aspecto importante que tengo en cuenta cuando pongo en práctica mi creatividad. Independientemente de mi estado de ánimo o la presencia o ausencia de inspiración, intento ponerme a trabajar todos los días. Durante cada sesión creativa considero esencial disociarme temporalmente de los resultados de mi trabajo. Este estado de desapego crea una resistencia psicológica a las interrupciones producidas por la baja autoestima o la confianza en uno mismo. Todo lo que tengo que hacer es ponerme a trabajar y el resultado del proceso de creación no es completamente mi responsabilidad. El director David Lynch asemeja con gran acierto este proceso creativo con la pesca. Desear una idea es como colocar un cebo y esperar que un pez muerda el anzuelo. Si capturas un pez pequeño, según Lynch, un pez más grande le seguirá.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

 

I use intuition as my method. I am enchanted with the simplicity, rawness and directness of this approach. At times, it is  challenging to switch from a rational/careful/calculating frame of mind to a flowing/playful/wild mood. I am intentionally avoiding the urge to rationalise, interpret or clarify the meaning behind my work, instead tuning in to the actual process of creating. In the process of piercing through the surface of one reality – I find another reality lurking just underneath it.

I sometimes try to analyse my work and find meaning behind it. But the more I do it, the more I realise that some questions should be left unanswered. The urge to rationalise and explain things that are unexplainable, which are impossible to decode through language is often inappropriate. The distance between original meaning and interpretation contains the invisible disassembling and reassembling of meaning/intent, and often, as a result of this process, some vital parts of the original intent are lost. It is like there is uncomfortable silence between people in the room and everybody feels tense and edgy. Often this silence speaks volumes and holds a lot of meaning, however uncomfortable it is to accept it. Somebody breaks the silence with some meaningless remark and everybody feel instantly relieved, but the truth remains hidden in the silence.

Uso la intuición como método. Estoy encantada con la simpleza, la crudeza y la franqueza de este acercamiento. En ocasiones, supone un reto pasar de un estado mental racional/cuidadoso/calculado a un estado de ánimo fluido/alegre/salvaje. Intencionalmente evito la necesidad de racionalizar, interpretar o clarificar el significado detrás de mi obra en lugar de sintonizarlo con el proceso creativo propiamente dicho. En el proceso de penetrar a través de la superficie de una realidad, encuentro otra realidad al acecho justo debajo.

A veces intento analizar mi obra y encontrar un significado detrás. Pero cuanto más lo hago, más me doy cuenta de que ciertas preguntas deberían dejarse sin contestar. La necesidad de racionalizar y explicar cosas que son inexplicables, que son imposibles decodificar mediante el lenguaje suele ser inapropiada. La distancia entre el significado original y la interpretación contiene el invisible desarmado y rearmado de la dicotomía significado/intención y, a menudo, como resultado de este proceso, algunas partes vitales de la intención original se pierden. Es como si existiera un silencio incómodo entre la gente en una habitación y todo el mundo se sintiera tenso e inquieto. A menudo este silencio lo dice todo y es capaz de contener gran cantidad de significado, de todos modos, lo incómodo es aceptarlo. Alguien rompe el silencio con un comentario inapropiado y todas las personas se sienten aliviadas inmediatamente, pero la verdad permanece escondida en el silencio.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

We blame society, but we are society. I never think about feeling comfortable within current art market. To be fair I don’t even know what ‘art market’ truly means. ‘Art’ and ‘market’ – it is an awkward word combination. ‘Art’ and ‘death’ sounds better. It is tough making a career in art, it has always been. Following your  intuition and continuously doing the next right thing is perhaps the best thing an artist can do to build a career within their niche.

Culpamos a la sociedad, pero somos la sociedad. Nunca pienso en sentirme cómoda en el mercado del arte actual. Si soy sincera, ni siquiera sé lo que significa realmente ‘mercado del arte’. ‘Arte’ y ‘mercado’ es una combinación de palabras inoportuna. ‘Arte’ y ‘muerte’ suena mejor. Es difícil ganarse la vida con el arte, siempre lo ha sido. Seguir tu intuición y hacer continuamente lo correcto es quizás la mejor forma en la que un artista puede construir su trayectoria dentro de su vocación.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

I don’t have an ideal of life and I doubt there is an ideal at all. Expectations prevent us from fully being present in this very moment. And this very moment, as far as I know, is the only real thing we have. Well, maybe I would like to have a bit more sleep. As a mum of a two-year-old boy, I qualify for one expectation in life – more sleep.

No tengo un ideal de vida y dudo si hay alguno en absoluto. Las expectativas nos impiden estar completamente presentes en este momento preciso. Y este momento preciso, hasta donde sé, es lo único real que tenemos. Bueno, quizás me gustaría dormir un poco más. Como madre de un niño de dos años, cumplo los requisitos para una expectativa en la vida: dormir más.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

Lately, I have been looking for ways to introduce new mediums into my work like photography, film or performance. So I am very excited to be involved in a collaboration with the a very talented Welsh photographer. All I can say at this point is that it is going to be dark, ambiguous, theatrical and sexy.

Últimamente he estado buscando maneras de introducir nuevas técnicas en mi trabajo como fotografía, cine o performance. Por ello estoy muy entusiasmada de colaborar con un fotógrafo galés de gran talento. Todo lo que puedo decir en este momento es que será oscuro, ambiguo, teatral y sexy.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

I am not sure whether my white-masked characters are humans or automatons, whether they feel or act. Roland Barthes, in his renowned book ‘Camera Lucida’, compares the relation between the Photograph and death to the original relation of the theatre and the cult of the Dead. He argues that for the actor ‘to make oneself up was to designate oneself as a body simultaneously living and dead’. (He calls photography a ‘primitive theatre’ – ‘a figuration of the motionless and made-up face beneath which we see the dead’). This reference is perhaps the closest interpretation of my characters I could find. The meaning behind my characters is always interwoven with the actual process of creation, taking into account the quality of working with found photographic imagery and its context.

As for the bleeding part, perhaps I made my characters bleed out of intolerance of their unattainability, out of a childlike desire to break open a toy and see what’s inside. On a personal level, in the context of adapting to different cultures and scuffling between three languages – I have always had a troubled relationship with words. This blood around the mouth might be an injury caused by a spoken word, or maybe an incubation of a repressed memory. It is a taboo, it is terminally unspoken, it is beyond alteration.

No estoy segura si mis personajes con máscaras blancas son seres humanos o autómatas, si sienten o actúan. Roland Barthes, en su reconocido libro ‘La cámara lúcida’, compara la relación entre la fotografía y la muerte con la relación original del teatro y el culto de la muerte. Él argumenta que para el actor, “constituirse a sí mismo* era designarse a uno mismo como un cuerpo vivo y muerto simultáneamente”. (Él llama a la fotografía ‘teatro primitivo’, una simbolización de la cara sin movimiento y maquillada por debajo de la cual vemos la muerte’). Esta referencia es quizás la interpretación más cercana de mis personajes que puedo encontrar. El significado detrás de mis personajes está siempre vinculado con el proceso de creación propiamente dicho, teniendo en cuenta la calidad del trabajo con una imaginería fotográfica encontrada y su contexto.

En cuanto a la sangre, quizás hago que mis personajes sangren desde la intolerancia ante sus metas inalcanzables, desde el deseo infantil de abrir un juguete y ver lo que hay en su interior. A nivel personal, en el contexto de adaptarse a diferentes culturas y pelearse entre tres lenguas, siempre he tenido una relación problemática con las palabras. Esta sangre alrededor de su boca puede ser una herida causada por una palabra dicha, o quizás por la incubación de una memoria reprimida. Es un tabú, terminalmente sobreentendido, más allá del cambio.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

My technique involves painting on top of a found photographic image – whether it’s a cutout from a vintage magazine or an old unwanted photograph found in a flea market. I mainly use chalk pens, acrylic paints and oil-based artist markers. Instead of a brush, I often use my fingertips. I have learnt to work very fast because due to parenting responsibilities I have very limited time to create. Taking this time limitation as a challenge (and not as restriction), I have learnt to prioritize tasks and be as productive as I can.

Mi técnica implica pintar sobre una fotografía encontrada – bien sea, un recorte de una revista vintage o una fotografía abandonada encontrada en un mercadillo. Uso principalmente rotuladores de tiza, pintura acrílica y rotuladores especiales con base de aceite. En lugar de un pincel, a menudo uso mis dedos. He aprendido a trabajar muy rápido debido a que mis responsabilidades como madre me dejan un tiempo muy limitado para crear. Tomando esta limitación temporal como un reto (y no como una limitación), he aprendido a priorizar tareas y ser todo lo productiva que sea capaz.

 

*Nota del traductor: He utilizado para llevar a cabo mi traducción expresiones propias del lenguaje inclusivo, por ello, en ocasiones encontramos giros semánticos o sintácticos para evitar un uso androcéntrico del lenguaje. *Realizo una excepción aquí al ser una cita literal.

 

FEDERICA POLETTI Arquetipos de una feminidad contemporánea y sobreexpuesta

Edición: Txetxu González.
Traducción: Laia López Manrique. 
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Modena. 08/12/2018.


FEDERICA POLETTI EN SU ESTUDIO.

Sono nata a Modena nel novembre 1980. Laurea in arti visive presso l’Accademia di Belle Arti di Bologna nel 2005.  Ho preso parte a numerose mostre collettive e personali in gallerie private ed eventi pubblici. La mia ricerca è inconscia e influenzata, in modo del tutto evocativo, da ciò che accade nel teatro interiore dei miei pensieri: il mio lavoro è ispirato al concetto di identità, di straniamento, e corpo come mezzo fisico e pensante di espressione di ciò che accade in ognuno  intimamente, i miei mezzi espressivi si sono evoluti in pittura, disegno e ceramica. Attualmente vivo e lavoro a Modena, Italia.

Nací en Módena, en Noviembre de 1980. Licenciada en Artes Visuales en la Academia de Bellas Artes de Bolonia en 2005. He participado en numerosas exposiciones colectivas y personales en galerías privadas y eventos públicos. Mi investigación es inconsciente y está influenciada, de una manera completamente evocadora, por lo que sucede en el teatro interior de mis pensamientos: mi trabajo se inspira en el concepto de identidad, distanciamiento y cuerpo como un medio físico y mental para expresar lo que sucede en cada uno de nosotros íntimamente, mis medios de expresión han evolucionado en la pintura, el dibujo y la cerámica. Actualmente vivo y trabajo en Módena, Italia.

Il ruolo della bellezza e della malinconia è fondamentale nel mio lavoro, è il motore principale della mia pittura. Quello che faccio è basato sull’indagine su una vita quotidiana nevrotica e malinconica, rappresentata in modo iconico, in un modo meno alienante, meno aggressivo ma ancora presente. Creo archetipi di una femminilità contemporanea e sovraesposta.

El papel de la belleza y la melancolía es fundamental en mi trabajo, es el motor principal de mi pintura. Lo que hago está basado en la indagación de una vida cotidiana neurótica y melancólica, representada de modo icónico, de una manera menos alienante, menos agresiva, pero todavía presente. Creo arquetipos de una feminidad contemporánea y sobreexpuesta.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Ciò che mantiene viva la mia creatività è la necessità. Devo dipingere. Le immagini vengono da me inconsciamente e poi la mia mente le elabora, ma non potrei vivere senza dipingere. Non l’ho mai fatto e non riesco a immaginare cosa sia non essere in grado di dipingere ogni giorno. Un ruolo molto importante nella mia ispirazione è trovare il tempo, cercarlo costantemente, di stare da sola e mantenere vivo il dialogo con me stessa.

Lo que mantiene viva mi creatividad es la necesidad. Tengo que pintar. Las imágenes vienen a mí inconscientemente y después mi mente las elabora, pero no podría vivir sin pintar. No lo he hecho nunca y no logro imaginar cómo sería no ser capaz de pintar cada día. Algo muy importante para mi inspiración es encontrar el tiempo, buscarlo sin descanso, estar sola y mantener vivo el diálogo conmigo misma.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Il mio lavoro è un processo, un continuo ‘work in progress’, sono sempre alla ricerca del mio dipinto senza trovarlo, l’ansia di non essere in grado spesso mi prende alla gola ma non mi ferma. Sto ancora cercando.

Mi trabajo es un proceso, un continuo ‘work in progress’, estoy siempre en búsqueda de mi pintura sin encontrarla, la ansiedad de no ser capaz a veces me invade, pero no me detiene. Todavía continúo buscando.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Come artista, sono particolarmente disanimata dalle dinamiche del mondo dell’arte attuale. Una cosa veramente terrificante che sembra aver preso piede da qualche tempo è l’immediatezza del lavoro. Gli artisti spesso abbandonano la tecnica per creare sensazionalismo. Questo è qualcosa che mi porta lontano dal capire le dinamiche del mercato dell’arte. Credo che un ruolo importante della perdita di qualità e della ricerca nel mondo dell’arte l’abbia l’irresponsabilità di alcuni galleristi o critici o curatori che hanno spesso trascurato gli artisti per fare soldi, per lanciarli immediatamente sul mercato senza aver sviluppato una ricerca personale interessante, basata davvero sulla tecnica in primo luogo o che espongono gli artisti sotto compenso, chiedendo un pagamento per poter far mostre. Tutta questa fretta e tutti questi soldi hanno trasformato il mondo dell’arte in un grande ‘fast food’. Non mi piace la velocità. Quando parliamo di arte dobbiamo pensare. Il fatto di essere una donna, non credo che cambi radicalmente le cose.

Como artista me siento particularmente desanimada por las dinámicas del arte actual. Una cosa realmente aterradora que parece haber ganado terreno desde hace algún tiempo es la inmediatez del trabajo. Los artistas abandonan a menudo la técnica para crear sensacionalismo. Eso es algo que hace que no entienda y me aleje de las dinámicas del mercado del arte. Creo que una parte de culpa importante en la pérdida de calidad y de investigación en el mundo del arte la tiene la irresponsabilidad de algunos galeristas, críticos o curadores que han descuidado a los artistas para hacer dinero, que exponen a artistas bajo pago, pidiendo cierta cantidad para poder hacer exposiciones o muestras, sin haber desarrollado una búsqueda personal interesante, basada de veras en la técnica en primer lugar. Toda esta prisa y el componente económico han transformado el mundo del arte en un gran ‘fast food’. No me gusta la velocidad. Cuando hablamos de arte debemos pensar. El hecho de ser una mujer no creo que cambie radicalmente las cosas.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Chiunque stia cominciando ora deve prestare attenzione alla fama e alla gloria immediata. Il mondo dell’arte brucia spesso i più giovani. È necessaria la calma, una rapida ascesa offre una altrettanto rapida discesa. Penso che questo non sia solo per l’Italia, ma è un fenomeno generale. Una cosa molto importante è far capire ai giovani che la tecnica è molto importante, così come la ricerca.

Quienquiera que esté empezando ahora debe prestar atención a la fama y a la gloria inmediata. El mundo del arte acaba quemando, a menudo, a los más jóvenes. Es necesaria la calma. Un ascenso rápido equivale a un descenso igualmente rápido. Pienso que esto no sucede solamente en Italia, sino que es un fenómeno global. Una cosa muy importante que hay que hacer que entiendan los jóvenes es que la técnica es fundamental, así como la investigación.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Il filo conduttore del mio lavoro è la figura femminile, il suo ruolo nella società e la sua intimità. Ho scavato per indagare sull’anatomia, le ossa, il cuore. Ora guardo nella mente.

El hilo conductor de mi trabajo es la figura femenina, su papel en la sociedad y su intimidad. He investigado para indagar sobre la anatomía, los huesos, el corazón. Ahora dirijo mi mirada hacia la mente.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Il futuro non può essere previsto, e voglio che rimanga misterioso. Tendo ad annoiarmi facilmente e, quindi, ho bisogno che tutto arrivi come una sorpresa.

El futuro no puede ser previsto y me gustaría que permaneciera misterioso. Tiendo a aburrirme fácilmente y, por eso, necesito que todo llegue como una sorpresa.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

L’opera di Caravaggio mi commuove sempre, per me rimane trasversale al tempo, fluttuando in un’area di pensiero e intimità che continua a stupire per sempre. Rimane un’artista immortale secondo me. Subito dopo c’ è Goya. Incredibile e sinistro più di quanto abbia mai visto. Li adoro.

La obra de Caravaggio me conmueve siempre, para mí permanece transversal al tiempo, fluctuando en una zona de pensamiento e intimidad que impresiona siempre. Es un artista inmortal, a mi parecer. Después está Goya: el más increíble y siniestro de cuantos haya visto. Adoro a ambos.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Scegliete artisti contemporanei che abbiano un vero talento, che sono veri fuoriclasse e che facciano molta ricerca, che non smettano mai di essere curiosi e proporre di tutto, sia il ‘mainstream’ che quelli non ancora visti.

Elegid artistas contemporáneos que tengan un talento real, que sean figuras auténticas y que investiguen mucho, que no dejen de ser curiosos y propongan de todo, tanto los que están dentro del ‘mainstream’ como los que aún no son conocidos.

FEDERICA POLETTI.

Ho libri che sono stati importanti per me. Uno di questi, ‘Tales of Imagination and Mystery’, di Edgar Allan Poe.

Tengo libros que han sido importantes para mí. Uno de ellos es ‘Tales of Imagination and Mystery’, de Edgar Allan Poe.

ÍÑIGO NAVARRO DÁVILA Ser como los lirios y los pájaros

Edición:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Madrid.
06/12/2018.


IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

Fui precoz. Me enamoré por primera vez a los tres años y a los cinco adiviné que los reyes eran los padres. Temía que, si mis padres me habían engañado con eso, también me habían podido engañar con lo de que Dios existe. Lo pasé muy mal con mi finitud, creía que me moría a cada momento. Una vez que mis padres se fueron a cenar cuando tenía trece años, puse a rezar a mis hermanos pequeños para curarme de un tumor cerebral que creía que tenía, estaban aterrorizados. Otra vez, en un campamento, pensé que tenía cáncer de mamá y aquello se convirtió en motivo de mofa y una leyenda que se iban contando los unos a los otros de verano en verano. Yo sabía por aquel entonces que Dios existía, pero aun así me había quedado el trauma de la enfermedad. Yo sé que Dios existe porque me habla, punto. No necesito convencer a nadie, ni justificarme, ni me molesto en explicar que no estoy loco. El saber que Dios está a tu lado te ayuda a hacer las cosas que debes hacer sin prisas ni ansiedad. Nadie puede contar nada sin vivir. Vivir de verdad es una tarea difícil que puede resultar exasperante si se ejecuta sin convicción. Sobre todo para unos padres que ven dilapidados sus recursos y aspiraciones por un muchacho sin oficio ni beneficio, tan imbécil que pierde los incisivos superiores cada quince minutos. La juventud de los artistas yace sobre la poesía y la épica, nunca en el claustro universitario, pero eso cuéntaselo tú a alguien desde la cama, un martes al mediodía. Por mucho que el evangelio recomiende ser como los lirios o los pájaros, muy pocos católicos lo toman en serio. La misma fe que me empujaba a ser indolente con las formalidades de la vida cotidiana me obligaba a trabajar muy duro en las cosas inservibles como el arte. Me he roto la mano dibujando, pintando y escribiendo para las mujeres que quería ver desnudas.

‘EL INSIDIOSO’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

Siempre he querido pintar bien. Cuando los artistas de mi generación éramos adolescentes o jóvenes estaba mal visto pintar, aunque fuera mal. Así que pintar ya se puede considerar, en sí mismo, un acto de rebeldía y una decisión conceptual. No creo en la belleza de forma estática, es algo subjetivo. Un ejemplo: no creo que exista algo más horrendo que una boda, donde se supone que se han cuidado todos los detalles buscando la perfección. En ese sentido, me siento muy realista. Si alguien viene a posar al estudio con chaqueta, chándal o en pelotas me da igual. Me divierte improvisar con lo que tengo a mi alrededor y he descubierto que crea efectos más poderosos y complejos que si lo intento manipular todo yo. Por otro lado, sí creo en la belleza. Todas las escenas que pinto intento mostrarlas bonitas. Creo que lo que las hace bonitas es precisamente que relego la belleza a la parte intuitiva y me centro racionalmente en que sean ambiguas, divertidas, complicadas, anecdóticas, pictóricas e interesantes intelectualmente. Vamos, como cuando ves a un perro simpático con tres patas o a una chica narizotas y atractiva con un parche de ojo vago y no sabes muy bien qué pensar, pero no puedes dejar de mirarla.

‘CHICOS, SALID A JUGAR FUERA’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

Vivo constantemente inspirado. Las ideas me las dicta Dios en cada momento. Cuando me acuerdo las apunto, pero no me preocupo mucho de hacerlo, porque las ideas verdaderamente buenas me las repite varias veces.

‘CASTELLERS INDOOR’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

Fue a raíz de casarme y tener niños que caí del guindo coligiendo que si quería que todos viviéramos de la pintura me tenía que dejar de bobadas. Fue entonces cuando me puse manos a la obra. Decidí que la mejor manera de sacar la familia adelante era aspirar a hacer algo que te cayeras de culo al verlo. Conseguirlo me llevó unos cinco años en los que Mindi se tuvo que ocupar de mantenernos a todos, ya que yo apenas ingresaba dinero. El intento de ejecutar una verdadera obra de arte requiere mucha planificación y trabajo, dominar distintas disciplinas a la vez, estar al día teóricamente, con etapas de estudio y otras de rutina productiva. También es necesario entender que la vida es parte de la obra: hay que divertirse, salir, discutir, perder el tiempo e ir pescando gente interesante. Ayuda tener la convicción de que lo conseguirás. Vivo la pintura con pasión y alegría, todo gira en torno al arte e incluso en los peores momentos es un alivio llegar al estudio y hacer cosas.

‘COMO ENGAÑAR A UN GATO CON EL TRUCO DE LA LEVITACIÓN’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

El arte plástico ha perdido relevancia mundial confrontado con otras disciplinas, como la música o el cine. Somos unos ‘mindundis’. La causa es que se ha vuelto confuso y críptico por la intervención del academicismo institucional en connivencia con el mercado. La idea, flotando en el ambiente, de que el arte es un negocio especulativo o una tesis universitaria antes que una forma de expresión primaria, le ha restado mucho encanto y poesía. Esto, no obstante, lo veo como una oportunidad para mi generación, ya que tarde o temprano la humanidad se volverá a divertir con la pintura. Esta revolución iconoclasta es tan antigua como la propia historia del arte. Hay algo excitante en la idea de renovar el género para volverlo interesante. Me estimula ver que hay cosas que hacer.

‘LOS LOBOS Y LA GASOLINA’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

Crear es muy fácil y barato, se puede hacer con un papel y un lápiz. Vivir de lo creado es mucho más difícil, esa es la cuestión y la confusión. La desesperación suele venir por no poder vivir exclusivamente del arte, pero es que somos muchos y no da. Solo logran sobrevivir los que tienen carácter suficiente para no creerse las grandes mentiras en forma de tópicos, como la del artista atormentado o el genio loco, esas tonterías que solo poquísimas veces se dan, en realidad, con éxito. Ser vulgar es la muerte del artista, pero no es fácil no serlo. No hace falta fomentar malos hábitos como el de estar siempre de mal humor, deprimido o triste. Para alguien que empiece le aconsejaría que mantenga intacta la ilusión y juegue limpio con el destino, si toca perder que no se amargue.

‘ORACIONES RESPONDIDAS’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

Hace no mucho expuse en Barcelona, en la galería Contrast, también inauguré en Budapest y en diciembre estuve en Miami, para la feria. Así que, en este momento, estoy exhausto y sin obra en el estudio. Voy a dedicar los próximos seis meses a una nueva serie que por ahora no es más que una nebulosa confusa de ideas, como lo es siempre que voy a empezar. Me apetece hacer algo sobre el erotismo que nunca termino de ejecutar. Soy muy primario, a mí gustan las mujeres desnudas, por eso me hace tanta gracia esa gente a la que le fascinan los pies, el cuero o qué sé yo, la farsa … en realidad es algo muy artístico, me atrae porque me parece ridículo.

 

IÑIGO comparte con nosotras esta foto de familia. Muy a menudo, los mejores modelos, los tiene cerca.

Las obras que, a pesar del paso del tiempo, siguen conmoviéndome son el ‘San Antonio Abad y San Pablo, primer ermitaño’ de Velázquez, bueno casi toda la obra de él; ‘El carro de heno’ de el Bosco;  ‘Los caprichos’ de Goya,  por las conversaciones con Luis Mayo; ‘Agnus Dei’ de Zurbarán; ‘Las señoritas de Aviñón’ de Picasso, sobre todo los cuadros preparatorios; ‘Brigitte Bardot’ de Saura; los paisajes de Antonio López, quien con su lenguaje oracular más me he enseñado sobre lo que es el arte; los paisajes de Peter Dodge, por nombrar un extranjero. Hopper, Neo Rauch, Tuycmans y muchísimos más. Pero el más importante de todos para mí ha sido Eduardo Arroyo, es con el que siento más afinidad. Le he estudiado, le he leído y le he admirado mucho.

‘Oui oui, nous rentrerons dans le Marché Commun (Sí, sí entraremos en el Mercado Común)’ (1971) de Eduardo Arroyo.

No tengo deseos más allá de los relacionados con las mejoras en mi obra. Sueño mucho que vuelo y cada vez lo hago mejor. Las primeras veces apenas flotaba, ahora soy capaz de sobrevolar bloques de edificios. Hay otro sueño en el que vuelvo a mi antiguo estudio y me doy cuenta de que allí reside el demonio y empiezan a suceder cosas muy extrañas y aterradoras, paso mucho miedo, pero también me divierto mucho con la aventura y si me doy cuenta de que estoy soñando fomento que el sueño se dirija hacia allí. Hay una pesadilla horrible que me atormenta. Es un sueño hiperrealista en el que me levanto y voy al súper a hacer la compra, luego llevo a los niños al colegio, hago funcionar el lavaplatos, etcétera.

‘TAKE OVER BID’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA. Óleo sobre lienzo.

En THALAMUS vais fenomenal, no necesitáis consejos, solo inversores. Pero he descubierto que hay dos cosas que nunca fallan: un culo y un caballo. Si ponéis alguna de esas cosas habitualmente en las portadas tenéis el éxito asegurado.

 

EMILY GERNILD Not just another impressive scandinavian artist

Edición y traducción:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Copenhague. 10/07/2018.


EMILY GERNILD.

Emily Gernild (Odense, 1985). Soy una soñadora. Cuando era niña, siempre era la última en el patio porque estaba ocupada mirando cómo los otros niños se ponían sus chaquetas y zapatos. Todavía soy un poco así y si demasiadas cosas suceden a mi alrededor, no llego a ninguna parte. Esa es una de las razones por las que no puedo trabajar en espacios abiertos. Necesito mi soledad y privacidad para centrarme’.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

El color por sí solo no es necesariamente importante, sino cómo se combina, cómo la luz y la oscuridad hacen vibrar las tonalidades y cómo hacen que las obras cobren vida. Los contrastes con respecto al color y la forma añaden energía a los motivos y brindan diversión a las composiciones de la vida cotidiana. Me gusta trabajar con los contrastes y con la ‘energía’. Tanto en forma como en fondo. Contrastes entre la profundidad y la superficie, entre las velocidades a las que los diferentes colores alcanzan al espectador, entre el sujeto y el objeto, entre la claridad y la oscuridad.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

Lo que mantiene mi creatividad viva es pasar tiempo en mi estudio, a veces esperando que una pintura se construya en la imaginación. Pero también limpiando cosas viejas que ya no necesito. Tanto en casa como en mi estudio. Bosquejo mucho y utilizo mucho las redes sociales e Internet. Siempre estoy atenta a los colores y a las formas.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

A menudo mi trabajo comienza con la indignación y la curiosidad que despierta una limitación. Podría querer expresar la convención que de alguna manera priva a una minoría de hacer lo que considera o siente que es lo más importante. Mis pinturas con flores comenzaron de esa manera, cuando descubrí que las mujeres artistas a menudo ‘elegían’ practicar con naturalezas muertas, retratos y flores en las escuelas de arte, simplemente porque se les impedía tomar parte en los estudios del desnudo, en clases impartidas por artistas y profesores varones en las academias de arte escandinavas. Los estudios del desnudo se consideraban como la forma más elevada de expresión artística. La separación institucional se ha alejado de las academias pero está muy presente en los museos que exhiben, coleccionan y archivan arte contemporáneo. Menos del 10% del presupuesto se gasta en arte realizado por artistas mujeres.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

Como artista y como mujer ¿cuál es tu relación con el mundo/la sociedad actual? ¿Te sientes cómoda con las sinergias que plantea el mercado del arte hoy en día?

Probablemente, nunca tendrás que hacerle esta pregunta a nuestros colegas varones. Lo que significa que todavía es necesario hablar sobre ello. NUNCA se trata de poner en cuestión lo que creo que es más importante aquí: la calidad. Sin embargo, no estoy segura de que herramientas como las cuotas de género sean la solución correcta. Pero debo ser honesta aquí: algunos galeristas me han preguntado si estoy planeando tener otro bebé simplemente porque una gran parte del mercado y el mundo del arte actúa como un tren de alta velocidad. Si tragas, estás dentro, pero si te caes o te bajas demasiado tiempo del tren, estás fuera. Yo he decidido creer y mi experiencia hasta ahora es que el trabajo duro, la dedicación y el talento pueden permitirme vivir la vida como la artista que siempre quise ser.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

El equilibrio es mi ideal de vida.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

Este otoño, Royal Copenhagen y yo lanzaremos dos colaboraciones diferentes. La primera incluirá la producción de un cortometraje que se exhibirá en Copenhague (Dinamarca) y Tokio (Japón). Este proyecto se lanzará durante los meses de septiembre y octubre. La segunda colaboración tendrá lugar en Copenhague durante el mes de noviembre. Además, ese mismo mes, tendré mi primera exposición individual fuera de Dinamarca, que será en Berlín.

EMILY GERNILD en su estudio.

¿Cuál es el músico, compositora o canción que tiene el poder de rescatarte de una sacudida emocional?

 

Sin duda Frédéric Chopin o Claude Debussy.

EMILY GERNILD en su estudio.

Mi madre amaba a Paul Cézanne y teníamos un póster viejo en la parte posterior de la puerta de la cocina. Aquella obra representaba una naturaleza muerta con cebollas, una copa de vino y una botella. Creo que es ahí donde mi fascinación por el entorno de la vida cotidiana echa sus raíces. También nace de artistas daneses como J. F. Willumsen, Vilhelm Lundstrøm y Storm P. La casa de mi abuela estaba llena de arte y música clásica. Su sala de estar era naranja. Ella no tenía mucho dinero y mi abuelo pintaba copias de piezas de arte famosas para llenar las paredes. Todo en su casa era modesto y viejo, pero nunca carecía de encanto y espíritu. Otra vez, como ves, mi gran amor por los colores nace de cierta cotidianidad.

‘Nature morte aux oignons’ (1896-1898) / PAUL CÉZANNE. Paris, Musée d’Orsay.

Mientras nuestra hija sea pequeña, me mantendré cerca de las cosas y de las personas que ella conozca, incluidos los dos hijos mayores de mi marido, los hermanos mayores de Hannah. Ahora mismo veo Dinamarca llena de oportunidades para mí, pero tanto mi compañero como yo estamos muy por la labor de vivir en el extranjero en algún momento.

FEDERICO GRANELL Una silueta que camina

Edición: 
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid. 28/07/2018.


Federico Granell. Dibujante compulsivo desde que tiene recuerdo, formado en la Universidad de Salamanca (Bellas Artes, especialidad de Diseño), descubrió en su estancia en la Accademia di Belli Arti de Roma que tenía claro que quería dedicarse a la pintura. Federico cuenta con una larga trayectoria en exposiciones nacionales e internacionales, así como en ferias de arte como JustMad o Sculto. Ha sido galardonado con numerosos premios y, para nuestra fortuna, su capacidad creativa goza de una constante proyección hacia el futuro.

Mis primeras influencias fueron unos libros de Hopper, el Picasso de la época azul, Monet y Degas, los miraba y remiraba, luego llegaron Balthus, Hockney, Warhol, Friedrich, Antonio López, Juan Muñoz, Bacon … cada uno me ofrecía algo nuevo, una nueva mirada, supongo que de ahí ha salido mi estilo, buscando la belleza en los sitios cotidianos, en los momentos tranquilos de observación, en la luz de un atardecer, en las fotos de familia antiguas, en interiores misteriosos, en una silueta que camina, en la costa Cantábrica, sobre todo Asturias, que es una fuente inagotable de imágenes guapas.

ESCULTURA DE FEDERICO GRANELL.

La música, la arquitectura, una buena exposición, los viajes, el entorno, la familia, los amigos, una charla, un sueño … todas esas cosas mantienen mi creatividad viva. Me nutro de muchas fuentes, vivimos en el momento de la imagen, todo fluye veloz y el dibujo es una de las cosas que más disfruto y más me activan, la acuarela es una técnica muy inmediata, una manera de jugar y divertirme en los cuadernos Moleskine. Pensar una canción en intentar atraparla en una imagen es un juego que no me cansa, al contrario, es adictivo.

La Moleskine de FEDERICO siempre nos trae alguna escena memorable.

Mi trabajo es un conjunto de ideas pero la más recurrente es el tiempo, el paso del tiempo y la necesidad de atraparlo, la memoria también me interesa, la belleza en la decadencia de los sitios abandonados, el tema de la familia y la infancia. La vida y la muerte, todo lo relacionado con el Romanticismo y el Barroco. La soledad y la melancolía. La mística del paseante, del flâneur. Viajar por el placer de viajar, a veces el objetivo es lo menos importante y el propio trayecto inspira.

Más páginas de FEDERICO GRANELL.

El mercado del arte está evolucionando, las redes sociales te hacen visible a nivel mundial, así que es un momento muy excitante para el artista, ver lo que hacen otros artistas antes siquiera de que se exponga y darte cuenta que estás en la misma onda a pesar de la distancia. Hilos invisibles con artistas de todo el mundo.

‘Villa Excelsior’ de FEDERICO GRANELL.

El desafío para cualquier artista es ser fiel a uno mismo y no seguir modas que van y vienen. Ser auténtico. No soy muy de dar consejos pero diría que lo más importante es disfrutar siempre con lo que haces, pues eso se transmite y la gente disfrutará viéndolo.

Escultura de FEDERICO GRANELL.

Normalmente empiezo dibujando en un cuaderno de ideas, casi todo lo que hago viene de ahí, la pintura es mi medio de expresión habitual al que le dedico casi todo mi tiempo pero a veces necesito trabajar en la escultura para representar alguna idea más compleja y surrealista, me gusta combinar en la exposiciones pintura y escultura, se apoyan y se refuerzan. La escultura tiene un proceso más lento y más costoso por eso hay que pensarse bien qué dibujo del cuaderno pasar a 3D.

FEDERICO GRANELL y sus criaturas.

Los proyectos futuros que tengo son varias exposiciones para el 2019 en Gijón en la galería Gema Llamazares y en Madrid en la galería Utopía Parkway, además de otra en el la Sala 1 del Antiguo Instituto Jovellanos de Gijón. Aparte estoy trabajando en una edición limitada de 25 dibujos del cuaderno de canciones con Litografía Viña y Alchemy Prints que esperamos salga a la luz en otoño.

Más páginas del Moleskine de FEDERICO GRANELL.

Obras de arte que me siguen conmoviendo: ‘Los corredores’ de bronce del Museo Arqueológico de Nápoles, el fresco del jardín de Villa Livia, ‘El éxtasis de Santa Teresa’ de Bernini, ‘Alegoría de la primavera’ de Botticelli, ‘La vocación de San Mateo’ de Caravaggio, ‘Las Meninas’ de Velázquez, ‘El cortejo de los Reyes Magos’ de Benozzo Gozzoli, ‘El entierro del Conde Orgaz’ de El Greco, ‘Guernica’ de Picasso, ‘Nighthawks’ de Hopper, cualquier cuadro de Morandi, ‘A Bigger Splash’ de Hockney, ‘Sternenfall’ de Anselm Kieffer, los chinos sonrientes de Juan Muñoz, una jaula de Louise Bourgeoise, ‘Il giocoliere’ de Antonio Donghi es uno de mis últimos descubrimientos … y podría estar así sin parar.

FEDERICO GRANELL.

Una canción importante van a ser dos: La noche inventada de Family, uno de mis grupos favoritos y hasta hice un vídeo de stop-motion hace años con dibujos en cuadernos, se puede ver en youtube. La otra es la canción de Charles Trenet ‘Que reste t-il de nos amours’, una letra melancólica a más no poder con la que me identifico totalmente.

‘Orly III’ de FEDERICO GRANELL.

Una ensoñación o deseo recurrente es poder volar. Es uno de esos sueños que se repiten y que siempre hacen que me levante de la cama con buen humor.

MAI BLANCO La invocación de los superpoderes

Edición:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Barcelona/Asturies. 24/07/2018.


MAI BLANCO en su estudio.

MAI BLANCO nació en una pequeña localidad asturiana. Pasó su infancia entre tubos de pintura y correteando detrás de las gallinas. Años más tarde, dejaría su pueblo rumbo a Barcelona, en busca del mapa del tesoro. El arte, que la ha acompañado siempre, es la forma que tiene de compartirlo con el mundo. En Thalamus celebramos el nacimiento de cada cuadro suyo como si fuera un hito o una excusa para apreciar, desde los márgenes y su carácter único, las mejores posibilidades de la vida.

‘Blue girl’ de MAI BLANCO.

Trabajo constantemente con conceptos que tienen que ver con la identidad. Vivimos en una sociedad megaindividualista, de la exaltación del yo, la libertad individual y la performance. El éxito social tiene mucho que ver con la capacidad de adaptación al cambio, así que cuantos más registros interpretativos tengas, mejor. Cuando estaba preparando ‘Mujer Flor’ (mi última exposición) invité a mis amigas a posar para una sesión de fotos y nos disfrazamos con todo lo que yo tenía por ahí. Al final, todos nos interpretamos a nosotros mismos en las redes sociales y ya casi no hay separación entre lo público y lo privado. 

‘Belén’ de MAI BLANCO.

Para mí, el arte es bello por definición. Puedes encontrar la belleza en un psiquiátrico, en las calles, en las cuevas de Altamira o en el Louvre. Otra cosa es el canon, el canon responde a unos estándares de belleza que van cambiando en función de la sociedad y las modas del momento. A mí eso no me interesa. A mí lo que me interesa es esa emoción profunda que sale del corazón y de la intuición del artista, que genera esa belleza como si fuera magia, no sabes de dónde viene, pero está ahí. Por eso me gusta jugar con los límites, me gusta romper esa tendencia a polarizarlo todo: realidad/ficción, belleza/fealdad, bueno/malo, masculino/femenino, blanco/negro, yo/el otro. Esa forma de entender el mundo es tan simplista como peligrosa y no sirve en absoluto para describir la realidad que habitamos, que es mucho más compleja.

‘Hermano’ de MAI BLANCO.

Hay días en los que una está más tristona, más melancólica, más recogida hacia el interior. En esos días me cuesta mucho pintar y aprovecho para meditar o escribir sobre las cosas que siento, que también es una parte muy importante del proceso creativo. Sin embargo, cuando pinto invoco mis ‘superpoderes’ y sale toda la fuerza, la intuición, la valentía, la vitalidad, el optimismo, la confianza, el amor que hay en mí. En ese momento, soy yo multiplicada por mil, la mejor versión de mí misma. Es algo así como una ingenuidad aprendida, es hacer como cuando los niños juegan y se toman el juego muy en serio. Pero eso no quiere decir que las cosas tristes se queden fuera, sino que es la forma que tengo de integrarlo todo. Con mi trabajo, lo que pretendo es coger toda esa gravedad existencial, que es parte inherente a todos los seres humanos y proyectarla al mundo con ironía y sentido del humor. Desde mi punto de vista, es la forma más sensata e inteligente de entender la vida.

‘Plátano’ de MAI BLANCO.

Tendríamos que empezar a vernos los unos a los otros como seres humanos, sin pensar qué tiene el de enfrente entre las piernas. Si algún día llegaran a visitarnos los extraterrestres, no se interesarían por nuestra ciencia (seguro que la suya es mucho más avanzada), en cambio encontrarían en el arte una fuente inagotable de conocimiento sobre lo que somos los seres humanos en esencia. El arte es lo más grande y lo más sagrado que tenemos, el arte verdadero trasciende el tiempo y el espacio, porque habla de lo fundamental, sin distinción de raza o sexo. Por eso me pone muy triste y no puedo entender por qué muchos galeristas miran diferente la obra dependiendo de si la ha hecho un hombre o una mujer. Todos somos seres creadores, que sienten, vulnerables, finitos, maravillosos, pero … luego te encuentras cosas como que cuanto mayor es la galería menos mujeres tienen en el catálogo o que en el top 500 del mercado de alta gama hay un 85% de hombres y solo un 15% de mujeres. También es cierto que cada vez hay más mujeres asumiendo papeles de liderazgo en las instituciones, galerías, museos y demás. 

‘Yolanda’ de MAI BLANCO.

Lo importante es que las cosas se mueven y tenemos que dejar de ver el futuro como un lugar al que nos conducen, somos las personas las que construimos el mundo en nuestro día a día, desde las decisiones más íntimas que tomamos, porque lo íntimo es público también. No sé vosotras, pero yo como ser humano, quiero morirme sintiendo que he construido un relato maravilloso y no estoy dispuesta a que nadie lo escriba por mí. 

MAI BLANCO en su estudio.

Muchas mujeres artistas se quedan por el camino y acaban ejerciendo otras profesiones, a veces por agotamiento o por falta de autoestima profesional, pero la mayoría acaban renunciando porque les resulta imposible conciliar su carrera artística con la maternidad. Personalmente, el tema de la conciliación es algo que me preocupa mucho y creo que es uno de los grandes desafíos que debemos afrontar como sociedad.

 

Todos nos sentimos incompletos, eso es algo que viene de fábrica, pero cuando llevas dentro una vocación verdadera, existe una especie de imperativo moral que te grita desde dentro, sientes que hay algo dentro de ti que lucha por salir y notas cómo te vas marchitando poco a poco si no puedes compartirlo con el mundo. Si eres una de esas personas tienes que ser valiente y afrontarlo. Es como el enamoramiento, al principio podrás sentir miedo, pero cuando te lanzas lo vives todo muy intensamente y muchas cosas en tu vida cobran sentido. Yo, a esas personas les diría: abraza tu ‘incompletitud’ como si fuera un regalo de los dioses y utilízala para crear, porque es la fuerza más poderosa que existe, el arte viene de ahí. Ten mucha paciencia y aprende a tolerar la frustración cuando se presente y a vivir el día a día en un estado de incertidumbre general, con una única certeza: este es tu cometido.  

‘Lirio’ de MAI BLANCO.

Yo lo que intento es crear un universo propio con mi pintura, no me gusta nada que me encasillen, porque entonces cuando este o aquel estilo se pase de moda dejará de interesar. Mi objetivo a largo plazo es hacer un arte de mi tiempo pero atemporal. Soy plenamente consciente de que eso es muy difícil y es probable que me lleve muchos años lograrlo, pero intento no caer en las recompensas rápidas y fáciles, prefiero trabajar en algo firme y duradero. Me gustaría hacer magia, recorrer el mundo con mi arte, llegar a cuanta más gente mejor, hacer vibrar, despertar emociones en los demás con mi trabajo, eso es lo que yo proyecto hacia el futuro.

‘Florindo’ de MAI BLANCO.

Las pinturas de mi padre las llevo en el alma y las llevaré por siempre. Una de mis favoritas es un retrato que me hizo de niña durmiendo en el sofá.

‘Sandra’ de MAI BLANCO.

¿Un deseo recurrente o ensoñación? Yo, pintando en una casa preciosa junto al mar, los pájaros, la brisa, el sol, el olor a pino, suena una canción a lo lejos, una cervecita bien fresca en la mano, the love of my life besándome en los labios … parece un anuncio. (Risas). ¡No podría pedir más! 

‘María’ de MAI BLANCO.

 

‘Samantha’ de MAI BLANCO.

Seguid siempre vuestro instinto, aunque vaya en contra de lo que haga y diga la mayoría, porque es la única forma de desarrollar vuestro propio método. Sobre todo, no paréis, cueste lo que cueste siempre a tope, non stop.

 

 

KOKO CHE JOTA Un día sin aprender es un día perdido

Edición:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Sevilla/Berlín. 18/07/2018.


KOKO CHE JOTA.

KoKo Ché Jota es Carolina Häfner Jiménez. Carolina Häfner Jiménez es KoKo Ché Jota. Nace en Granada un año después de la caída del muro de Berlín. Ese mismo año, sus padres deciden volver a Alemania. Su historia es una historia fraguada a golpe de decisiones nada fáciles. Una de las más importantes la llevaría a regresar a Andalucía años después de casi terminar la carrera de arquitectura y de estar al frente de un estudio donde, inevitablemente, debía ejercer dotes de mando.

Nos queda claro que la historia de Carolina es una historia volcada hacia la vida por el arte y hacia el arte por la vida. Sabemos que su valentía resume de forma muy certera el periplo humano, lleno de matices importantes e íntimos, que una persona ha de enfrentar para continuar avanzando erguida, fiel a sus principios y a sus deseos, leal a la vocación profunda que disfrutamos hoy con cada una de sus obras. Es por este poso de emoción que siempre nos dejan sus cuadros que desde Thalamus queremos añadir este eco: GRACIAS KoKo por ser ejemplo.

No me siento a pintar buscando la belleza, lo que sí es verdad es que persigo la armonía en mis cuadros, puede que por ello al final resulten bellos. Me llaman las bellezas raras, siempre intento buscarlas. Me aburren las bellezas perfectas, creo que nada en este mundo es perfecto, aunque intenten colarnos la idea de ello en el bombardeo diario que recibimos por todas partes.

Obra de KOKO CHE JOTA.

Me inspira prácticamente todo. Me encanta que sea así, me gusta ser una esponja porque al final todo lo que absorbemos, inconscientemente, lo transformamos. Creo que es la herramienta que más utilizo y que menos me ha costado desarrollar. Por otro lado confío en mi intuición, muchas veces trabajo de manera impulsiva. Aun así tengo mis esquemas muy marcados. 

Obra de KOKO CHE JOTA.

Soy muy metódica trabajando, incluso antes de ponerme a pintar. Siempre empiezo igual: nada más entrar en el taller me hiervo agua para una infusión, me siento en el ordenador y pongo el ‘Nocturne’ de Chopin o alguna otra música inspiradora. Esto me transmite paz y tranquilidad, con esta energía empiezo a pintar. Es justamente lo que quiero que transmitan mis cuadros. Creo que la vida esta llena de estímulos que nos inquietan, quiero que las personas que tengan un cuadro mío en su salón, sientan serenidad al verlos.

Obra de KOKO CHE JOTA.

Estoy tan absorbida con mi trabajo que vivo un poco en una burbuja, me siento muy libre y por ahora no he percibido ninguna sensación de amenaza por el hecho de ser mujer y artista. Aun así, si la burbuja en algún momento estallara por algún comentario, confiaría en mi propia filosofía y en la libertad del arte.

Obra de KOKO CHE JOTA.

Soy muy inquieta, me aburro muy pronto y me encanta aprender. Para mí, un día sin aprender es un día perdido. Estoy en búsqueda de nuevos soportes que me hagan salir del lienzo. Cada técnica te hace adaptar o incluso reinventar por completo tu estilo. ‘Saltar de un barco a otro’ me emociona porque nunca sé lo que voy a encontrar y eso me motiva y me hace evolucionar. Puedo descubrir algo nuevo que no esperaba o estancarme en algo difícil de resolver, en conclusión: me hace sentir viva y ¿existe algo mejor que sentirse así a la hora de sentarse a trabajar? Me atrevería a decir que para un artista supondría morir lentamente si cada día hiciera lo mismo sin reinventarse.

KOKO CHE JOTA.

Aún estoy digiriendo mi último proyecto “Los Gusanos Del Lapso”. Ha sido mi primera obra grande. Me gusta pensar que mis proyectos siempre están abiertos, es decir que en cualquier momento, cuando yo lo sienta, puedo añadir una obra más a la serie. Son proyectos de vida, cada uno de ellos. Ahora mismo estoy construyendo nuevas estructuras y me siento muy motivada. ¡Ya veréis!

Obra de KOKO CHE JOTA.

Me preocupa mucho la situación política. No solo en España, sino en el mundo entero. El ser humano ha llegado a la cúspide del egoísmo y de la insensatez y, donde más se refleja y más poder tiene, es en la política. Mi deseo sería un colapso total. 

KOKO CHE JOTA.

Para mí el arte es libertad y por eso todo puede serlo. La naturaleza misma crea arte todos los días y el hecho de que alguien sea incapaz de apreciarlo no significa que no sea arte. Si tengo que hablar de artistas u obras que me han marcado … me apasiona un cuadro ‘sin título’ de Lucian Freud. Tiene obras extraordinarias, pero esta en concreto es increíble. Tiene una plasticidad, una distorsión y una paleta que me conmueven muchísimo. Lo publiqué hace meses en mi cuenta de Instagram. (Podéis verlo aquí): 

https://www.instagram.com/p/BaQwuDmFL6a/?hl=es&taken-by=koko_che_jota).

Sólo puedo aconsejaros que sigáis haciendo las cosas con la misma pasión y cercanía que yo he podido sentir y … trabajar, trabajar, trabajar.

 

 

MERCEDES BELLIDO ESA fina tensión

Mercedes Bellido, nacida en Zaragoza (1991) se traslada a la ciudad de Cuenca para cursar la carrera de Bellas Artes. Durante los cursos universitarios comienza a interesarse por la pintura y decide tomarlo como técnica principal de su trabajo, complementándola con el dibujo y la ilustración. Una vez terminada la carrera, viene a Madrid para realizar un máster de Investigación en Arte y actualmente reside en Madrid trabajando como ilustradora y pintora.

MERCEDES BELLIDO.

La belleza es un concepto muy subjetivo, no se ciñe a algo concreto y eso en sí mismo es bello. Para mí, se asocia a la naturalidad y la espontaneidad, pero sin abandonar un lado oscuro u oculto, que produzca una intriga en el espectador. Mantener una fina tensión.

LA LUNA / MERCEDES BELLIDO.

La creatividad solo se mantiene a través de la investigación constante y el trabajo duro, no hay otra manera.

VANITAS VANITATIS / MERCEDES BELLIDO.

No me gusta explicar qué intento expresar con mis pinturas porque no quiero condicionar las sensaciones que pueda tener el espectador ante la imagen, considero que es igual de válida su lectura que la mía ya que las experiencias personales siempre influyen de manera distinta en cada individuo. Me parece interesante que haya diferentes impresiones sobre una imagen, favorece el diálogo y el crecimiento cultural. Sí que puedo hablar de aspectos comunes o recursos que me gusta utilizar, como el misterio o mantener esa fina tensión en las imágenes y producir así cierta inquietud.

Unnamed / MERCEDES BELLIDO.

Como mujer no he tenido elección, considero que todas las mujeres a día de hoy somos auténticas guerreras de forma completamente natural, hemos tenido que pelear desde el principio nuestro sitio en la sociedad y en el ámbito profesional más todavía. Queda todavía mucho que hacer. Se van conquistando escalones que nos acercan a la igualdad, pero la cima aún queda lejos. Todo lo que cuesta nunca es cómodo, pero es necesario.

MERCEDES BELLIDO.

El principal problema cuando se empieza (y cuando uno se profesionaliza) es el dinero. Debería haber más apoyo desde el estado, se debería prestar más ayuda a los creativos ya sea con becas, residencias o con financiación de proyectos, pero como parece imposible que eso vaya a ocurrir, es mejor currárselo mucho y no tirar la toalla, los inicios siempre son duros y lentos.

SECRETARIO Y JUEGO / MERCEDES BELLIDO.

¿El hilo conductor de mi obra? Mantener la tensión del espectador a través de la utilización del misterio, elementos relacionados con la mística y el mundo natural, como animales, plantas, cartas del tarot, relojes de arena, o flores que se marchitan. Al final no deja de ser una revisión constante del ‘vanitas’ barroco y el ‘tempus fugit’.

SALAMANDRA / MERCEDES BELLIDO.

Ahora estoy preparando mi primer libro. Es un proyecto en el que estoy volcando muchas ganas e ilusión.

QUEBRANTAHUESOS Y MUERTE / MERCEDES BELLIDO.

Existe una obra que sigue conmoviéndome, a pesar del tiempo y las tendencias. Se trata del ‘Vanitas’ de Philippe de Champaigne. Me parece de un minimalismo barroco rotundo.

POLAROID 2 / MERCEDES BELLIDO.

Esta es la ensoñación que me gustaría compartir con vosotros: vivir algún día en el Pirineo aragonés, tener un caballo y muchos perros.

 

SANTIAGO TORRES LÓPEZ Poéticas posibles de Marginalia

Santiago Torres (Agujero llamado Nevermore, 2046) es hijo de un paraguas y una máquina de coser. Ha pintado la mayoría de sus cuadros durante sus siestas de treinta horas sin saber cómo y, cuando le preguntan, se limita a balbucear ‘caramba, caramba’. Es un apasionado del cine de Kurosawa y necesita ver su filmografía completa cada doce minutos. Sus zapatillas son visiblemente más cortas que sus pies y le falta la quinta falange de todos sus dedos meñiques, lo que no le ha impedido publicar mas de tres mil libros, entre ellos quince enciclopedias británicas y quijotes, uno de ellos el de Menard. Actualmente reside en su finca de Marginalia con su esposa Déspina Luisa, su perro Rainbow José y su gato Humboldt María, aunque no en ese orden. Tienen previsto que todos sus hijos se llamen George Harrison Ford Fiesta.

Santiago Torres López por Santi Torres López.

El realismo, en tanto que naturalismo o mímesis, está presente en mi obra por una cuestión que podríamos llamar puramente de ‘guion’. Es decir, creo que el tema exige un cierto grado de verosimilitud en la imagen y por tanto planteo la obra en términos de figuración mas o menos realista pero este no es, ni mucho menos, el fin con el que realizo mi trabajo. La denuncia, en el mismo grado que pueda estar la belleza, o la violencia, o cualquier dimensión, digamos emotiva, estaría implícita en tanto que reacción o pulsión natural y puede estar contenida de manera subyacente y un tanto elusiva o bien, si fuera necesario, ser la nota dominante en la obra.

‘Ritual o derribo’ / Santiago Torres López. 

Sin duda, lo que mantiene mi creatividad viva es la constancia en el trabajo y cierta disciplina. Al final, la creatividad es una cuestión más racional y menos impulsiva, creo yo. La mejor manera de estimularla es permaneciendo en el lugar de trabajo y tratando de encontrar un cauce seguro para cada idea. Por otro lado, al mismo nivel, hay que proporcionarle algún alimento que esté hecho de su misma sustancia: veo, o más bien, estudio mucha pintura. Acumulo imágenes, propias y ajenas. Veo mucho cine, leo, etc.

‘La probática piscina’ / Santiago Torres López.

Creo que ante todo intento posicionarme como creador de imágenes y tratar de asumir, de manera responsable, el manejo de un flujo de material que es constante, imponderable e infinito. Ahí es nada. Claro que si realmente entras al estudio a diario con esta idea en la cabeza, te sientas de brazos cruzados y te echas a llorar. Cada día en este oficio es, por suerte, diferente al anterior. Puede que construyas ciertas rutinas y que te parapetes en ellas, pero el ánimo de hoy varía del de ayer y va a influir decisivamente en la manera en que enfocas el trabajo de ese momento. Supongo que tener cierta consciencia de todo esto es, en cierto modo, definir lo que uno hace. O quizás es solo andarse por las ramas …

‘Narrador en off’ / Santiago Torres López.

Como espectador, asisto cada día al devenir de las cosas. Procuro estar más o menos informado de lo que pasa alrededor mío, en el mundo, contrastar algo la información, etc. Todo un poco a ‘nivel de usuario’. Como creador doy una respuesta a todo eso que es la que es. Quiero decir, no soy consciente del grado de implicación que hay en esas respuestas en relación al nivel de indignación o de satisfacción que pueda producir en mí un acontecimiento concreto. No soy lo que se dice ‘un artista político’ expresamente pero, examinando mi obra, no creo poder decir tampoco lo contrario. No soy un agitador de conciencias ni tampoco un oso hibernando en la cueva.

‘De los de atrás del mundo inteligible’ / Santiago Torres López.

El desafío principal es el de enfrentarse a un panorama tremendamente árido y hostil para la creación, para la cultura. Es darse cuenta de que el poder no tiene ningún interés por facilitar el camino a los agentes culturales porque existe una antipatía manifiesta hacia ellos y, sobre todo, porque no se entiende el valor que la cultura tiene para la sociedad. Ante esta postal existen dos opciones: seguir peleando contra la precariedad del sector permaneciendo aquí para intentar activamente que cambien las cosas o largarse a algún lugar donde se valore mas la noción de cultura y el beneficio que esta trae a la sociedad.

‘Pardés’ / Santiago Torres López.

El hilo conductor que une las vértebras de mi obra es, ante todo, el amor por el oficio de la pintura como una labor milenaria. El componente artesanal de mi trabajo es lo que me procura mas estímulos, mas emociones a lo largo de la jornada y lo que me mueve a querer seguir aprendiendo cosas nuevas y cosas viejas. También la fascinación por las imágenes y cómo estas son capaces de condensar infinidad de narraciones y poéticas posibles.

‘Fricción’ / Santiago Torres López.

He hablado algo de mi pintura, aunque también de mi papel como creador de imágenes en general. En este sentido quiero retomar una faceta de mi trabajo que considero que tengo un tanto cubierta por el polvo. Llevo un par de años queriendo retomar el audiovisual y he escrito un montón de cosas, de manera más o menos formal, que podrían derivar en algún cortometraje. Me gustaría poder mostrar el resultado de todas estas tentativas dentro de poco.

‘Desvelo’ / Santiago Torres López.

Cada día encuentro nuevas cosas que me interesan. Pueden ser recientes o tener dos mil años, pero la verdad es que siempre vuelvo a Velázquez. ‘Las Meninas’ es cuadro muy popular y con razón: está lleno de paradojas y de laberintos que te devuelven constantemente a la casilla de inicio.

‘Conjugación Dämmerung’ / Santiago Torres López.

La música es mi gran frustración. Al cabo del día, me doy cuenta de que lo que mas he estado haciendo es escuchar música. Tengo una cantidad alarmante de instrumentos y no sé tocar ninguno. Quien me conozca dirá que esto es previsible pero no me queda otra: ‘Yo mama’ de Frank Zappa es una canción importante para mí. Tiene un solo de guitarra de casi diez minutos que es sencillamente mágico.

 

‘Las islas imaginarias’ / Santiago Torres López.

 

¿Algún deseo recurrente, Santi?

El que todos estáis pensando.

 

 

 

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