REVISTA DE ARTE CONTRA LA CORDURA

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ARTES PLÁSTICAS

EMILY GERNILD Not just another impressive scandinavian artist

Edición y traducción:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Copenhague. 10/07/2018.


EMILY GERNILD.

Emily Gernild (Odense, 1985). Soy una soñadora. Cuando era niña, siempre era la última en el patio porque estaba ocupada mirando cómo los otros niños se ponían sus chaquetas y zapatos. Todavía soy un poco así y si demasiadas cosas suceden a mi alrededor, no llego a ninguna parte. Esa es una de las razones por las que no puedo trabajar en espacios abiertos. Necesito mi soledad y privacidad para centrarme’.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

El color por sí solo no es necesariamente importante, sino cómo se combina, cómo la luz y la oscuridad hacen vibrar las tonalidades y cómo hacen que las obras cobren vida. Los contrastes con respecto al color y la forma añaden energía a los motivos y brindan diversión a las composiciones de la vida cotidiana. Me gusta trabajar con los contrastes y con la ‘energía’. Tanto en forma como en fondo. Contrastes entre la profundidad y la superficie, entre las velocidades a las que los diferentes colores alcanzan al espectador, entre el sujeto y el objeto, entre la claridad y la oscuridad.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

Lo que mantiene mi creatividad viva es pasar tiempo en mi estudio, a veces esperando que una pintura se construya en la imaginación. Pero también limpiando cosas viejas que ya no necesito. Tanto en casa como en mi estudio. Bosquejo mucho y utilizo mucho las redes sociales e Internet. Siempre estoy atenta a los colores y a las formas.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

A menudo mi trabajo comienza con la indignación y la curiosidad que despierta una limitación. Podría querer expresar la convención que de alguna manera priva a una minoría de hacer lo que considera o siente que es lo más importante. Mis pinturas con flores comenzaron de esa manera, cuando descubrí que las mujeres artistas a menudo ‘elegían’ practicar con naturalezas muertas, retratos y flores en las escuelas de arte, simplemente porque se les impedía tomar parte en los estudios del desnudo, en clases impartidas por artistas y profesores varones en las academias de arte escandinavas. Los estudios del desnudo se consideraban como la forma más elevada de expresión artística. La separación institucional se ha alejado de las academias pero está muy presente en los museos que exhiben, coleccionan y archivan arte contemporáneo. Menos del 10% del presupuesto se gasta en arte realizado por artistas mujeres.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

Como artista y como mujer ¿cuál es tu relación con el mundo/la sociedad actual? ¿Te sientes cómoda con las sinergias que plantea el mercado del arte hoy en día?

Probablemente, nunca tendrás que hacerle esta pregunta a nuestros colegas varones. Lo que significa que todavía es necesario hablar sobre ello. NUNCA se trata de poner en cuestión lo que creo que es más importante aquí: la calidad. Sin embargo, no estoy segura de que herramientas como las cuotas de género sean la solución correcta. Pero debo ser honesta aquí: algunos galeristas me han preguntado si estoy planeando tener otro bebé simplemente porque una gran parte del mercado y el mundo del arte actúa como un tren de alta velocidad. Si tragas, estás dentro, pero si te caes o te bajas demasiado tiempo del tren, estás fuera. Yo he decidido creer y mi experiencia hasta ahora es que el trabajo duro, la dedicación y el talento pueden permitirme vivir la vida como la artista que siempre quise ser.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

El equilibrio es mi ideal de vida.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

Este otoño, Royal Copenhagen y yo lanzaremos dos colaboraciones diferentes. La primera incluirá la producción de un cortometraje que se exhibirá en Copenhague (Dinamarca) y Tokio (Japón). Este proyecto se lanzará durante los meses de septiembre y octubre. La segunda colaboración tendrá lugar en Copenhague durante el mes de noviembre. Además, ese mismo mes, tendré mi primera exposición individual fuera de Dinamarca, que será en Berlín.

EMILY GERNILD en su estudio.

¿Cuál es el músico, compositora o canción que tiene el poder de rescatarte de una sacudida emocional?

 

Sin duda Frédéric Chopin o Claude Debussy.

EMILY GERNILD en su estudio.

Mi madre amaba a Paul Cézanne y teníamos un póster viejo en la parte posterior de la puerta de la cocina. Aquella obra representaba una naturaleza muerta con cebollas, una copa de vino y una botella. Creo que es ahí donde mi fascinación por el entorno de la vida cotidiana echa sus raíces. También nace de artistas daneses como J. F. Willumsen, Vilhelm Lundstrøm y Storm P. La casa de mi abuela estaba llena de arte y música clásica. Su sala de estar era naranja. Ella no tenía mucho dinero y mi abuelo pintaba copias de piezas de arte famosas para llenar las paredes. Todo en su casa era modesto y viejo, pero nunca carecía de encanto y espíritu. Otra vez, como ves, mi gran amor por los colores nace de cierta cotidianidad.

‘Nature morte aux oignons’ (1896-1898) / PAUL CÉZANNE. Paris, Musée d’Orsay.

Mientras nuestra hija sea pequeña, me mantendré cerca de las cosas y de las personas que ella conozca, incluidos los dos hijos mayores de mi marido, los hermanos mayores de Hannah. Ahora mismo veo Dinamarca llena de oportunidades para mí, pero tanto mi compañero como yo estamos muy por la labor de vivir en el extranjero en algún momento.

FEDERICO GRANELL Una silueta que camina

Edición: 
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid. 28/07/2018.


Federico Granell. Dibujante compulsivo desde que tiene recuerdo, formado en la Universidad de Salamanca (Bellas Artes, especialidad de Diseño), descubrió en su estancia en la Accademia di Belli Arti de Roma que tenía claro que quería dedicarse a la pintura. Federico cuenta con una larga trayectoria en exposiciones nacionales e internacionales, así como en ferias de arte como JustMad o Sculto. Ha sido galardonado con numerosos premios y, para nuestra fortuna, su capacidad creativa goza de una constante proyección hacia el futuro.

Mis primeras influencias fueron unos libros de Hopper, el Picasso de la época azul, Monet y Degas, los miraba y remiraba, luego llegaron Balthus, Hockney, Warhol, Friedrich, Antonio López, Juan Muñoz, Bacon … cada uno me ofrecía algo nuevo, una nueva mirada, supongo que de ahí ha salido mi estilo, buscando la belleza en los sitios cotidianos, en los momentos tranquilos de observación, en la luz de un atardecer, en las fotos de familia antiguas, en interiores misteriosos, en una silueta que camina, en la costa Cantábrica, sobre todo Asturias, que es una fuente inagotable de imágenes guapas.

ESCULTURA DE FEDERICO GRANELL.

La música, la arquitectura, una buena exposición, los viajes, el entorno, la familia, los amigos, una charla, un sueño … todas esas cosas mantienen mi creatividad viva. Me nutro de muchas fuentes, vivimos en el momento de la imagen, todo fluye veloz y el dibujo es una de las cosas que más disfruto y más me activan, la acuarela es una técnica muy inmediata, una manera de jugar y divertirme en los cuadernos Moleskine. Pensar una canción en intentar atraparla en una imagen es un juego que no me cansa, al contrario, es adictivo.

La Moleskine de FEDERICO siempre nos trae alguna escena memorable.

Mi trabajo es un conjunto de ideas pero la más recurrente es el tiempo, el paso del tiempo y la necesidad de atraparlo, la memoria también me interesa, la belleza en la decadencia de los sitios abandonados, el tema de la familia y la infancia. La vida y la muerte, todo lo relacionado con el Romanticismo y el Barroco. La soledad y la melancolía. La mística del paseante, del flâneur. Viajar por el placer de viajar, a veces el objetivo es lo menos importante y el propio trayecto inspira.

Más páginas de FEDERICO GRANELL.

El mercado del arte está evolucionando, las redes sociales te hacen visible a nivel mundial, así que es un momento muy excitante para el artista, ver lo que hacen otros artistas antes siquiera de que se exponga y darte cuenta que estás en la misma onda a pesar de la distancia. Hilos invisibles con artistas de todo el mundo.

‘Villa Excelsior’ de FEDERICO GRANELL.

El desafío para cualquier artista es ser fiel a uno mismo y no seguir modas que van y vienen. Ser auténtico. No soy muy de dar consejos pero diría que lo más importante es disfrutar siempre con lo que haces, pues eso se transmite y la gente disfrutará viéndolo.

Escultura de FEDERICO GRANELL.

Normalmente empiezo dibujando en un cuaderno de ideas, casi todo lo que hago viene de ahí, la pintura es mi medio de expresión habitual al que le dedico casi todo mi tiempo pero a veces necesito trabajar en la escultura para representar alguna idea más compleja y surrealista, me gusta combinar en la exposiciones pintura y escultura, se apoyan y se refuerzan. La escultura tiene un proceso más lento y más costoso por eso hay que pensarse bien qué dibujo del cuaderno pasar a 3D.

FEDERICO GRANELL y sus criaturas.

Los proyectos futuros que tengo son varias exposiciones para el 2019 en Gijón en la galería Gema Llamazares y en Madrid en la galería Utopía Parkway, además de otra en el la Sala 1 del Antiguo Instituto Jovellanos de Gijón. Aparte estoy trabajando en una edición limitada de 25 dibujos del cuaderno de canciones con Litografía Viña y Alchemy Prints que esperamos salga a la luz en otoño.

Más páginas del Moleskine de FEDERICO GRANELL.

Obras de arte que me siguen conmoviendo: ‘Los corredores’ de bronce del Museo Arqueológico de Nápoles, el fresco del jardín de Villa Livia, ‘El éxtasis de Santa Teresa’ de Bernini, ‘Alegoría de la primavera’ de Botticelli, ‘La vocación de San Mateo’ de Caravaggio, ‘Las Meninas’ de Velázquez, ‘El cortejo de los Reyes Magos’ de Benozzo Gozzoli, ‘El entierro del Conde Orgaz’ de El Greco, ‘Guernica’ de Picasso, ‘Nighthawks’ de Hopper, cualquier cuadro de Morandi, ‘A Bigger Splash’ de Hockney, ‘Sternenfall’ de Anselm Kieffer, los chinos sonrientes de Juan Muñoz, una jaula de Louise Bourgeoise, ‘Il giocoliere’ de Antonio Donghi es uno de mis últimos descubrimientos … y podría estar así sin parar.

FEDERICO GRANELL.

Una canción importante van a ser dos: La noche inventada de Family, uno de mis grupos favoritos y hasta hice un vídeo de stop-motion hace años con dibujos en cuadernos, se puede ver en youtube. La otra es la canción de Charles Trenet ‘Que reste t-il de nos amours’, una letra melancólica a más no poder con la que me identifico totalmente.

‘Orly III’ de FEDERICO GRANELL.

Una ensoñación o deseo recurrente es poder volar. Es uno de esos sueños que se repiten y que siempre hacen que me levante de la cama con buen humor.

MAI BLANCO La invocación de los superpoderes

Edición:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Barcelona/Asturies. 24/07/2018.


MAI BLANCO en su estudio.

MAI BLANCO nació en una pequeña localidad asturiana. Pasó su infancia entre tubos de pintura y correteando detrás de las gallinas. Años más tarde, dejaría su pueblo rumbo a Barcelona, en busca del mapa del tesoro. El arte, que la ha acompañado siempre, es la forma que tiene de compartirlo con el mundo. En Thalamus celebramos el nacimiento de cada cuadro suyo como si fuera un hito o una excusa para apreciar, desde los márgenes y su carácter único, las mejores posibilidades de la vida.

‘Blue girl’ de MAI BLANCO.

Trabajo constantemente con conceptos que tienen que ver con la identidad. Vivimos en una sociedad megaindividualista, de la exaltación del yo, la libertad individual y la performance. El éxito social tiene mucho que ver con la capacidad de adaptación al cambio, así que cuantos más registros interpretativos tengas, mejor. Cuando estaba preparando ‘Mujer Flor’ (mi última exposición) invité a mis amigas a posar para una sesión de fotos y nos disfrazamos con todo lo que yo tenía por ahí. Al final, todos nos interpretamos a nosotros mismos en las redes sociales y ya casi no hay separación entre lo público y lo privado. 

‘Belén’ de MAI BLANCO.

Para mí, el arte es bello por definición. Puedes encontrar la belleza en un psiquiátrico, en las calles, en las cuevas de Altamira o en el Louvre. Otra cosa es el canon, el canon responde a unos estándares de belleza que van cambiando en función de la sociedad y las modas del momento. A mí eso no me interesa. A mí lo que me interesa es esa emoción profunda que sale del corazón y de la intuición del artista, que genera esa belleza como si fuera magia, no sabes de dónde viene, pero está ahí. Por eso me gusta jugar con los límites, me gusta romper esa tendencia a polarizarlo todo: realidad/ficción, belleza/fealdad, bueno/malo, masculino/femenino, blanco/negro, yo/el otro. Esa forma de entender el mundo es tan simplista como peligrosa y no sirve en absoluto para describir la realidad que habitamos, que es mucho más compleja.

‘Hermano’ de MAI BLANCO.

Hay días en los que una está más tristona, más melancólica, más recogida hacia el interior. En esos días me cuesta mucho pintar y aprovecho para meditar o escribir sobre las cosas que siento, que también es una parte muy importante del proceso creativo. Sin embargo, cuando pinto invoco mis ‘superpoderes’ y sale toda la fuerza, la intuición, la valentía, la vitalidad, el optimismo, la confianza, el amor que hay en mí. En ese momento, soy yo multiplicada por mil, la mejor versión de mí misma. Es algo así como una ingenuidad aprendida, es hacer como cuando los niños juegan y se toman el juego muy en serio. Pero eso no quiere decir que las cosas tristes se queden fuera, sino que es la forma que tengo de integrarlo todo. Con mi trabajo, lo que pretendo es coger toda esa gravedad existencial, que es parte inherente a todos los seres humanos y proyectarla al mundo con ironía y sentido del humor. Desde mi punto de vista, es la forma más sensata e inteligente de entender la vida.

‘Plátano’ de MAI BLANCO.

Tendríamos que empezar a vernos los unos a los otros como seres humanos, sin pensar qué tiene el de enfrente entre las piernas. Si algún día llegaran a visitarnos los extraterrestres, no se interesarían por nuestra ciencia (seguro que la suya es mucho más avanzada), en cambio encontrarían en el arte una fuente inagotable de conocimiento sobre lo que somos los seres humanos en esencia. El arte es lo más grande y lo más sagrado que tenemos, el arte verdadero trasciende el tiempo y el espacio, porque habla de lo fundamental, sin distinción de raza o sexo. Por eso me pone muy triste y no puedo entender por qué muchos galeristas miran diferente la obra dependiendo de si la ha hecho un hombre o una mujer. Todos somos seres creadores, que sienten, vulnerables, finitos, maravillosos, pero … luego te encuentras cosas como que cuanto mayor es la galería menos mujeres tienen en el catálogo o que en el top 500 del mercado de alta gama hay un 85% de hombres y solo un 15% de mujeres. También es cierto que cada vez hay más mujeres asumiendo papeles de liderazgo en las instituciones, galerías, museos y demás. 

‘Yolanda’ de MAI BLANCO.

Lo importante es que las cosas se mueven y tenemos que dejar de ver el futuro como un lugar al que nos conducen, somos las personas las que construimos el mundo en nuestro día a día, desde las decisiones más íntimas que tomamos, porque lo íntimo es público también. No sé vosotras, pero yo como ser humano, quiero morirme sintiendo que he construido un relato maravilloso y no estoy dispuesta a que nadie lo escriba por mí. 

MAI BLANCO en su estudio.

Muchas mujeres artistas se quedan por el camino y acaban ejerciendo otras profesiones, a veces por agotamiento o por falta de autoestima profesional, pero la mayoría acaban renunciando porque les resulta imposible conciliar su carrera artística con la maternidad. Personalmente, el tema de la conciliación es algo que me preocupa mucho y creo que es uno de los grandes desafíos que debemos afrontar como sociedad.

 

Todos nos sentimos incompletos, eso es algo que viene de fábrica, pero cuando llevas dentro una vocación verdadera, existe una especie de imperativo moral que te grita desde dentro, sientes que hay algo dentro de ti que lucha por salir y notas cómo te vas marchitando poco a poco si no puedes compartirlo con el mundo. Si eres una de esas personas tienes que ser valiente y afrontarlo. Es como el enamoramiento, al principio podrás sentir miedo, pero cuando te lanzas lo vives todo muy intensamente y muchas cosas en tu vida cobran sentido. Yo, a esas personas les diría: abraza tu ‘incompletitud’ como si fuera un regalo de los dioses y utilízala para crear, porque es la fuerza más poderosa que existe, el arte viene de ahí. Ten mucha paciencia y aprende a tolerar la frustración cuando se presente y a vivir el día a día en un estado de incertidumbre general, con una única certeza: este es tu cometido.  

‘Lirio’ de MAI BLANCO.

Yo lo que intento es crear un universo propio con mi pintura, no me gusta nada que me encasillen, porque entonces cuando este o aquel estilo se pase de moda dejará de interesar. Mi objetivo a largo plazo es hacer un arte de mi tiempo pero atemporal. Soy plenamente consciente de que eso es muy difícil y es probable que me lleve muchos años lograrlo, pero intento no caer en las recompensas rápidas y fáciles, prefiero trabajar en algo firme y duradero. Me gustaría hacer magia, recorrer el mundo con mi arte, llegar a cuanta más gente mejor, hacer vibrar, despertar emociones en los demás con mi trabajo, eso es lo que yo proyecto hacia el futuro.

‘Florindo’ de MAI BLANCO.

Las pinturas de mi padre las llevo en el alma y las llevaré por siempre. Una de mis favoritas es un retrato que me hizo de niña durmiendo en el sofá.

‘Sandra’ de MAI BLANCO.

¿Un deseo recurrente o ensoñación? Yo, pintando en una casa preciosa junto al mar, los pájaros, la brisa, el sol, el olor a pino, suena una canción a lo lejos, una cervecita bien fresca en la mano, the love of my life besándome en los labios … parece un anuncio. (Risas). ¡No podría pedir más! 

‘María’ de MAI BLANCO.

 

‘Samantha’ de MAI BLANCO.

Seguid siempre vuestro instinto, aunque vaya en contra de lo que haga y diga la mayoría, porque es la única forma de desarrollar vuestro propio método. Sobre todo, no paréis, cueste lo que cueste siempre a tope, non stop.

 

 

KOKO CHE JOTA Un día sin aprender es un día perdido

Edición:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Sevilla/Berlín. 18/07/2018.


KOKO CHE JOTA.

KoKo Ché Jota es Carolina Häfner Jiménez. Carolina Häfner Jiménez es KoKo Ché Jota. Nace en Granada un año después de la caída del muro de Berlín. Ese mismo año, sus padres deciden volver a Alemania. Su historia es una historia fraguada a golpe de decisiones nada fáciles. Una de las más importantes la llevaría a regresar a Andalucía años después de casi terminar la carrera de arquitectura y de estar al frente de un estudio donde, inevitablemente, debía ejercer dotes de mando.

Nos queda claro que la historia de Carolina es una historia volcada hacia la vida por el arte y hacia el arte por la vida. Sabemos que su valentía resume de forma muy certera el periplo humano, lleno de matices importantes e íntimos, que una persona ha de enfrentar para continuar avanzando erguida, fiel a sus principios y a sus deseos, leal a la vocación profunda que disfrutamos hoy con cada una de sus obras. Es por este poso de emoción que siempre nos dejan sus cuadros que desde Thalamus queremos añadir este eco: GRACIAS KoKo por ser ejemplo.

No me siento a pintar buscando la belleza, lo que sí es verdad es que persigo la armonía en mis cuadros, puede que por ello al final resulten bellos. Me llaman las bellezas raras, siempre intento buscarlas. Me aburren las bellezas perfectas, creo que nada en este mundo es perfecto, aunque intenten colarnos la idea de ello en el bombardeo diario que recibimos por todas partes.

Obra de KOKO CHE JOTA.

Me inspira prácticamente todo. Me encanta que sea así, me gusta ser una esponja porque al final todo lo que absorbemos, inconscientemente, lo transformamos. Creo que es la herramienta que más utilizo y que menos me ha costado desarrollar. Por otro lado confío en mi intuición, muchas veces trabajo de manera impulsiva. Aun así tengo mis esquemas muy marcados. 

Obra de KOKO CHE JOTA.

Soy muy metódica trabajando, incluso antes de ponerme a pintar. Siempre empiezo igual: nada más entrar en el taller me hiervo agua para una infusión, me siento en el ordenador y pongo el ‘Nocturne’ de Chopin o alguna otra música inspiradora. Esto me transmite paz y tranquilidad, con esta energía empiezo a pintar. Es justamente lo que quiero que transmitan mis cuadros. Creo que la vida esta llena de estímulos que nos inquietan, quiero que las personas que tengan un cuadro mío en su salón, sientan serenidad al verlos.

Obra de KOKO CHE JOTA.

Estoy tan absorbida con mi trabajo que vivo un poco en una burbuja, me siento muy libre y por ahora no he percibido ninguna sensación de amenaza por el hecho de ser mujer y artista. Aun así, si la burbuja en algún momento estallara por algún comentario, confiaría en mi propia filosofía y en la libertad del arte.

Obra de KOKO CHE JOTA.

Soy muy inquieta, me aburro muy pronto y me encanta aprender. Para mí, un día sin aprender es un día perdido. Estoy en búsqueda de nuevos soportes que me hagan salir del lienzo. Cada técnica te hace adaptar o incluso reinventar por completo tu estilo. ‘Saltar de un barco a otro’ me emociona porque nunca sé lo que voy a encontrar y eso me motiva y me hace evolucionar. Puedo descubrir algo nuevo que no esperaba o estancarme en algo difícil de resolver, en conclusión: me hace sentir viva y ¿existe algo mejor que sentirse así a la hora de sentarse a trabajar? Me atrevería a decir que para un artista supondría morir lentamente si cada día hiciera lo mismo sin reinventarse.

KOKO CHE JOTA.

Aún estoy digiriendo mi último proyecto “Los Gusanos Del Lapso”. Ha sido mi primera obra grande. Me gusta pensar que mis proyectos siempre están abiertos, es decir que en cualquier momento, cuando yo lo sienta, puedo añadir una obra más a la serie. Son proyectos de vida, cada uno de ellos. Ahora mismo estoy construyendo nuevas estructuras y me siento muy motivada. ¡Ya veréis!

Obra de KOKO CHE JOTA.

Me preocupa mucho la situación política. No solo en España, sino en el mundo entero. El ser humano ha llegado a la cúspide del egoísmo y de la insensatez y, donde más se refleja y más poder tiene, es en la política. Mi deseo sería un colapso total. 

KOKO CHE JOTA.

Para mí el arte es libertad y por eso todo puede serlo. La naturaleza misma crea arte todos los días y el hecho de que alguien sea incapaz de apreciarlo no significa que no sea arte. Si tengo que hablar de artistas u obras que me han marcado … me apasiona un cuadro ‘sin título’ de Lucian Freud. Tiene obras extraordinarias, pero esta en concreto es increíble. Tiene una plasticidad, una distorsión y una paleta que me conmueven muchísimo. Lo publiqué hace meses en mi cuenta de Instagram. (Podéis verlo aquí): 

https://www.instagram.com/p/BaQwuDmFL6a/?hl=es&taken-by=koko_che_jota).

Sólo puedo aconsejaros que sigáis haciendo las cosas con la misma pasión y cercanía que yo he podido sentir y … trabajar, trabajar, trabajar.

 

 

MERCEDES BELLIDO ESA fina tensión

Mercedes Bellido, nacida en Zaragoza (1991) se traslada a la ciudad de Cuenca para cursar la carrera de Bellas Artes. Durante los cursos universitarios comienza a interesarse por la pintura y decide tomarlo como técnica principal de su trabajo, complementándola con el dibujo y la ilustración. Una vez terminada la carrera, viene a Madrid para realizar un máster de Investigación en Arte y actualmente reside en Madrid trabajando como ilustradora y pintora.

MERCEDES BELLIDO.

La belleza es un concepto muy subjetivo, no se ciñe a algo concreto y eso en sí mismo es bello. Para mí, se asocia a la naturalidad y la espontaneidad, pero sin abandonar un lado oscuro u oculto, que produzca una intriga en el espectador. Mantener una fina tensión.

LA LUNA / MERCEDES BELLIDO.

La creatividad solo se mantiene a través de la investigación constante y el trabajo duro, no hay otra manera.

VANITAS VANITATIS / MERCEDES BELLIDO.

No me gusta explicar qué intento expresar con mis pinturas porque no quiero condicionar las sensaciones que pueda tener el espectador ante la imagen, considero que es igual de válida su lectura que la mía ya que las experiencias personales siempre influyen de manera distinta en cada individuo. Me parece interesante que haya diferentes impresiones sobre una imagen, favorece el diálogo y el crecimiento cultural. Sí que puedo hablar de aspectos comunes o recursos que me gusta utilizar, como el misterio o mantener esa fina tensión en las imágenes y producir así cierta inquietud.

Unnamed / MERCEDES BELLIDO.

Como mujer no he tenido elección, considero que todas las mujeres a día de hoy somos auténticas guerreras de forma completamente natural, hemos tenido que pelear desde el principio nuestro sitio en la sociedad y en el ámbito profesional más todavía. Queda todavía mucho que hacer. Se van conquistando escalones que nos acercan a la igualdad, pero la cima aún queda lejos. Todo lo que cuesta nunca es cómodo, pero es necesario.

MERCEDES BELLIDO.

El principal problema cuando se empieza (y cuando uno se profesionaliza) es el dinero. Debería haber más apoyo desde el estado, se debería prestar más ayuda a los creativos ya sea con becas, residencias o con financiación de proyectos, pero como parece imposible que eso vaya a ocurrir, es mejor currárselo mucho y no tirar la toalla, los inicios siempre son duros y lentos.

SECRETARIO Y JUEGO / MERCEDES BELLIDO.

¿El hilo conductor de mi obra? Mantener la tensión del espectador a través de la utilización del misterio, elementos relacionados con la mística y el mundo natural, como animales, plantas, cartas del tarot, relojes de arena, o flores que se marchitan. Al final no deja de ser una revisión constante del ‘vanitas’ barroco y el ‘tempus fugit’.

SALAMANDRA / MERCEDES BELLIDO.

Ahora estoy preparando mi primer libro. Es un proyecto en el que estoy volcando muchas ganas e ilusión.

QUEBRANTAHUESOS Y MUERTE / MERCEDES BELLIDO.

Existe una obra que sigue conmoviéndome, a pesar del tiempo y las tendencias. Se trata del ‘Vanitas’ de Philippe de Champaigne. Me parece de un minimalismo barroco rotundo.

POLAROID 2 / MERCEDES BELLIDO.

Esta es la ensoñación que me gustaría compartir con vosotros: vivir algún día en el Pirineo aragonés, tener un caballo y muchos perros.

 

SANTIAGO TORRES LÓPEZ Poéticas posibles de Marginalia

Santiago Torres (Agujero llamado Nevermore, 2046) es hijo de un paraguas y una máquina de coser. Ha pintado la mayoría de sus cuadros durante sus siestas de treinta horas sin saber cómo y, cuando le preguntan, se limita a balbucear ‘caramba, caramba’. Es un apasionado del cine de Kurosawa y necesita ver su filmografía completa cada doce minutos. Sus zapatillas son visiblemente más cortas que sus pies y le falta la quinta falange de todos sus dedos meñiques, lo que no le ha impedido publicar mas de tres mil libros, entre ellos quince enciclopedias británicas y quijotes, uno de ellos el de Menard. Actualmente reside en su finca de Marginalia con su esposa Déspina Luisa, su perro Rainbow José y su gato Humboldt María, aunque no en ese orden. Tienen previsto que todos sus hijos se llamen George Harrison Ford Fiesta.

Santiago Torres López por Santi Torres López.

El realismo, en tanto que naturalismo o mímesis, está presente en mi obra por una cuestión que podríamos llamar puramente de ‘guion’. Es decir, creo que el tema exige un cierto grado de verosimilitud en la imagen y por tanto planteo la obra en términos de figuración mas o menos realista pero este no es, ni mucho menos, el fin con el que realizo mi trabajo. La denuncia, en el mismo grado que pueda estar la belleza, o la violencia, o cualquier dimensión, digamos emotiva, estaría implícita en tanto que reacción o pulsión natural y puede estar contenida de manera subyacente y un tanto elusiva o bien, si fuera necesario, ser la nota dominante en la obra.

‘Ritual o derribo’ / Santiago Torres López. 

Sin duda, lo que mantiene mi creatividad viva es la constancia en el trabajo y cierta disciplina. Al final, la creatividad es una cuestión más racional y menos impulsiva, creo yo. La mejor manera de estimularla es permaneciendo en el lugar de trabajo y tratando de encontrar un cauce seguro para cada idea. Por otro lado, al mismo nivel, hay que proporcionarle algún alimento que esté hecho de su misma sustancia: veo, o más bien, estudio mucha pintura. Acumulo imágenes, propias y ajenas. Veo mucho cine, leo, etc.

‘La probática piscina’ / Santiago Torres López.

Creo que ante todo intento posicionarme como creador de imágenes y tratar de asumir, de manera responsable, el manejo de un flujo de material que es constante, imponderable e infinito. Ahí es nada. Claro que si realmente entras al estudio a diario con esta idea en la cabeza, te sientas de brazos cruzados y te echas a llorar. Cada día en este oficio es, por suerte, diferente al anterior. Puede que construyas ciertas rutinas y que te parapetes en ellas, pero el ánimo de hoy varía del de ayer y va a influir decisivamente en la manera en que enfocas el trabajo de ese momento. Supongo que tener cierta consciencia de todo esto es, en cierto modo, definir lo que uno hace. O quizás es solo andarse por las ramas …

‘Narrador en off’ / Santiago Torres López.

Como espectador, asisto cada día al devenir de las cosas. Procuro estar más o menos informado de lo que pasa alrededor mío, en el mundo, contrastar algo la información, etc. Todo un poco a ‘nivel de usuario’. Como creador doy una respuesta a todo eso que es la que es. Quiero decir, no soy consciente del grado de implicación que hay en esas respuestas en relación al nivel de indignación o de satisfacción que pueda producir en mí un acontecimiento concreto. No soy lo que se dice ‘un artista político’ expresamente pero, examinando mi obra, no creo poder decir tampoco lo contrario. No soy un agitador de conciencias ni tampoco un oso hibernando en la cueva.

‘De los de atrás del mundo inteligible’ / Santiago Torres López.

El desafío principal es el de enfrentarse a un panorama tremendamente árido y hostil para la creación, para la cultura. Es darse cuenta de que el poder no tiene ningún interés por facilitar el camino a los agentes culturales porque existe una antipatía manifiesta hacia ellos y, sobre todo, porque no se entiende el valor que la cultura tiene para la sociedad. Ante esta postal existen dos opciones: seguir peleando contra la precariedad del sector permaneciendo aquí para intentar activamente que cambien las cosas o largarse a algún lugar donde se valore mas la noción de cultura y el beneficio que esta trae a la sociedad.

‘Pardés’ / Santiago Torres López.

El hilo conductor que une las vértebras de mi obra es, ante todo, el amor por el oficio de la pintura como una labor milenaria. El componente artesanal de mi trabajo es lo que me procura mas estímulos, mas emociones a lo largo de la jornada y lo que me mueve a querer seguir aprendiendo cosas nuevas y cosas viejas. También la fascinación por las imágenes y cómo estas son capaces de condensar infinidad de narraciones y poéticas posibles.

‘Fricción’ / Santiago Torres López.

He hablado algo de mi pintura, aunque también de mi papel como creador de imágenes en general. En este sentido quiero retomar una faceta de mi trabajo que considero que tengo un tanto cubierta por el polvo. Llevo un par de años queriendo retomar el audiovisual y he escrito un montón de cosas, de manera más o menos formal, que podrían derivar en algún cortometraje. Me gustaría poder mostrar el resultado de todas estas tentativas dentro de poco.

‘Desvelo’ / Santiago Torres López.

Cada día encuentro nuevas cosas que me interesan. Pueden ser recientes o tener dos mil años, pero la verdad es que siempre vuelvo a Velázquez. ‘Las Meninas’ es cuadro muy popular y con razón: está lleno de paradojas y de laberintos que te devuelven constantemente a la casilla de inicio.

‘Conjugación Dämmerung’ / Santiago Torres López.

La música es mi gran frustración. Al cabo del día, me doy cuenta de que lo que mas he estado haciendo es escuchar música. Tengo una cantidad alarmante de instrumentos y no sé tocar ninguno. Quien me conozca dirá que esto es previsible pero no me queda otra: ‘Yo mama’ de Frank Zappa es una canción importante para mí. Tiene un solo de guitarra de casi diez minutos que es sencillamente mágico.

 

‘Las islas imaginarias’ / Santiago Torres López.

 

¿Algún deseo recurrente, Santi?

El que todos estáis pensando.

 

 

 

ANGELA DALINGER Fuck it!

Edición y traducción:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Hamburgo. 04/06/2018.


Angela Dalinger (Neetzendorf /Alemania, 1984). Actualmente reside en Hamburgo y ha expuesto en galerías y ferias de arte de medio mundo. Para algunos, Angela es sinónimo de radicalismo creativo. Nosotras pasamos de etiquetas, aunque lo cierto es que no nos importaría una miga hacernos cargo de semejante cualidad. La necesidad obliga. ¿Han pensado en las dosis justas que requeriría nuestra controvertida condición —nowadays— para argumentar en torno a la sangre, la explotación sexual, el estupor o las lágrimas? No hace falta que se detengan ni un instante a hacer cálculos inútiles. Mejor miren, observen, báñense en la obra de Angela Dalinger. Contra la complacencia erigimos un estandarte y ella forma parte fundamental de la causa. Su trabajo es tan urgente como esas claves abruptas que, de cuando en cuando, enseñan a desanudar lo que la tristeza y la frustración arrastra. Su trabajo grita y llega tan alto que no precisa más verborrea que imite lo que otros ya han pensado o dicho antes. Una vez más: no se pongan cómodos. Tienen suerte, mucha suerte, de poder presenciar lo que arderá a continuación.

Me niego a centrar mi atención en ese tipo de belleza que nos muestran los medios cada día. Creo que en el arte hay más espacio y mucho más para mostrar que la mera expresión de una idea superficial en torno a la estética.

by ANGELA DALINGER.

Ahora mismo no considero que mi creatividad esté funcionando en absoluto. Tengo muchas ideas y hay miles de cosas que me gustaría pintar, pero a veces me toca luchar con la estúpida que llevo dentro, esa que cree que todo lo que hago apesta y que nunca es lo suficientemente sofisticado. Pero entonces me digo: ‘a la mierda’, me pongo un vaso de vino tinto e intento pintar algo que, al menos, me procure la sensación de estar satisfecha con lo que he creado.  

by ANGELA DALINGER.

Definir el sentido de mi trabajo es siempre difícil, aunque mucho más complicado sería tener que definirme a mí misma. Echar un vistazo a mis pinturas es como mirarme en el espejo. No me dice nada. No hay vibraciones de ida y vuelta. Conozco cada detalle y cada error, lo cual convierte el proceso en algo así como mirarme en un espejo distorsionado.  Siempre estoy ansiosa por crear algo que sea auténtico, que para mí es más importante que crear algo bonito. Me gusta expresar mis sentimientos más miserables y cuán miserable puede resultar la gente. Estoy tan desesperada por mostrar lo diferentes que son las cosas en relación a cómo aparecen en los medios … que me lo tomo como si fuera mi vocación.

by ANGELA DALINGER.

Sí, soy una mujer pero realmente no me siento como tal. Es un poco difícil de explicar. Solo intento ser la persona, el ser humano que soy. Nunca he sentido o percibido que mi trabajo haya sido rechazado por el hecho de ser mujer. No puedo decir que tenga una buena relación con la sociedad, lo cual suelo expresar bastante en mi trabajo, pero un poco de sufrimiento no hace daño a la creatividad. 

by ANGELA DALINGER.

Mi ideal de vida se parece a una casa en el campo, tal vez en España, con un tío majo y un perro, poder ganarme la vida de mi arte; tener una mente lúcida, ser muy leída y fumarme todos los cigarrillos que me dé la gana sin tener miedo a morir de cáncer.  

by ANGELA DALINGER.

Estoy trabajando en un pequeño libro sobre la temática ‘elementos del crimen’, que en su mayoría aborda los objetos que suelen aparecer cuando un crimen tiene lugar, pero también las emociones que pueden conducir a una persona a cometerlo. Por ejemplo, el sentimiento de humillación. Para ello, he utilizado el bordado. Espero poder terminar el libro pronto. 

by ANGELA DALINGER.

Me gusta pintar cosas feas y gente fea y quizá también ofrecer al espectador cierto sentimiento de incomodidad. Siempre me gusta mirar más allá de la superficie, mostrar un pedazo del mundo real en mis pinturas. Y porque estoy luchando contra la depresión, no puedo evitar expresarlo en mi trabajo.

by ANGELA DALINGER.

Pintar sangre es siempre divertido. Tengo un botecito de pintura ‘rojo sangre’ brillante precisamente para eso. Uno de mis intereses es el crimen, me gusta leer sobre ello y es muy inspirador para mí, aunque encuentro bastante difícil de combinar esta temática con mi estilo ‘naive’ a la hora de pintar.    

by ANGELA DALINGER.

Diría que Alemania es un lugar seguro para vivir. La seguridad a nivel social es bastante elevada, pero la verdad es que me gustaría mudarme a España, especialmente porque me gusta la gente de allí. También mi trabajo parece valorarse más.  Ya he expuesto ocho veces en España, mientras que en Alemania solamente lo he hecho una vez. En cualquier caso y de momento, dependo de la ayuda del Jobcenter de aquí, así que tendré que quedarme un poco más en mi pueblecito alemán.  

 

 

CARMEN CAÑADAS Lienzos con vida propia

Carmen nació en Granada en 1959. Lleva treinta y cinco años dando pinceladas diarias en la isla de Mallorca, observando, viviendo, meditando, debatiendo para poder ponerle grapas a un nuevo lienzo. A los catorce años ya pintaba retratos. No concibe la vida sin creatividad, afirma con seguridad que es algo que se trabaja y que es necesaria para el desarrollo emocional. El arte y ella son la misma cosa.

Carmen sirviéndose de su modelo para ultimar detalles de su obra ‘SIN TÍTULO’.

Mis vivencias y el mundo que me rodea son el motor de mi creatividad.

‘Contorsionista’. Óleo sobre lienzo. 200×100 cm.

Los fondos negros u oscuros representan lo oculto, lo que no se ve pero puede estar. Es una forma de lenguaje más profunda que no necesita más representación porque limitaría la imaginación.

‘Casta Meretrix’. Óleo sobre lienzo. 162×81 cm.

Yo vivo mi trabajo como un acto de amor. La pintura es la herramienta que utilizo para expresar mis emociones y mis puntos de vista acerca de mis experiencias, con la intención de comprender y autoconocerme.

‘Retrato con peineta’. Óleo sobre lienzo. 19×27 cm.
‘Pau’. Óleo sobre lienzo. 19×61 cm.

Carmen es artista de corazón y condición. Se desarrolló bajo la influencia de su padre, el artista Miguel Cañadas. Sus pinturas neobarrocas se caracterizan por la crítica social y la naturaleza del ser humano.

Me considero humanista, libre pensadora y me pierde el campo de la investigación. A través de la naturaleza, descubrí tanto los colores como las luces y las sombras.

‘Meninas en miriñaque’. Óleo sobre lienzo. 72×93 cm.

Como mujer y como artista vivo en un absurdo, nunca he creído que tuviera que luchar por ningún derecho. Como cualquier otro ser humano, los adquirí nada más llegar al mundo. Considero que pretender lo contrario es fruto de la ignorancia y del miedo.

Tenemos un mercado a medida de los especuladores, donde se ningunea a los artistas, donde escasean la cultura y el criterio. Vivimos en un país donde el sistema educativo es un fracaso, donde se aplasta el talento y se estimulan la competitividad y la ignorancia, donde a las mujeres nos quieren posando y no creando.

‘La justicia’. Óleo sobre lienzo. 19×61 cm.

Los artistas y las artistas somos trabajadores incansables, somos generadoras de riqueza. Gracias a ello existen los museos, los teatros, los auditorios, bibliotecas y librerías, salas de cine, galerías y ferias de arte, representantes y un largo etcétera.

‘Creativo creando’. Homenaje a Joan Miró. Óleo sobre lienzo. 81×54 cm.

Considero que el principal desafío al que se enfrentan los creadores en España es la falta de cultura artística, bien fundamental para el correcto desarrollo del ser humano a niveles emocionales, psíquicos y espirituales. Nos enfrentamos a una administración y a un sistema que nos retrotrae e intenta invisibilizarnos. No me gusta dar consejos, pero en todo caso tenemos el derecho y la obligación de desarrollarnos según nuestras capacidades y preferencias.

‘Burka europeo’. Óleo sobre lienzo. 27×19 cm.

La pintora está preparando una exposición para este otoño en la galería Marimón de Palma. También, junto con su asociación y el ayuntamiento de Calvià, preparan la tercera edición de Joanart 2018. Se trata de un evento artístico que se celebra el 24 de Junio y donde participan todas las disciplinas artísticas. En la pasada edición consiguieron por primera vez en Baleares, que el ayuntamiento de Calvià firmara con la AAVIB ( Asociación de Artistas Visuales de Baleares) el código de las buenas prácticas artísticas.

Detalle de ‘La autoridad’. Óleo sobre lienzo. 200×71 cm.
‘Superbia’. Óleo sobre lienzo. 200×100 cm.

©DÉBORAH GUERRERO y TXETXU GONZÁLEZ para THALAMUS MAGAZINE.

 

MARINA HO y la reinvención de la oscuridad

Marina Ho nace en 1979, pero esperará veintiocho años para despegar y consolidar su segundo nacimiento. Este estallido artístico, a través de la constante mutación y exploración, es el resultado de un viaje espiritual. Viniendo de una familia donde los libros y el arte siempre estuvieron presentes, ella trae consigo un bagaje multicultural que culminará más adelante en un íntimo y heurístico viaje. Marina tiende a la representación de figuras carnosas, cuerpos llenos de interrogantes, evocaciones solemnes y al mismo tiempo libres de cualquier sospecha de fingimiento o forzada sofisticación. Su trabajo nos conecta con una suerte de reencuentro interior necesario, nos interpela desde el magma hasta la corteza e invita a los sentidos numerables a un devenir abundante, sutil e insospechado. En THALAMUS estamos -una vez más- de celebración por poder contar con su amistad, su generosidad, su talento y su presencia. Los fantasmas de nuestro ‘primer número’ ya pueden descansar tranquilos.

 

Marina Ho en acción.
El color negro está asociado a la nada, la profundidad, los abismos. La oscuridad puede parecer inquietante para muchos, pero es al sumergirse en ella que descubrimos la inmensidad de los caminos que conducen a la luz, gracias a un trabajo de introspección. Para mí es sinónimo de la imagen que encarna la alegoría de la cueva de Platón, es ese camino de la ignorancia al conocimiento, de la oscuridad a la luz y de la desesperanza a la esperanza. A nivel personal, es mi profundidad, mi intimidad, mis heridas y mi experiencia.

 

Imagen cortesía de ©Marina Ho.
Lo que mantiene mi creatividad viva y en funcionamiento es el desenlace. La inconstancia y la conciencia. El conocimiento. Que nada es eterno ni adquirido y que cada momento es efímero. ‘Crear para no morir’.
Imagen cortesía de ©Marina Ho.
Lo que siento, lo que trato de expresar mientras trabajo son las emociones con las que convivo, pasando de la melancolía a la esperanza, buscando el momento de gracia, la poesía, los desconciertos que me son valiosos. Lo que realmente define mi trabajo es ese intento de expresar el momento fugaz que existe de una emoción a otra, la inconstancia que me habita y que intento domesticar a través del arte. Lo escurridizo y … crear un ruptura en el tiempo.
Imagen cortesía de ©Marina Ho.
Como mujer, obviamente lucho por la igualdad en el mundo del arte, pero tengo el privilegio de no experimentar ninguna discriminación en las galerías parisinas que me representan.
Imagen cortesía de ©Marina Ho.

Mi ‘vida ideal’ es la que ya vivo. Intento satisfacerme todos los días a pesar de mis exigencias.

Imagen cortesía de ©Marina Ho.

 

¿Proyectos futuros? Exponer en Japón, un país al que dedico un enorme interés en el campo artístico. También me gustaría exponer en Vietnam, mi país de origen, en Nueva York o en Europa. Y, por supuesto, continuar exponiendo en París con Beatrice Soulié y Jean Marie FELLI.

Imagen cortesía de ©Marina Ho.
Me gusta mucho el drama que contiene el Réquiem de Mozart, al que encuentro tanta profundidad como gracia.
Imagen cortesía de ©Marina Ho.
Esos personajes, figuras solitarias que aparecen en mis obras expresan lo escurridizo, los sentimientos humanos del alma, que a menudo están presentes en mi trabajo y son mi principal fuente de inspiración. La condición humana.  A través de los retratos, trato de revelar todas las sutilezas de los diferentes estados de ánimo.

 

Imagen cortesía de ©Marina Ho.

 

Aquí os dejamos ‘CHARCOAL FILM’, un pequeño film dirigido y realizado por Boris Beynet / Idbrandfilm.com sobre Marina, su obra y su proceso creativo. Deléitense:

©Txetxu González para THALAMUS MAGAZINE.

SOCATOBA La explosión de la libertad plena

Sonia Carballo (Socatoba). Nace en Badajoz, en 1979. Es licenciada en Bellas Artes por la Facultad de Sevilla. Ha expuesto en diferentes países, entre los cuales destacan Japón, México, China y Alemania. Recientemente fue galardonada con el accésit ‘Algemesí Valencia’ y reconocida por ‘ARTEINFORMADO’ (Espacio iberoamericano del arte) por ser una de las quince artistas a seguir en el 2018. Vive y trabaja en Barcelona. Pero todos estos datos son —me atrevo a afirmar— irrelevantes, porque lo importante es que ella ha revuelto y continuará revolviendo las entrañas de medio mundo. Irradia. Arrebata. Doblega. Regala. Sobrepasa. Es una artista total. Más adjetivos para describir su obra y su personalidad resultan inútiles. ¿Para qué escribir sobre la belleza que trasciende incluso a los ojos que la observan?

Me encuentro frente a la sección de ‘Arte’ de una conocida librería madrileña. Me es imposible dar con el libro que no busco. Ni siquiera sé si quiero encontrar algo. Tengo hambre y he prometido a mi sobrino de siete años —que no para de trastear en la sección de ciencia ficción— que en cuanto terminemos allí, la próxima parada será en cierto café al que solemos ser fieles los domingos. Todo sea por la tarta de chocolate que dispensan. No paro de quitarle ojo a Adriano mientras miro libros que no me dicen nada. Se mea. Le pregunto si se mea y me dice que no, pero yo sé que se mea. El hecho de que esté de rodillas en el suelo con esa sonrisa de ‘me gustaría liarla y todavía no sé cómo’ ya es un síntoma. Conozco esas poses. A mí también me pasa: cuando la ansiedad empieza a flirtear de la manera más chunga con mi respiración, con mi cuerpo, la gusa que me entra suele ser fina. Las ganas de mear también. Estoy escribiendo esto y tengo ganas de mear. Deben saberlo. No es información baladí. Y no voy a mear porque no quiero levantarme de la silla, aunque me explote la puta vejiga. Solamente quiero seguir escribiendo. Estoy ansioso. Quiero dar con lo que no busco y además, en este caso, sé que quiero encontrar algo. Tal vez, al menos, las palabras justas, las palabras adecuadas, el hilo robado que evite la posibilidad de cagarla. De pronto, cuando todo parece perdido, Déborah me pone en las manos un libro tamaño XXL sobre la obra de Francisco de Goya. Salta el chispazo. Cuando veáis algunas de las obras de Sonia, lo entenderéis, aunque ella misma se encargue, siempre que tiene oportunidad, de cortar de raíz cualquier atisbo de comparación con otros artistas: ‘Nunca he seguido la estela de nadie a la hora de desarrollar mi trabajo. Todos tenemos influencias, claro. Es inevitable. Pero ponerse un espejo delante es algo que cuesta mucho hacer. El ser interno que va más allá de la conciencia … cuando trabajas de esa manera no hay límites’. ¿Hija putativa del modernismo español? Mucho, muchísimo más que eso, créanme. Socatoba es un animal creativo cuya capacidad nos sacude los sentidos para purificarlos a través de los límites que, como humanos, somos incapaces de percibir o dar nombre. Pintura, dibujo, fotografía … cualquier ‘indisciplina’ es para ella una herramienta válida a la hora de dar fondo y forma a su obra. En sus cuadros, los contrarios se buscan y entrelazan, los enemigos no existen. Al mismo tiempo, sus mil y una formas de denunciar lo abyecto de la condición humana nos invitan a una reflexión necesaria sobre cómo nos sentimos, sobre qué rol jugamos en la partida (de antemano perdida) de las inercias cotidianas. La belleza y sus detractores se funden en figuras que el ‘envoltorio’ supura, todo para dejar emerger, en cada una de sus piezas, la posibilidad de una nueva trascendencia.

Después de varias semanas mareando la perdiz, intercambiando mensajes, conversaciones de chat, mails, fotografías, discusiones apasionantes entre horas … este es el pequeño homenaje que, desde Thalamus, queremos hacerle a Sonia Carballo ‘Socatoba’, mujer, fantasma, artista humilde, total e indócil que vuela sin marcas de motor, contracorriente y sin casarse con nadie. Es un auténtico placer tenerla cerca.

¿Recuerdas tu primera experiencia ‘desesperada’ con la pintura? ¿Cómo sucedió? ¿Qué supuso para ti?

No la llamaría desesperada, pero sí bastante incómoda. Me sucedió en un concurso de pintura rápida de mi ciudad, cuando todavía era jovencilla. Nos presentamos varias amigas. Consistía en pintar un cuadro durante un día en un lugar indicado. Al acabar el día, el jurado decidía los premiados. Antes, los miembros se iban paseando, observando a los concursantes. En un momento dado, se pararon donde nos encontrábamos nosotras pintando. La situación se produjo cuando el crítico de arte (parte del jurado y único crítico conocido de la ciudad) se puso a hablar sobre las obras de mis compañeras con el resto de representantes del jurado, dando literalmente la espalda no solo a mi trabajo sino también a mi persona. Sentí una sensación bastante fea, la verdad. En aquel momento era joven y tenía muchas inseguridades con respecto a mi obra. Si ahora me ocurriera lo mismo me daría bastante igual. El tema es que, ese mismo crítico, al que me encontré varios años después en otros eventos culturales, aún me llamaba con otro nombre. Me pareció increíble, pero al menos lo que me produjo esa situación, después de tanto tiempo, fue una gran carcajada. Anécdotas de estas tengo bastantes, como ya os podréis imaginar, pero insisto: para llamarlas ‘desesperadas’ tampoco.

Hablas de las inseguridades que sentías con respecto a tu obra cuando eras más joven. ¿Cuál es tu relación con la inseguridad a día de hoy?

A día de hoy, casi desapareció. Cuando eres consciente de que la inseguridad es una ‘autodevaluación’ subjetiva y arbitraria de tu propia capacidad, normalmente de tendencia negativa y que no sirve para nada, solo para inmovilizarte … la vas dejando atrás. Darte cuenta de que tienes que cambiar la inseguridad por seguridad, seguridad porque eres fiel a lo que sientes, a lo que haces, a ti misma. Si tú estas segura de ti misma lo que proyectarás justamente será seguridad.

©SOCATOBA.

Tu obra está repleta de evocaciones diversas, complementarias y al mismo tiempo enfrentadas: la ascensión y el derrumbamiento, la destrucción, la figura de la madre, la búsqueda o la ausencia de identidad, los polos opuestos, la denuncia. ¿Existe contradicción o pura necesidad en la materialización de todas estas evocaciones?

Partiendo de que la base de mi trabajo se fundamenta en la necesidad de expresión de hechos y situaciones que ocurren a mi alrededor, en el mundo o en mi propia vida, es normal que todas estas evocaciones aparezcan en ella, por pura contradicción, necesidad de materialización o simplemente porque tengo plena libertad de hacer lo que me venga en gana.

¿Crees que esa libertad es real? A veces, nos da la sensación de que lo que ‘elegimos’ hacer o decir con lo que pintamos, escribimos, representamos o esculpimos está DEMASIADO condicionado por lo que tenemos alrededor, que el concepto de libertad se ha violentado tanto que al final hemos perdido control sobre nuestras necesidades reales,  cediendo espacio y tiempo a los intereses o exigencias de la sociedad de consumo.

Sí, creo que esa libertad es real. Estar condicionados como personas que vivimos dentro de una sociedad sea de consumo o no es estar en parte condicionada por ella, en algún que otro aspecto. Lo necesario es darnos cuenta de ello y tener claro si queremos o no estar en ese estado.

©SOCATOBA.

¿Qué marco le pondrías a un espejo resquebrajado y antiguo? ¿Qué barniz utilizarías para ‘proteger’ tu propio autorretrato? ¿Brillante, satinado o mate?

Depende de lo que me transmita el espejo, si tiene necesidad de ser enmarcado lo enmarcaría con un marco antiguo y con historia como él, y si me transmite que no tiene la necesidad de ser enmarcado, no lo enmarcaría. Mate, para que no se refleje nada en él.

©SOCATOBA.

Define a aquellos que se empeñan en definir tus obras.

Pues en este mundo es normal que todos intentemos definir las cosas, las situaciones o las personas. La verdad es que me siento incapaz de definir a las personas que se empeñan en definir mis obras. Creo que simplemente el empeño de querer definir tiene que ser libre, pero si lo haces desde el conocimiento, la definición sería mucho más acertada.

Goya, Dalí, Susan Sontag, Alejandra Pizarnik, Francis Bacon … ¿con quién te irías a tomar un vermut o cuatro? ¿Cón quién a pasar todos los puentes de todos los santos a orillas del lago Walden?

Me iría con todos para poder conocerlos en persona. Una vez con ellos, vería si tomarme uno (por educación) y … me tomaría cuatro con los que me hicieran sentir más a gusto. Hasta conocerlos, imposible decidir con quién pasaría todos los puentes de todos los santos. Pero bueno, si invitan ellos ¿por qué no? ¡Está muy bien vivir experiencias nuevas con gente que no conoces!

©SOCATOBA..

Dentro de diez o quince años una galería de arte será un lugar …

Difícil predecir el futuro. Por ahora no tengo esa capacidad.

Sí me gustaría que siguieran existiendo las galerías que trabajan con artistas que necesitan empuje y apoyo, ayudando a darles voz y mostrando su obra en otros países, en ferias … y que tengan coleccionistas que no solo compren trabajo de gente ya consolidada.

España es ese lugar del mundo en el que la gente, por lo general, todavía pide permiso para entrar a una galería de arte. Es una realidad que no se da en la mayoría de países de nuestro entorno. ¿A qué crees que se debe? Y ya que mencionas la figura del coleccionista de arte, ¿qué crees que haría falta para que se comenzara a implantar una cultura de adquisición de obras sostenible y al alcance de todos?

La verdad es que no creo que solo ocurra en España. Que aquí todavía siga existiendo ese pensamiento del arte como algo elitista, puede ser, pero creo que ya está más que superado. Igual pienso que, en parte, muchas de las galerías crean justamente ese ‘halo’ porque solo les interesa el público que directamente sea un posible comprador, coleccionista …  A veces ni a mí me dan ganas de entrar. Por otra parte, no creo que se tenga que implantar una cultura de adquisición de obras sostenible y al alcance de todos porque ya existe.
 No todos los artistas movemos precios desorbitados, dentro de mundo del arte hay muchos artistas y muchos precios, de los cuales todos nos podemos permitir comprar. El tema es que la gente no está acostumbrada, al menos en este país, a comprar arte.

En cualquier caso, esta pregunta da mucho juego, porque de paso podríamos hablar otra vez de la precariedad laboral de los creadores, del poco apoyo por parte del gobierno, del porcentaje que se llevan las galerías (que ya casi todas, por no decir todas, se llevan un 50% de la venta), el IVA al 21 %, que incluso trabajando con galerías (si es que tienes la suerte de que te lleve alguna) no te aseguran ventas … ¿creéis que la gente esta informada sobre todo esto?

¿A quién dedicarías el último cuadro, la última performance, la última fotografía de tu vida?

A mí misma.

Algunas artistas eluden responder preguntas relacionadas con la política. ¿Eres tú una de esas artistas?

NO, aunque sinceramente hablar de política me pone bastante nerviosa. Hay personas que se vuelven muy radicales cuando hablan de este tema. Creo que sería más sano e inteligente si tuviéramos la capacidad de poder hablar de política de una manera más tranquila, escuchando opiniones diferentes sin llegar al nivel del odio y la confrontación exagerada.

¿Qué opinas sobre la posibilidad de implantar una renta básica para artistas y creadores? ¿Estarías a favor o en contra?

A favor de la renta básica, evidentemente. Leí hace poco en un texto sobre renta básica para creadores lo siguiente: “Lo importante no es, como dijo Joseph Beuys, eso de que ‘todo ser humano es un artista’ sino garantizar que cualquier persona que decida ser artista pueda efectivamente serlo”. Una gran verdad. No vivir bajo la precariedad laboral, ya que la mayoría de las profesionales de estos sectores vivimos de otros trabajos para poder compensar los que no recibimos como creadores. Y si ya entráramos en el tema del género …

¿No crees que posicionarse a favor de la renta básica para artistas y creadores es también una manera de posicionarse políticamente?

Pues sí. El gobierno no está haciendo nada por la cultura … a parte de recortar. Lo que me pregunto es cuál de los partidos políticos sería el indicado para que la renta básica para creadores fuera una realidad y no un discurso para ganar los votos de los que nos dedicamos a esto. Evidentemente quieren borregos. Son más fáciles de manejar. Rollo rebaño. Somos así de tontos.

©SOCATOBA.

En una hipotética carrera de fondo en la que te ves obligada a participar … Rajoy te adelanta por la derecha con ese peculiarísimo estilo al andar que le caracteriza. Justo en ese instante, caes en la cuenta de que se le van cayendo sendos hilillos de plastilina negra (o chapapote) por la nariz y la boca. Tu reacción ante semejante cuadro es: a) parar de correr y empezar a descojonarte en su cara; b) hacerle la zancadilla; c) sacarle una foto con el móvil para, en un momento futuro, poder pintar la escena; d) pasar de su coño corrupto.

Me tendría que ver en la situación y la verdad es que no me veo para nada, aunque creo que por mi manera de ser y siendo artista … pintaría la escena y creo que podríais imaginar cómo sería … BOOM! Hace unos años dibujé al rey Juan Carlos para la revista Vice. Nos pidieron a varios artistas una interpretación sobre su persona. La verdad es que me quedé bastante ancha …

‘NUESTRO REY’ de ©SOCATOBA para la revista VICE.

 ¿Qué criaturas deambulan por tus Inner Landscapes?

Criaturas zoomorfas que actúan con plena libertad dentro de paisajes oníricos … otra manera de trabajar sobre la creación de nuevos paraísos. 

©SOCATOBA.

La canción de tu vida o de tu principio del nuevo año es …

‘I won’t complain’ de Benjamin Clementine.

©SOCATOBA.

¿En qué andas enfangada ahora mismo? ¿Algún proyecto, exposición, ensoñación o ida de pinza que desees compartir con nosotros?

Sigo trabajando en la serie ‘The End of Nature’ (entre otras que sigo ampliando y creando), cerrando varias exposiciones en Barcelona, una colectiva para el 15 de Febrero y otra individual para el 22 de marzo, donde expondré por primera vez la serie completa ’49 Maneras de Dibujar a una madre’, a punto de comenzar un proyecto mural privado. ¡Os iré informando!

Ensoñaciones tengo muchísimas e idas de pinza también, pero creo que no las voy a compartir. Bueno, solo una ensoñación que sé que se convertirá en realidad: poder vivir plenamente de mi trabajo artístico y tener un taller enorme (fábrica antigua, a poder ser) y volverme loca trabajando dentro de ella.

SOCATOBA estará expuesta en CAGE (Cortines 23, Born, Barcelona, 08003) del 22 de Marzo al 11 de Mayo de 2018. Vernissage: 22 de Marzo a las 19.30. 

©Txetxu González para THALAMUS MAGAZINE.

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