REVISTA DE ARTE CONTRA LA CORDURA

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MERLIJNE MARELL Viaje a Estocolmo

Edición:
Leticia Delgado
Andrea Farré
ltcdelgado@gmail.com
andrea.farre@gmail.com
Barcelona/Arnhem.
11/12/2018.


Para Merlijne Marell la ilustración es una forma de diseñar su propio mundo y compartirlo con otros. Vive y trabaja en la ciudad que la vio nacer, Arnhem (Holanda). Allí fue donde, a los nueve años, asistió a una charla de una ilustradora que le abrió los ojos: descubrió que existía la profesión de “ilustrador”. Un año después, ganó un concurso de dibujos que le permitió viajar a Estocolmo con su familia para visitar el centro cultural Junibacken (inspirado en la creadora de Pipi Calzaslargas). Para Merlijne, haber ganado ese concurso, supuso  su primer éxito como ilustradora. 

Formada en la Academia Willem de Kooning de Rotterdam (Holanda) y en la Escuela de Artes de Gante (Bélgica), para crear su trabajo sueña despierta, lee y hojea libros, visita exposiciones, observa la naturaleza y habla con otros acerca de lo que quieren hacer o en qué les gustaría convertirse. 

En este momento trabaja en su tercer libro, con el villano que la acompaña en su obra desde hace más de diez años de protagonista. Está en las primeras fases del proceso, las más difíciles: después de haberlo imaginado, debe trasladarlo al papel. En esta ocasión es más difícil, si cabe, por tratarse de un trabajo muy personal, lo que lo convierte en algo “urgente, hermoso y aterrador al mismo tiempo”. Cuando lo termine le gustaría exponer las ilustraciones de este libro en una pequeña galería de Amberes llamada Bries Space. Es un lugar que ella define como encantador y que le gusta porque mezcla pintura, ilustración, diseño gráfico, cómic, animación y escultura.

En el plano de los proyectos por definir, le da vueltas a una posible colaboración con un diseñador de productos para transformar sus ilustraciones en un utensilio textil, lo que supondría explorar un nuevo medio para expresar sus historias visuales.  

Las ideas y la inspiración surgen más rápido que su ejecución, así que siempre tiene trabajo por hacer. Sueña con tener energía ilimitada para crear.

©Merlijne Marell.

Mi primer libro ‘Schobbejacques en de 7 geiten’ (Loopvis, 2015), fue ganador de un ‘Vlag y Wimpel’. Esto me dio la oportunidad de exponerlo en el Stedelijk Museum de Amsterdam. Además, las ilustraciones se expusieron en el Rijksmuseum Amsterdam y en el Museo de la Nación Eslovaca en Bratislava.

Obra de ©Merlijne Marell.

Desde niña he estado vinculada a la ilustración, a través de libros que leía y que había en casa.

Obra de ©Merlijne Marell.

Mi trabajo siempre comienza con tres ingredientes: el amor por el color y las técnicas, al que se añade un flujo de inspiración e ideas que están presentes en mi cabeza la mayor parte del tiempo. Estas ideas surgen a mayor velocidad que la propia ejecución, así que siempre tengo trabajo que hacer. 

Obra de ©Merlijne Marell.

Un día perfecto para mí consistiría en ir a coger flores, tomar café, cenar con amigos y pasar algunas horas productivas en el estudio.

Obra de ©Merlijne Marell.

Mi sueño sería crear una exposición para un museo, donde no solo se colocaran algunas obras mías en la pared, sino que a partir de ellas se originase una experiencia total.

Obra de ©Merlijne Marell.

Hay muchas formas de ser creativo, no solo en el campo de las artes. Yo me siento muy agradecida por las oportunidades que me brinda mi creatividad, pero eso no quiere decir que siempre me sienta feliz. A veces, el proceso creativo es realmente difícil por el miedo y el estrés que acompañan a casi todos los proyectos. Pero al final, las ideas cobran vida, así que esa es la recompensa de todos esos sufrimientos.

Obra de ©Merlijne Marell.

 

EMILY GERNILD Not just another impressive scandinavian artist

Edición y traducción:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Copenhague. 10/07/2018.


EMILY GERNILD.

Emily Gernild (Odense, 1985). Soy una soñadora. Cuando era niña, siempre era la última en el patio porque estaba ocupada mirando cómo los otros niños se ponían sus chaquetas y zapatos. Todavía soy un poco así y si demasiadas cosas suceden a mi alrededor, no llego a ninguna parte. Esa es una de las razones por las que no puedo trabajar en espacios abiertos. Necesito mi soledad y privacidad para centrarme’.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

El color por sí solo no es necesariamente importante, sino cómo se combina, cómo la luz y la oscuridad hacen vibrar las tonalidades y cómo hacen que las obras cobren vida. Los contrastes con respecto al color y la forma añaden energía a los motivos y brindan diversión a las composiciones de la vida cotidiana. Me gusta trabajar con los contrastes y con la ‘energía’. Tanto en forma como en fondo. Contrastes entre la profundidad y la superficie, entre las velocidades a las que los diferentes colores alcanzan al espectador, entre el sujeto y el objeto, entre la claridad y la oscuridad.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

Lo que mantiene mi creatividad viva es pasar tiempo en mi estudio, a veces esperando que una pintura se construya en la imaginación. Pero también limpiando cosas viejas que ya no necesito. Tanto en casa como en mi estudio. Bosquejo mucho y utilizo mucho las redes sociales e Internet. Siempre estoy atenta a los colores y a las formas.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

A menudo mi trabajo comienza con la indignación y la curiosidad que despierta una limitación. Podría querer expresar la convención que de alguna manera priva a una minoría de hacer lo que considera o siente que es lo más importante. Mis pinturas con flores comenzaron de esa manera, cuando descubrí que las mujeres artistas a menudo ‘elegían’ practicar con naturalezas muertas, retratos y flores en las escuelas de arte, simplemente porque se les impedía tomar parte en los estudios del desnudo, en clases impartidas por artistas y profesores varones en las academias de arte escandinavas. Los estudios del desnudo se consideraban como la forma más elevada de expresión artística. La separación institucional se ha alejado de las academias pero está muy presente en los museos que exhiben, coleccionan y archivan arte contemporáneo. Menos del 10% del presupuesto se gasta en arte realizado por artistas mujeres.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

Como artista y como mujer ¿cuál es tu relación con el mundo/la sociedad actual? ¿Te sientes cómoda con las sinergias que plantea el mercado del arte hoy en día?

Probablemente, nunca tendrás que hacerle esta pregunta a nuestros colegas varones. Lo que significa que todavía es necesario hablar sobre ello. NUNCA se trata de poner en cuestión lo que creo que es más importante aquí: la calidad. Sin embargo, no estoy segura de que herramientas como las cuotas de género sean la solución correcta. Pero debo ser honesta aquí: algunos galeristas me han preguntado si estoy planeando tener otro bebé simplemente porque una gran parte del mercado y el mundo del arte actúa como un tren de alta velocidad. Si tragas, estás dentro, pero si te caes o te bajas demasiado tiempo del tren, estás fuera. Yo he decidido creer y mi experiencia hasta ahora es que el trabajo duro, la dedicación y el talento pueden permitirme vivir la vida como la artista que siempre quise ser.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

El equilibrio es mi ideal de vida.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

Este otoño, Royal Copenhagen y yo lanzaremos dos colaboraciones diferentes. La primera incluirá la producción de un cortometraje que se exhibirá en Copenhague (Dinamarca) y Tokio (Japón). Este proyecto se lanzará durante los meses de septiembre y octubre. La segunda colaboración tendrá lugar en Copenhague durante el mes de noviembre. Además, ese mismo mes, tendré mi primera exposición individual fuera de Dinamarca, que será en Berlín.

EMILY GERNILD en su estudio.

¿Cuál es el músico, compositora o canción que tiene el poder de rescatarte de una sacudida emocional?

 

Sin duda Frédéric Chopin o Claude Debussy.

EMILY GERNILD en su estudio.

Mi madre amaba a Paul Cézanne y teníamos un póster viejo en la parte posterior de la puerta de la cocina. Aquella obra representaba una naturaleza muerta con cebollas, una copa de vino y una botella. Creo que es ahí donde mi fascinación por el entorno de la vida cotidiana echa sus raíces. También nace de artistas daneses como J. F. Willumsen, Vilhelm Lundstrøm y Storm P. La casa de mi abuela estaba llena de arte y música clásica. Su sala de estar era naranja. Ella no tenía mucho dinero y mi abuelo pintaba copias de piezas de arte famosas para llenar las paredes. Todo en su casa era modesto y viejo, pero nunca carecía de encanto y espíritu. Otra vez, como ves, mi gran amor por los colores nace de cierta cotidianidad.

‘Nature morte aux oignons’ (1896-1898) / PAUL CÉZANNE. Paris, Musée d’Orsay.

Mientras nuestra hija sea pequeña, me mantendré cerca de las cosas y de las personas que ella conozca, incluidos los dos hijos mayores de mi marido, los hermanos mayores de Hannah. Ahora mismo veo Dinamarca llena de oportunidades para mí, pero tanto mi compañero como yo estamos muy por la labor de vivir en el extranjero en algún momento.

KOKO CHE JOTA Un día sin aprender es un día perdido

Edición:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Sevilla/Berlín. 18/07/2018.


KOKO CHE JOTA.

KoKo Ché Jota es Carolina Häfner Jiménez. Carolina Häfner Jiménez es KoKo Ché Jota. Nace en Granada un año después de la caída del muro de Berlín. Ese mismo año, sus padres deciden volver a Alemania. Su historia es una historia fraguada a golpe de decisiones nada fáciles. Una de las más importantes la llevaría a regresar a Andalucía años después de casi terminar la carrera de arquitectura y de estar al frente de un estudio donde, inevitablemente, debía ejercer dotes de mando.

Nos queda claro que la historia de Carolina es una historia volcada hacia la vida por el arte y hacia el arte por la vida. Sabemos que su valentía resume de forma muy certera el periplo humano, lleno de matices importantes e íntimos, que una persona ha de enfrentar para continuar avanzando erguida, fiel a sus principios y a sus deseos, leal a la vocación profunda que disfrutamos hoy con cada una de sus obras. Es por este poso de emoción que siempre nos dejan sus cuadros que desde Thalamus queremos añadir este eco: GRACIAS KoKo por ser ejemplo.

No me siento a pintar buscando la belleza, lo que sí es verdad es que persigo la armonía en mis cuadros, puede que por ello al final resulten bellos. Me llaman las bellezas raras, siempre intento buscarlas. Me aburren las bellezas perfectas, creo que nada en este mundo es perfecto, aunque intenten colarnos la idea de ello en el bombardeo diario que recibimos por todas partes.

Obra de KOKO CHE JOTA.

Me inspira prácticamente todo. Me encanta que sea así, me gusta ser una esponja porque al final todo lo que absorbemos, inconscientemente, lo transformamos. Creo que es la herramienta que más utilizo y que menos me ha costado desarrollar. Por otro lado confío en mi intuición, muchas veces trabajo de manera impulsiva. Aun así tengo mis esquemas muy marcados. 

Obra de KOKO CHE JOTA.

Soy muy metódica trabajando, incluso antes de ponerme a pintar. Siempre empiezo igual: nada más entrar en el taller me hiervo agua para una infusión, me siento en el ordenador y pongo el ‘Nocturne’ de Chopin o alguna otra música inspiradora. Esto me transmite paz y tranquilidad, con esta energía empiezo a pintar. Es justamente lo que quiero que transmitan mis cuadros. Creo que la vida esta llena de estímulos que nos inquietan, quiero que las personas que tengan un cuadro mío en su salón, sientan serenidad al verlos.

Obra de KOKO CHE JOTA.

Estoy tan absorbida con mi trabajo que vivo un poco en una burbuja, me siento muy libre y por ahora no he percibido ninguna sensación de amenaza por el hecho de ser mujer y artista. Aun así, si la burbuja en algún momento estallara por algún comentario, confiaría en mi propia filosofía y en la libertad del arte.

Obra de KOKO CHE JOTA.

Soy muy inquieta, me aburro muy pronto y me encanta aprender. Para mí, un día sin aprender es un día perdido. Estoy en búsqueda de nuevos soportes que me hagan salir del lienzo. Cada técnica te hace adaptar o incluso reinventar por completo tu estilo. ‘Saltar de un barco a otro’ me emociona porque nunca sé lo que voy a encontrar y eso me motiva y me hace evolucionar. Puedo descubrir algo nuevo que no esperaba o estancarme en algo difícil de resolver, en conclusión: me hace sentir viva y ¿existe algo mejor que sentirse así a la hora de sentarse a trabajar? Me atrevería a decir que para un artista supondría morir lentamente si cada día hiciera lo mismo sin reinventarse.

KOKO CHE JOTA.

Aún estoy digiriendo mi último proyecto “Los Gusanos Del Lapso”. Ha sido mi primera obra grande. Me gusta pensar que mis proyectos siempre están abiertos, es decir que en cualquier momento, cuando yo lo sienta, puedo añadir una obra más a la serie. Son proyectos de vida, cada uno de ellos. Ahora mismo estoy construyendo nuevas estructuras y me siento muy motivada. ¡Ya veréis!

Obra de KOKO CHE JOTA.

Me preocupa mucho la situación política. No solo en España, sino en el mundo entero. El ser humano ha llegado a la cúspide del egoísmo y de la insensatez y, donde más se refleja y más poder tiene, es en la política. Mi deseo sería un colapso total. 

KOKO CHE JOTA.

Para mí el arte es libertad y por eso todo puede serlo. La naturaleza misma crea arte todos los días y el hecho de que alguien sea incapaz de apreciarlo no significa que no sea arte. Si tengo que hablar de artistas u obras que me han marcado … me apasiona un cuadro ‘sin título’ de Lucian Freud. Tiene obras extraordinarias, pero esta en concreto es increíble. Tiene una plasticidad, una distorsión y una paleta que me conmueven muchísimo. Lo publiqué hace meses en mi cuenta de Instagram. (Podéis verlo aquí): 

https://www.instagram.com/p/BaQwuDmFL6a/?hl=es&taken-by=koko_che_jota).

Sólo puedo aconsejaros que sigáis haciendo las cosas con la misma pasión y cercanía que yo he podido sentir y … trabajar, trabajar, trabajar.

 

 

ANGELA DALINGER Fuck it!

Edición y traducción:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Hamburgo. 04/06/2018.


Angela Dalinger (Neetzendorf /Alemania, 1984). Actualmente reside en Hamburgo y ha expuesto en galerías y ferias de arte de medio mundo. Para algunos, Angela es sinónimo de radicalismo creativo. Nosotras pasamos de etiquetas, aunque lo cierto es que no nos importaría una miga hacernos cargo de semejante cualidad. La necesidad obliga. ¿Han pensado en las dosis justas que requeriría nuestra controvertida condición —nowadays— para argumentar en torno a la sangre, la explotación sexual, el estupor o las lágrimas? No hace falta que se detengan ni un instante a hacer cálculos inútiles. Mejor miren, observen, báñense en la obra de Angela Dalinger. Contra la complacencia erigimos un estandarte y ella forma parte fundamental de la causa. Su trabajo es tan urgente como esas claves abruptas que, de cuando en cuando, enseñan a desanudar lo que la tristeza y la frustración arrastra. Su trabajo grita y llega tan alto que no precisa más verborrea que imite lo que otros ya han pensado o dicho antes. Una vez más: no se pongan cómodos. Tienen suerte, mucha suerte, de poder presenciar lo que arderá a continuación.

Me niego a centrar mi atención en ese tipo de belleza que nos muestran los medios cada día. Creo que en el arte hay más espacio y mucho más para mostrar que la mera expresión de una idea superficial en torno a la estética.

by ANGELA DALINGER.

Ahora mismo no considero que mi creatividad esté funcionando en absoluto. Tengo muchas ideas y hay miles de cosas que me gustaría pintar, pero a veces me toca luchar con la estúpida que llevo dentro, esa que cree que todo lo que hago apesta y que nunca es lo suficientemente sofisticado. Pero entonces me digo: ‘a la mierda’, me pongo un vaso de vino tinto e intento pintar algo que, al menos, me procure la sensación de estar satisfecha con lo que he creado.  

by ANGELA DALINGER.

Definir el sentido de mi trabajo es siempre difícil, aunque mucho más complicado sería tener que definirme a mí misma. Echar un vistazo a mis pinturas es como mirarme en el espejo. No me dice nada. No hay vibraciones de ida y vuelta. Conozco cada detalle y cada error, lo cual convierte el proceso en algo así como mirarme en un espejo distorsionado.  Siempre estoy ansiosa por crear algo que sea auténtico, que para mí es más importante que crear algo bonito. Me gusta expresar mis sentimientos más miserables y cuán miserable puede resultar la gente. Estoy tan desesperada por mostrar lo diferentes que son las cosas en relación a cómo aparecen en los medios … que me lo tomo como si fuera mi vocación.

by ANGELA DALINGER.

Sí, soy una mujer pero realmente no me siento como tal. Es un poco difícil de explicar. Solo intento ser la persona, el ser humano que soy. Nunca he sentido o percibido que mi trabajo haya sido rechazado por el hecho de ser mujer. No puedo decir que tenga una buena relación con la sociedad, lo cual suelo expresar bastante en mi trabajo, pero un poco de sufrimiento no hace daño a la creatividad. 

by ANGELA DALINGER.

Mi ideal de vida se parece a una casa en el campo, tal vez en España, con un tío majo y un perro, poder ganarme la vida de mi arte; tener una mente lúcida, ser muy leída y fumarme todos los cigarrillos que me dé la gana sin tener miedo a morir de cáncer.  

by ANGELA DALINGER.

Estoy trabajando en un pequeño libro sobre la temática ‘elementos del crimen’, que en su mayoría aborda los objetos que suelen aparecer cuando un crimen tiene lugar, pero también las emociones que pueden conducir a una persona a cometerlo. Por ejemplo, el sentimiento de humillación. Para ello, he utilizado el bordado. Espero poder terminar el libro pronto. 

by ANGELA DALINGER.

Me gusta pintar cosas feas y gente fea y quizá también ofrecer al espectador cierto sentimiento de incomodidad. Siempre me gusta mirar más allá de la superficie, mostrar un pedazo del mundo real en mis pinturas. Y porque estoy luchando contra la depresión, no puedo evitar expresarlo en mi trabajo.

by ANGELA DALINGER.

Pintar sangre es siempre divertido. Tengo un botecito de pintura ‘rojo sangre’ brillante precisamente para eso. Uno de mis intereses es el crimen, me gusta leer sobre ello y es muy inspirador para mí, aunque encuentro bastante difícil de combinar esta temática con mi estilo ‘naive’ a la hora de pintar.    

by ANGELA DALINGER.

Diría que Alemania es un lugar seguro para vivir. La seguridad a nivel social es bastante elevada, pero la verdad es que me gustaría mudarme a España, especialmente porque me gusta la gente de allí. También mi trabajo parece valorarse más.  Ya he expuesto ocho veces en España, mientras que en Alemania solamente lo he hecho una vez. En cualquier caso y de momento, dependo de la ayuda del Jobcenter de aquí, así que tendré que quedarme un poco más en mi pueblecito alemán.  

 

 

MICHAELA KNIZOVA Rasgando el olvido

Michaela Knizova (Hnusta, Eslovaquia, 1982). Fotógrafa que también dedica el tiempo a serpentear en el vídeo y la performance. Su enfoque general es más intuitivo y estético que conceptual. Las fotografías de Michaela están compuestas de tal manera que nos recuerdan a pinturas clásicas. Sus principales campos de interés son los mitos en todas sus formas, desde leyendas antiguas sobre cuentos de hadas hasta historias urbanas actuales.

El autorretrato fue para Michaela, durante el primer período, su principal medio de expresión, que consistió en reinterpretar arquetipos y mitos populares, traladarlos a los tiempos modernos y darles una visión femenina. Con el tiempo, el proyecto se amplió a la interpretación de los mitos contemporáneos y a la creación de los de ficción.

Últimamente está explorando nuevas formas de contar historias, con un estilo de narración más indirecto y complejo. En lugar de simplemente visualizar un mito, crea el escenario, el mundo en el que sucede. Ha dado un giro a esa pequeña serie de retratos que cuentan una historia lineal, dando paso a una multitud de tomas individuales que crean un patrón complejo. Este patrón se convierte en el objeto, transformando muchas imágenes en una sola.

Michaela Knizova
Michaela Knizova

Visito iglesias y cementerios antiguos, me gustan los sitios históricos espeluznantes, pero la oscuridad está más conectada a mi expresión artística que a mi vida personal. Tengo un particular interés en el esteticismo de las viejas fotografías y en la cinematografía antigua. Estas obras contienen cierto tipo de visualidad melancólica y sentimental. Parecen oscuras, no por los temas que abordan, sino porque muestran una distancia en el tiempo, la extrañeza de una edad enterrada durante mucho tiempo. Indirectamente, recuerdan al paso del tiempo y a la inevitabilidad de la muerte y del olvido. Es este tipo de oscuridad nostálgica la que me interesa y fascina.

Muchas de las fotos que hago son el resultado de mi propia intuición. Por lo general, suelo contar con un concepto a desarrollar desde el principio, pero este concepto a menudo evoluciona y cambia mientras trabajo. No intento expresar cosas específicas, es más como una especie de idea que trato de abordar y visualizar para mí, un viaje que se convierte en el objetivo en sí mismo. Mis diferentes series son el resultado de distintas ideas o que muestran enfoques diversos de ideas que conecto. Lo que siento mientras trabajo, lo que quiero expresar no es realmente importante. El espectador debe hacer su propia interpretación de lo que ve.

Michaela Knizova
Michaela Knizova

La sociedad sigue estando hecha un desastre en general. Algunas cosas están mejorando, otras no. Como artista y mujer, creo que todavía estamos en una situación en la que se sigue considerando que el arte más ‘caro’ es el que está realizado, fundamentalmente, por artistas hombres. Pero en lo que concierne a mi vida … la verdad es que me importa muy poco lo que suceda en el mercado del arte. Yo principalmente creo cosas para mí.

Michaela Knizova

No tengo un ideal de vida. La vida es compleja, las cosas cambian, la utopía no existe.

A menudo trabajo con temas relacionados con cierta percepción del mundo antiguo. La mitología, la religión, pero también los mitos urbanos contemporáneos reflejan una forma de pensar arcaica. Estas cosas ya no son tal vez necesarias en nuestro mundo moderno, pero guardan cierta melancolía en su interior, un relato sobre la percepción del mundo pasado, un anhelo por las historias sencillas. Nuestra historia y nuestro pensamiento mágico-histórico aún nos definen de alguna manera. La magia conecta todos mis trabajos.

Michaela Knizova
Michaela Knizova

En este momento estoy trabajando en un proyecto basado en una mitología futura ficticia, dando vueltas alrededor del romanticismo y del idealismo futuros. Aborda los viajes interestelares y la búsqueda de un nuevo planeta. Estoy viajando mucho en la vida real y buscando buenas localizaciones de ‘ciencia ficción’.

Michaela Knizova
Michaela Knizova
Michaela Knizova
Michaela Knizova

 

SOCATOBA La explosión de la libertad plena

Sonia Carballo (Socatoba). Nace en Badajoz, en 1979. Es licenciada en Bellas Artes por la Facultad de Sevilla. Ha expuesto en diferentes países, entre los cuales destacan Japón, México, China y Alemania. Recientemente fue galardonada con el accésit ‘Algemesí Valencia’ y reconocida por ‘ARTEINFORMADO’ (Espacio iberoamericano del arte) por ser una de las quince artistas a seguir en el 2018. Vive y trabaja en Barcelona. Pero todos estos datos son —me atrevo a afirmar— irrelevantes, porque lo importante es que ella ha revuelto y continuará revolviendo las entrañas de medio mundo. Irradia. Arrebata. Doblega. Regala. Sobrepasa. Es una artista total. Más adjetivos para describir su obra y su personalidad resultan inútiles. ¿Para qué escribir sobre la belleza que trasciende incluso a los ojos que la observan?

Me encuentro frente a la sección de ‘Arte’ de una conocida librería madrileña. Me es imposible dar con el libro que no busco. Ni siquiera sé si quiero encontrar algo. Tengo hambre y he prometido a mi sobrino de siete años —que no para de trastear en la sección de ciencia ficción— que en cuanto terminemos allí, la próxima parada será en cierto café al que solemos ser fieles los domingos. Todo sea por la tarta de chocolate que dispensan. No paro de quitarle ojo a Adriano mientras miro libros que no me dicen nada. Se mea. Le pregunto si se mea y me dice que no, pero yo sé que se mea. El hecho de que esté de rodillas en el suelo con esa sonrisa de ‘me gustaría liarla y todavía no sé cómo’ ya es un síntoma. Conozco esas poses. A mí también me pasa: cuando la ansiedad empieza a flirtear de la manera más chunga con mi respiración, con mi cuerpo, la gusa que me entra suele ser fina. Las ganas de mear también. Estoy escribiendo esto y tengo ganas de mear. Deben saberlo. No es información baladí. Y no voy a mear porque no quiero levantarme de la silla, aunque me explote la puta vejiga. Solamente quiero seguir escribiendo. Estoy ansioso. Quiero dar con lo que no busco y además, en este caso, sé que quiero encontrar algo. Tal vez, al menos, las palabras justas, las palabras adecuadas, el hilo robado que evite la posibilidad de cagarla. De pronto, cuando todo parece perdido, Déborah me pone en las manos un libro tamaño XXL sobre la obra de Francisco de Goya. Salta el chispazo. Cuando veáis algunas de las obras de Sonia, lo entenderéis, aunque ella misma se encargue, siempre que tiene oportunidad, de cortar de raíz cualquier atisbo de comparación con otros artistas: ‘Nunca he seguido la estela de nadie a la hora de desarrollar mi trabajo. Todos tenemos influencias, claro. Es inevitable. Pero ponerse un espejo delante es algo que cuesta mucho hacer. El ser interno que va más allá de la conciencia … cuando trabajas de esa manera no hay límites’. ¿Hija putativa del modernismo español? Mucho, muchísimo más que eso, créanme. Socatoba es un animal creativo cuya capacidad nos sacude los sentidos para purificarlos a través de los límites que, como humanos, somos incapaces de percibir o dar nombre. Pintura, dibujo, fotografía … cualquier ‘indisciplina’ es para ella una herramienta válida a la hora de dar fondo y forma a su obra. En sus cuadros, los contrarios se buscan y entrelazan, los enemigos no existen. Al mismo tiempo, sus mil y una formas de denunciar lo abyecto de la condición humana nos invitan a una reflexión necesaria sobre cómo nos sentimos, sobre qué rol jugamos en la partida (de antemano perdida) de las inercias cotidianas. La belleza y sus detractores se funden en figuras que el ‘envoltorio’ supura, todo para dejar emerger, en cada una de sus piezas, la posibilidad de una nueva trascendencia.

Después de varias semanas mareando la perdiz, intercambiando mensajes, conversaciones de chat, mails, fotografías, discusiones apasionantes entre horas … este es el pequeño homenaje que, desde Thalamus, queremos hacerle a Sonia Carballo ‘Socatoba’, mujer, fantasma, artista humilde, total e indócil que vuela sin marcas de motor, contracorriente y sin casarse con nadie. Es un auténtico placer tenerla cerca.

¿Recuerdas tu primera experiencia ‘desesperada’ con la pintura? ¿Cómo sucedió? ¿Qué supuso para ti?

No la llamaría desesperada, pero sí bastante incómoda. Me sucedió en un concurso de pintura rápida de mi ciudad, cuando todavía era jovencilla. Nos presentamos varias amigas. Consistía en pintar un cuadro durante un día en un lugar indicado. Al acabar el día, el jurado decidía los premiados. Antes, los miembros se iban paseando, observando a los concursantes. En un momento dado, se pararon donde nos encontrábamos nosotras pintando. La situación se produjo cuando el crítico de arte (parte del jurado y único crítico conocido de la ciudad) se puso a hablar sobre las obras de mis compañeras con el resto de representantes del jurado, dando literalmente la espalda no solo a mi trabajo sino también a mi persona. Sentí una sensación bastante fea, la verdad. En aquel momento era joven y tenía muchas inseguridades con respecto a mi obra. Si ahora me ocurriera lo mismo me daría bastante igual. El tema es que, ese mismo crítico, al que me encontré varios años después en otros eventos culturales, aún me llamaba con otro nombre. Me pareció increíble, pero al menos lo que me produjo esa situación, después de tanto tiempo, fue una gran carcajada. Anécdotas de estas tengo bastantes, como ya os podréis imaginar, pero insisto: para llamarlas ‘desesperadas’ tampoco.

Hablas de las inseguridades que sentías con respecto a tu obra cuando eras más joven. ¿Cuál es tu relación con la inseguridad a día de hoy?

A día de hoy, casi desapareció. Cuando eres consciente de que la inseguridad es una ‘autodevaluación’ subjetiva y arbitraria de tu propia capacidad, normalmente de tendencia negativa y que no sirve para nada, solo para inmovilizarte … la vas dejando atrás. Darte cuenta de que tienes que cambiar la inseguridad por seguridad, seguridad porque eres fiel a lo que sientes, a lo que haces, a ti misma. Si tú estas segura de ti misma lo que proyectarás justamente será seguridad.

©SOCATOBA.

Tu obra está repleta de evocaciones diversas, complementarias y al mismo tiempo enfrentadas: la ascensión y el derrumbamiento, la destrucción, la figura de la madre, la búsqueda o la ausencia de identidad, los polos opuestos, la denuncia. ¿Existe contradicción o pura necesidad en la materialización de todas estas evocaciones?

Partiendo de que la base de mi trabajo se fundamenta en la necesidad de expresión de hechos y situaciones que ocurren a mi alrededor, en el mundo o en mi propia vida, es normal que todas estas evocaciones aparezcan en ella, por pura contradicción, necesidad de materialización o simplemente porque tengo plena libertad de hacer lo que me venga en gana.

¿Crees que esa libertad es real? A veces, nos da la sensación de que lo que ‘elegimos’ hacer o decir con lo que pintamos, escribimos, representamos o esculpimos está DEMASIADO condicionado por lo que tenemos alrededor, que el concepto de libertad se ha violentado tanto que al final hemos perdido control sobre nuestras necesidades reales,  cediendo espacio y tiempo a los intereses o exigencias de la sociedad de consumo.

Sí, creo que esa libertad es real. Estar condicionados como personas que vivimos dentro de una sociedad sea de consumo o no es estar en parte condicionada por ella, en algún que otro aspecto. Lo necesario es darnos cuenta de ello y tener claro si queremos o no estar en ese estado.

©SOCATOBA.

¿Qué marco le pondrías a un espejo resquebrajado y antiguo? ¿Qué barniz utilizarías para ‘proteger’ tu propio autorretrato? ¿Brillante, satinado o mate?

Depende de lo que me transmita el espejo, si tiene necesidad de ser enmarcado lo enmarcaría con un marco antiguo y con historia como él, y si me transmite que no tiene la necesidad de ser enmarcado, no lo enmarcaría. Mate, para que no se refleje nada en él.

©SOCATOBA.

Define a aquellos que se empeñan en definir tus obras.

Pues en este mundo es normal que todos intentemos definir las cosas, las situaciones o las personas. La verdad es que me siento incapaz de definir a las personas que se empeñan en definir mis obras. Creo que simplemente el empeño de querer definir tiene que ser libre, pero si lo haces desde el conocimiento, la definición sería mucho más acertada.

Goya, Dalí, Susan Sontag, Alejandra Pizarnik, Francis Bacon … ¿con quién te irías a tomar un vermut o cuatro? ¿Cón quién a pasar todos los puentes de todos los santos a orillas del lago Walden?

Me iría con todos para poder conocerlos en persona. Una vez con ellos, vería si tomarme uno (por educación) y … me tomaría cuatro con los que me hicieran sentir más a gusto. Hasta conocerlos, imposible decidir con quién pasaría todos los puentes de todos los santos. Pero bueno, si invitan ellos ¿por qué no? ¡Está muy bien vivir experiencias nuevas con gente que no conoces!

©SOCATOBA..

Dentro de diez o quince años una galería de arte será un lugar …

Difícil predecir el futuro. Por ahora no tengo esa capacidad.

Sí me gustaría que siguieran existiendo las galerías que trabajan con artistas que necesitan empuje y apoyo, ayudando a darles voz y mostrando su obra en otros países, en ferias … y que tengan coleccionistas que no solo compren trabajo de gente ya consolidada.

España es ese lugar del mundo en el que la gente, por lo general, todavía pide permiso para entrar a una galería de arte. Es una realidad que no se da en la mayoría de países de nuestro entorno. ¿A qué crees que se debe? Y ya que mencionas la figura del coleccionista de arte, ¿qué crees que haría falta para que se comenzara a implantar una cultura de adquisición de obras sostenible y al alcance de todos?

La verdad es que no creo que solo ocurra en España. Que aquí todavía siga existiendo ese pensamiento del arte como algo elitista, puede ser, pero creo que ya está más que superado. Igual pienso que, en parte, muchas de las galerías crean justamente ese ‘halo’ porque solo les interesa el público que directamente sea un posible comprador, coleccionista …  A veces ni a mí me dan ganas de entrar. Por otra parte, no creo que se tenga que implantar una cultura de adquisición de obras sostenible y al alcance de todos porque ya existe.
 No todos los artistas movemos precios desorbitados, dentro de mundo del arte hay muchos artistas y muchos precios, de los cuales todos nos podemos permitir comprar. El tema es que la gente no está acostumbrada, al menos en este país, a comprar arte.

En cualquier caso, esta pregunta da mucho juego, porque de paso podríamos hablar otra vez de la precariedad laboral de los creadores, del poco apoyo por parte del gobierno, del porcentaje que se llevan las galerías (que ya casi todas, por no decir todas, se llevan un 50% de la venta), el IVA al 21 %, que incluso trabajando con galerías (si es que tienes la suerte de que te lleve alguna) no te aseguran ventas … ¿creéis que la gente esta informada sobre todo esto?

¿A quién dedicarías el último cuadro, la última performance, la última fotografía de tu vida?

A mí misma.

Algunas artistas eluden responder preguntas relacionadas con la política. ¿Eres tú una de esas artistas?

NO, aunque sinceramente hablar de política me pone bastante nerviosa. Hay personas que se vuelven muy radicales cuando hablan de este tema. Creo que sería más sano e inteligente si tuviéramos la capacidad de poder hablar de política de una manera más tranquila, escuchando opiniones diferentes sin llegar al nivel del odio y la confrontación exagerada.

¿Qué opinas sobre la posibilidad de implantar una renta básica para artistas y creadores? ¿Estarías a favor o en contra?

A favor de la renta básica, evidentemente. Leí hace poco en un texto sobre renta básica para creadores lo siguiente: “Lo importante no es, como dijo Joseph Beuys, eso de que ‘todo ser humano es un artista’ sino garantizar que cualquier persona que decida ser artista pueda efectivamente serlo”. Una gran verdad. No vivir bajo la precariedad laboral, ya que la mayoría de las profesionales de estos sectores vivimos de otros trabajos para poder compensar los que no recibimos como creadores. Y si ya entráramos en el tema del género …

¿No crees que posicionarse a favor de la renta básica para artistas y creadores es también una manera de posicionarse políticamente?

Pues sí. El gobierno no está haciendo nada por la cultura … a parte de recortar. Lo que me pregunto es cuál de los partidos políticos sería el indicado para que la renta básica para creadores fuera una realidad y no un discurso para ganar los votos de los que nos dedicamos a esto. Evidentemente quieren borregos. Son más fáciles de manejar. Rollo rebaño. Somos así de tontos.

©SOCATOBA.

En una hipotética carrera de fondo en la que te ves obligada a participar … Rajoy te adelanta por la derecha con ese peculiarísimo estilo al andar que le caracteriza. Justo en ese instante, caes en la cuenta de que se le van cayendo sendos hilillos de plastilina negra (o chapapote) por la nariz y la boca. Tu reacción ante semejante cuadro es: a) parar de correr y empezar a descojonarte en su cara; b) hacerle la zancadilla; c) sacarle una foto con el móvil para, en un momento futuro, poder pintar la escena; d) pasar de su coño corrupto.

Me tendría que ver en la situación y la verdad es que no me veo para nada, aunque creo que por mi manera de ser y siendo artista … pintaría la escena y creo que podríais imaginar cómo sería … BOOM! Hace unos años dibujé al rey Juan Carlos para la revista Vice. Nos pidieron a varios artistas una interpretación sobre su persona. La verdad es que me quedé bastante ancha …

‘NUESTRO REY’ de ©SOCATOBA para la revista VICE.

 ¿Qué criaturas deambulan por tus Inner Landscapes?

Criaturas zoomorfas que actúan con plena libertad dentro de paisajes oníricos … otra manera de trabajar sobre la creación de nuevos paraísos. 

©SOCATOBA.

La canción de tu vida o de tu principio del nuevo año es …

‘I won’t complain’ de Benjamin Clementine.

©SOCATOBA.

¿En qué andas enfangada ahora mismo? ¿Algún proyecto, exposición, ensoñación o ida de pinza que desees compartir con nosotros?

Sigo trabajando en la serie ‘The End of Nature’ (entre otras que sigo ampliando y creando), cerrando varias exposiciones en Barcelona, una colectiva para el 15 de Febrero y otra individual para el 22 de marzo, donde expondré por primera vez la serie completa ’49 Maneras de Dibujar a una madre’, a punto de comenzar un proyecto mural privado. ¡Os iré informando!

Ensoñaciones tengo muchísimas e idas de pinza también, pero creo que no las voy a compartir. Bueno, solo una ensoñación que sé que se convertirá en realidad: poder vivir plenamente de mi trabajo artístico y tener un taller enorme (fábrica antigua, a poder ser) y volverme loca trabajando dentro de ella.

SOCATOBA estará expuesta en CAGE (Cortines 23, Born, Barcelona, 08003) del 22 de Marzo al 11 de Mayo de 2018. Vernissage: 22 de Marzo a las 19.30. 

©Txetxu González para THALAMUS MAGAZINE.

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