REVISTA DE ARTE CONTRA LA CORDURA

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MERCEDES HELNWEIN Something fishy about the mundane

Edición:
Txetxu González
Traducción:
Antonio Acosta
Corrección inglesa: Gina Rosemellia
thalamusxmagazine@gmail.com
Madrid/Los Ángeles. 17/03/2019.


MERCEDES HELNWEIN

Mercedes Helnwein was born in Vienna, Austria. She moved to Ireland with her family in her teens, where she spent her time writing and drawing. Consciously choosing not to attend art schools, Helnwein developed a distinct visual style that remained fully untouched by outside opinions, peers or fads.  Instead she drew her inspiration from personal influences,  ranging from Southern Gothic traditions to the cartoons of Robert Crumb, nineteenth Century Russian literature, American motel culture and the Delta blues, amongst others.

Her first art shows were self-instigated, unorthodox one-night events in Los Angeles often with one or two other inexperienced young artists, most commonly photographer Alex Prager.  Sponsored by various alcoholic beverage companies, magazines, and unlikely supporters such as Land Rover, these shows generated a surprisingly genuine response and enabled Helnwein to continue developing her ideas, styles and experimenting with her interests and themes.  She exhibited regularly in Los Angeles during this period at the Merry Karnowsky Gallery, as well as in Europe, steadily garnering interest and collectors, amongst them Damien Hirst, who bought out a London show.

Her novel “The Potential Hazards of Hester Day” was published by Simon & Schuster in 2008, and in French by La Belle Colére in 2014 as “La Ballade d’Hester Day”.  Her second novel is in the process of being edited.

Mercedes Helnwein currently lives and works in downtown Los Angeles and Ireland.

Mercedes Helnwein nació en Viena, Austria. En su adolescencia se mudó a Irlanda con su familia, donde pasaba el tiempo escribiendo y dibujando. Eligiendo de manera consciente no asistir a escuelas de arte, Helnwein desarrolló entonces un estilo visual distintivo que permaneció totalmente al margen de opiniones externas, compañeros o modas. En lugar de esto, ella encontró inspiración en sus propias influencias personales, que abarcan desde la tradición sureña y gótica de los dibujos animados de Robert Crumb, la literatura rusa del siglo diecinueve, la cultura de motel norteamericana y el Delta blues, entre otros.

Sus primeros espectáculos artísticos fueron promovidos por ella misma, eventos de una noche y poco ortodoxos en Los Ángeles, con uno o otros dos artistas jóvenes inexpertos, muy frecuentemente con el fotógrafo Alex Prager. Apoyados por varias compañías de bebidas alcohólicas, revistas y patrocinadores atípicos como Land Rover, estos espectáculos generaron una respuesta sorprendentemente genuina y permitieron a Helnwein continuar desarrollando sus ideas, estilos y experimentando con sus intereses y temáticas. Durante este mismo período, Mercedes expuso regularmente en Los Ángeles en la Galería Merry Karnowsky, así como en Europa, ganando constantemente interés y coleccionistas, entre ellos Damien Hirst, quien compró un espectáculo en Londres.

Su novela “The Potential Hazards of Hester Day” fue publicada por Simon & Schuster en 2008, y en francés por La Belle Colere en 2014 como «La Ballade d’Hester Day”. Su segunda novela está en proceso de edición.

Mercedes Helnwein actualmente vive y trabaja en  Los Ángeles e Irlanda.

‘ANNOYED GIRL’ by MERCEDES HELNWEIN.

Beauty is a must, if it is flawed enough. You gotta have darkness, although in theme more than necessarily literal darkness of tone.  And preferably you balance it with humor. And as for color, I’ve slowly gained the courage over the last few years to actually use all the crazy colors that I initially stayed away from.  I’ve progressed from relatively monochrome imagery (grays, blues, greens) to full on everything   –yellow, pink, neon green– you name it.  It really did take me a long time feel okay with that kind of loud color –scheme though– and to figure out how to retain the darkness with bright colors.

La belleza es una obligación, si es lo suficientemente imperfecta. Debes tener oscuridad, si bien en el tema más que necesariamente en el tono. Y preferiblemente lo equilibras con humor. Y en cuanto al color, he ganado confianza poco a poco durante los últimos años para, en efecto, usar todos los colores alocados de los que me alejaba al principio. He evolucionado desde diseños prácticamente monocromos (grises, azules, verdes) hasta llenos de colores -amarillo, rosa, verde neón- por mencionar algunos. Realmente me costó un tiempo sentirme a gusto con este tipo de paleta de colores tan llamativa y entender cómo contener la oscuridad con colores brillantes.

‘PROM KIDS’ by MERCEDES HELNWEIN.

Everything in my work is based on the potentiality of a story.  I’m always an audience member when it comes to my own work. I have to be entertained by the promise of a story, or I’m not interested. I don’t need to know all the details of the story –it doesn’t need to hit me over the head– but I want an image to be an entrance point to something.  A rabbit hole. 

I love the idea that there’s something fishy about the mundane. A lot of the reference material I gravitate to are really normal American family or school scenes, borderline boring moments of uneventful life.  The challenge then is to make it work, and bring across the idea that although technically nothing is off in the scene, everything is potentially totally off.

I’m a Stephen King fan for a reason –he’s the best at putting you in innocuous settings– normal people, normal lives, normal towns, and then making everything go slowly weird. 

Todo en mi obra artística está basado en el potencial de una historia. Soy siempre una espectadora cuando se trata de mi propio trabajo. Tengo que estar entretenida por la promesa de una historia, o no estoy interesada. No necesito conocer todos los detalles de esa historia, no necesita pegarme en la cabeza, pero quiero una imagen que sea la puerta de entrada hacia algo. Una madriguera.

Me encanta la idea de que haya algo sospechoso sobre lo mundano. Gran parte del material de referencia por el que me siento atraída está compuesto por familias americanas normales o escenas escolares, al borde de momentos aburridos de vida sin contratiempos. El reto entonces es hacer que funcione y transmitir la idea de que aunque técnicamente nada está fuera de la escena, todo lo está potencialmente.

Soy fan de Stephen King por una razón, él es el mejor situándote en escenarios anodinos, gente normal, vidas normales, ciudades normales y, entonces, hacer que todo se vuelva raro paulatinamente.

‘LITTLE MONSTER’ by MERCEDES HELNWEIN.

I’ve never thought of myself as a «woman artist».  I was lucky enough to have grown up in an atmosphere where gender was irrelevant.  I have three brothers, and there was never any kind of difference between how they were encouraged or I was. Our parents fully supported whatever we wanted to do in life, and even as a young artist and as an adult, I’ve been lucky in not having run into any sexist hurdles in the world.  This good luck let me develop artistically very freely, with zero attention on what gender I am and what this means in terms of my art. 

I know it’s not the same for many women out there. I know there are plenty of challenges for girls and women who are trying to have a career, so it’s good to see that things are changing.

As far as the art market is concerned: I don’t think it has very much to do with art in the fist place, so it would be disappointing if you tried to play that game or interact with the art market, expecting it to be actually hinged on art. It seems to have more of a stock-market vibe and is controlled by people who are not artists. And although there is definitely some great art to be found at the top and some amazing passionate people, the majority of the choices are pretty random at best.  It’s just what it is, you have to see it as such, and it’s fine. 

There’s always the question of what is art?  Is art Rembrandt?  Yes for sure, but then is it also a bench in a gallery turned upside down?  Why?  What makes that bench a work of art?  Especially after we’ve already had decades of benches turned upside down and rocks piled into a corner, so that the theory of any of that being outrageous or groundbreaking is mute.  So what is it? 

It’s confusing, and most people don’t have time to play mind-tricks with themselves in order to understand why a tire on a wall at Art Basel is art.  It’s like weird homework that reaps no rewards.  Why put yourself through that if you’re not being paid for it or something?  And I think that’s a major failure on the part of the “art”.  I’m not saying art should be catered explicitly to the masses like a Youtube video about cats doing funny stuff, but I do think it should be a tad more potent generally speaking, enough to have the power to cause impact beyond the small stock-market confines of the art world.  Enough to stop someone on the street –someone who doesn’t care about art– and outrage them, challenge them, transport them, make them think, feel, react, shift into new viewpoints, cry, laugh.  Or no?

Nunca pensé en mí como una “mujer artista”. He tenido la fortuna de haberme criado en un ambiente donde el género era irrelevante. Tengo tres hermanos y no hubo nunca ninguna diferencia entre cómo los estimularon o cómo lo hicieron conmigo. Nuestros padres apoyaron por completo todo lo que quisimos hacer en la vida, he tenido suerte de no haberme encontrado con ninguna traba sexista en el mundo. Esta buena suerte me permite desarrollarme artísticamente con mucha libertad, sin prestar atención al género que tengo y lo que significa en cuanto a mi trabajo.

Sé que no es lo mismo para muchas mujeres ahí fuera, sé que hay muchos retos para niñas y mujeres que están intentando tener una carrera profesional, por lo que es bueno ver que las cosas están cambiando.

En lo que concierne al mercado del arte: no creo que tenga mucho que ver con el arte en primer lugar, de hecho, sería decepcionante si intentaras jugar ese juego o interactuar con el mercado artístico esperando que esté verdaderamente supeditado al arte. Tiene más bien una atmósfera de mercado de valores y está controlado por gente que no es artista.

Y a pesar de que hay definitivamente arte de calidad que se puede encontrar, la mayoría de las elecciones son relativamente aleatorias en el mejor de los casos. Es justo lo que es, tienes que verlo como tal y está bien.

Siempre está ahí la pregunta de qué es el arte. ¿Es arte Rembrandt? Sí, por supuesto, pero entonces, ¿lo es también un banco puesto boca abajo en una galería? ¿Por qué? ¿Qué convierte a un banco en obra de arte?, especialmente después de que hayamos tenido décadas de bancos boca abajo y rocas apiladas en una esquina, de modo que la teoría de que son escandalosos o rompedores se apague. Entonces, ¿qué es? 

Es confuso, y la mayoría de la gente no tiene tiempo para jugar trucos mentales con ellos mismos para entender por qué un neumático en la pared en el Art Basel es arte. Es una especie de tarea bizarra que no aporta ninguna recompensa. ¿Por qué someterse a ella si ni siquiera te pagan por hacerlo? Y creo que es uno de los mayores fracasos con respecto al “arte”. No estoy diciendo que el arte debería ser servido explícitamente a las masas para satisfacer una demanda como un vídeo de gatitos haciendo cosas divertidas en Youtube, sino que pienso que debería ser un poco más potente en general, al menos lo suficiente como para tener el poder de causar impacto más allá de los límites del pequeño mercado del arte. Suficiente como para parar a alguien en la calle -alguien a quien no le importa el arte en absoluto- y escandalizarlo, cambiarlo y transportarlo, hacerle reflexionar, sentir, reaccionar, pensar en nuevos puntos de vista, llorar, reir. ¿O no?

‘AVIATION CLUB’ by MERCEDES HELNWEIN.

I would like to have unlimited time and funds to realize all the ideas that pile up inside of me, even if they seem ridiculous.  That’s a pretty ideal scenario.  Freedom in life to concentrate on artistic problems.

Me gustaría tener tiempo ilimitado y medios para llevar a cabo todas las ideas que se amontonan en mi interior, incluso si parecen ridículas. Es una perspectiva bastante ideal. Libertad en la vida para concentrarse en los problemas artísticos.

‘HORMONS’ by MERCEDES HELNWEIN.

I just finished writing a young adult novel called Slingshot that will be coming out next year.  It’s the story of the simultaneous beauty and the shitstorm of first love.  I think love is one of the great subject matters out there – and one of the easiest to inspire really bad writing.  But if it’s well written, it can be so good, because being in love makes people nuts – and instantly you have a story.

Acabo de terminar de escribir una novela para jóvenes adultos llamada Slingshot que se publicará el año que viene. Es la historia de la simultanea belleza y la tormenta de mierda del primer amor. Creo que el amor es uno de los grandes temas ahí fuera, y uno de los más fáciles para inspirar literatura realmente mala. Pero si está bien escrito, puede ser muy bueno, porque estar enamorado vuelve muy loca a la gente y de manera inmediata tienes una historia.

‘CONNECTION’ by MERCEDES HELNWEIN.

Currently I mainly work with oil pastel on paper.  I guess this came about because I used to work obsessively in the medium of drawing, but eventually found it to be too restrictive and claustrophobic.  I had a box of oil pastels lying around at the time and a large roll of paper and decided to see what happens.  From there I just fell in love with that medium.  The end result were paintings on paper, but you approached it like a drawing and you could go as big as you want, and there was a whole world of colors I hadn’t been exposed to before.

I also liked the fact that oil pastel on paper wasn’t a big medium that other people were using, and so I felt like I could make myself at home there and just create a unique style that was mine.

Actualmente trabajo principalmente con pasteles al óleo sobre papel. Supongo que esto ocurrió porque solía trabajar obsesivamente en dibujo, pero en última instancia lo encontré demasiado restrictivo y claustrofóbico. En aquel momento, tenía una caja de pasteles al óleo por ahí  y un rollo de papel largo y decidí ver qué pasaba. Desde entonces, me quedé prendada de ese medio artístico. El resultado final fueron pinturas sobre el papel, pero lo abordaba como un dibujo y podía hacerlo tan grande como quisiera, y me encontré con un gran mundo de colores a los que nunca había estado expuesta antes.

Me gustó también el hecho de que el pastel al óleo no era un gran medio que otras personas estuvieran usando, lo que hizo que me sintiera como en casa, y acabe creando un estilo único que era solo mío.

OBRA de MERCEDES HELNWEIN.

I have never been to Spain, but I’ve always felt I need to go there someday.  I think my name alone demands it.  I grew up in Austria and Germany where the name Mercedes means a car. The kids on the playground always thought my mom was crazy and calling her car.

I love Goya, thanks to my dad.  He has a big collection of Goya etchings that are mind blowing. I can’t wait to visit the Prado. And I also feel like there is a sensibility in Spain to art that I can relate to.  Over the years I’ve gotten continual interest in my work from Spain, despite the fact that I’ve never been there and never shown there.  So there must be some connection.

Nunca he estado en España, pero siempre he sentido la necesidad de ir allí algún día. Pienso que mi nombre solo lo reclama. Me críe en Austria y Alemania donde el nombre Mercedes hace referencia a un coche. Los niños del parque siempre pensaban que mi madre estaba loca y que llamaba a su coche.

Me encanta Goya gracias a mi padre. Él tiene una gran colección de grabados que son alucinantes. No puedo esperar para visitar el Prado. Y también siento que hay una sensibilidad en España en relación con el arte en la que puedo verme reflejada. A lo largo de los años, ha habido un interés continuo hacia mi trabajo desde España, a pesar de que nunca he estado y nunca he expuesto allí. Por lo que debe haber alguna conexión.

‘DANCE’ by MERCEDES HELNWEIN.

HORACIO QUIROZ La condición humana inmersa en su dualidad

Edición: 
Txetxu González
thalamusxmagazine@gmail.com
Madrid/Ciudad de México. 03/04/2019.


HORACIO QUIROZ.

Afincado en Ciudad de México, Horacio Quiroz comienza sus estudios de pintura, de forma autodidacta, en el año 2013. Ese mismo año, motivado por su pasión hacia las artes visuales, decide dejar la publicidad para dedicarse por completo a la actividad artística. Durante los últimos años se ha lanzado en una nueva trayectoria vital y profesional, experimentando con varias técnicas propias de representación pictórica que le han guiado en la definición de su visión e identidad como artista. Este cambio en su vida ha dado lugar a una profunda introspección personal, estrechamente vinculada a lo que ahora da forma a su cuerpo de trabajo.

EN EL ESTUDIO DE HORACIO QUIROZ.

Creo que el cuerpo es el receptáculo de nuestra historia espiritual en este plano en el que vivimos. Es a través del cuerpo que aprendemos día a día la experiencia humana. La identidad y la anatomía son complementarias y opuestas, no puedes tener conciencia respecto de ti mismo y de lo que te hace diferente a los demás sin estas dos variables. El miedo para mí es la emoción que acciona al mundo en su mayoría, el trabajo está en hacerlo consciente para transmutarlo y poder actuar desde otro lugar más caritativo. La belleza no está en el resultado de la trasmutación sino en el proceso de catalización y cambio.

OBRA SELECCIONADA DE HORACIO QUIROZ.

Creo que propiciar espacios de paz mental, deshacerse del discurso interno que continuamente hace ruido en la cabeza ayuda bastante a mantener la creatividad viva y funcionando. Olvidarse del móvil y el trabajo durante ciertos períodos de tiempo tampoco me vendría mal. Cuando estableces estos parénesis o espacios de no pensar, dentro de la rutina de trabajo, la creatividad surge sola. Creo que releer el “Catching the big fish” de David Lynch no me vendría mal en estos momentos.

EN EL ESTUDIO DE HORACIO QUIROZ.

Creo que mi trabajo es emocional, catártico, confrontativo y que está lleno de dudas. Mientras trabajo invoco a la concentración, me distraigo muy fácil.

OBRA SELECCIONADA DE HORACIO QUIROZ.

No me siento cómodo del todo con las sinergias que genera el mercado del arte en la actualidad, pero hay que tratar de adaptarse. Gracias a los avances tecnológicos somos víctimas de la inmediatez, todo es cada vez más rápido y el mismo mercado exige al creador la misma prontitud con la que avanza el mundo, pero para mí la pintura es un ejercicio que no puede modificar sus tiempos de producción. Algo a favor es que las redes sociales están devolviendo autonomía al artista dentro del mercado del arte, de forma que puedes trabajar con galerías y tener clientes en prácticamente cualquier parte del mundo, sin estar limitado a la burocracia del mercado de tu país.

OBRA SELECCIONADA DE HORACIO QUIROZ.

Creo que el mercado del arte en México empezó a ocupar un lugar de importancia y crecimiento desde hace más de diez años, con el surgimiento de las ferias de arte internacionales que tienen lugar en mi país, pero incluso así falta todavía mucha diversificación y madurez en el mercado del arte en México. Falta educación en el coleccionismo, impulso a los nuevos coleccionistas y democratización hacia todos los tipos de arte. Como pintor figurativo en México extraño los circuitos bien establecidos que existen en el Reino Unido, Australia o Europa, donde cuentan con publicaciones, galerías y ferias que impulsan y validan conjuntamente el trabajo de los pintores figurativo-surrealistas.

OBRA SELECCIONADA DE HORACIO QUIROZ.

Mi consejo para los artistas que están empezando es que no se comparen. La carrera de un artista es única. También es muy necesario que planifiquen, en lo posible, sus finanzas.

OBRA SELECCIONADA DE HORACIO QUIROZ.

El hilo conductor que une la mayor parte de mi trabajo es la reflexión sobre la condición humana, inmersa en la dualidad.

OBRA SELECCIONADA DE HORACIO QUIROZ.

Prefiero no pensar en el futuro, es mejor trabajar y estar listo para cuando las oportunidades llamen a la puerta.

OBRA SELECCIONADA DE HORACIO QUIROZ.

Si tuviera que mencionar a un artista que, aún hoy, me sigue conmoviendo ese sería Egon Schiele.

 

ENERO #4

ENERO, 2019

¿Qué pintamos aquí?

Nos cuentan que hace 367 días desde que THALAMUS MAGAZINE salía con su primer número, cargadita de temores y gracias al empuje y talentos de gente que nos dijo que sí sin conocernos de nada. Hemos perdido la cuenta de la cantidad de nudos resquebrajados que han quedado atrás. Volvimos a tierra temblorosa hace apenas un mes. No es la primera vez que hablamos de neofascismo aquí. Solo añadiremos una pequeña nota más a este respecto: podrán zarandear algunos cimientos, pero nosotras permanecemos más firmes que nunca. Los pasos atrás se conjugan en tercera persona del plural.

Alguien, durante la cena del veinticuatro de diciembre, nos pregunta ¿qué es THALAMUS? Y las respuestas se multiplican segundos después: una revista, una plataforma, un hilo, un rompehielos, un acto de resistencia, una semilla, un grito, un rumbo, una expedición, un zaguán con casco y chimenea, una excusa rara, una falla en la comunidad. Es posible que, en parte, seamos todo eso pero, en los días posteriores y de más allá, hemos tenido tiempo suficiente para comentarlo y creemos haber consensuado una respuesta más certera: THALAMUS es aquel pingüino emperador solitario, de aproximadamente un metro de altura, que nos encontramos hace muy poco sobre la banquisa del mar de Amundsen. Nos miraba desafiante y con calma, a más de quince grados bajo cero, y sus ojos también contenían un mensaje para el resto del mundo: aquí no pintáis nada.

Por aquel entonces, ese mensaje se mezcló con las noticias que recibíamos desde el sur y desde otras partes del mundo. ¿Qué hacían allí todos esos votos, todos esos muros, esas amenazas, esos terraplenes y esa baba tóxica? Claro que sobrevino el temblor, claro que por supuesto hubo debate. ¿Qué rumbo fijamos ahora? Nos quedamos un buen rato en silencio. Entonces recibimos las primeras obras de Íñigo. No olvidaremos el ‘zumbidito/mensaje entrante’ de aquel primer bálsamo. Y horas, días más tarde, la sinfonía continuó a ritmo imparable: llegó lo de Julia, lo de Fede y también lo de Paco. Después, los poemas de Violeta, Javier, Laia, Ángel, Francisco, Jèssica o Juando se colaron por debajo de las puertas de cada camarote, lo mismo que las ilustraciones de Merlijne y Asis. La tinta mágica de Celeste aderezó cada guiso y los libros/apuestas de Lola, Alberto, Miguel Ángel, Nathalie, Julio y de veinticinco jóvenes andaluces nos insuflaron una pizquita más de determinación. No lo creímos cuando ya ‘fuera de plazo’ recibimos aquellos relatos salvajes de Rosetta, Sara, Déborah, Lucía y Rubén. ¿Y qué podemos decir de las fotos de Montse y Valiente, de las reflexiones de Asier? Claro que hubo lágrimas, claro que sobrevino el temblor, claro que hubo debate. ¿Qué rumbo fijamos ahora? RESPUESTA: ENERO, 2019. Año de celebración. Sí, de celebración. Porque cumplimos un año y, sobre todo, porque estamos listas para resistir, porque habremos de pintar y atravesar, más y mejor, allí donde se yerga la rifa en el lenguaje o la chorrada más irracional. Porque prometemos no poner, jamás, la otra mejilla.

 

Disfruten sin medida la medicina que aquí se dispensa. Está permitida, es aconsejable, la sobredosis.

 

Madrid-Barcelona-Las Palmas de Gran Canaria / ENERO, 2019. ©Equipo de THALAMUS MAGAZINE para todas las estaciones públicas de penitencia.

 

Explorando un clásico desconocido Ciclo de Julio Diamante en la Filmoteca Española

Por Pedro Fuertes
pefuva3@gmail.com
Madrid 4/01/2019


Foto: Filmoteca española

Hace poco en la Filmoteca Española se rindió homenaje a un director español poco conocido para el gran público. La corta extensión de su obra o el momento que “eligió” para desarrollarse como director, pueden ser algunas de las razones por las que no alcanzó la fama.

Julio Diamante (Cádiz, 1930) es historia del cine español. El cineasta consiguió retratar a través de su obra la idiosincrasia de su época, finamente y siempre desde el humor. Nació el año anterior de la proclamación del régimen republicano, del cual fue siempre un gran defensor, y un comprometido opositor, razón por la que viviría no pocos problemas. Diamante, entre otras cosas, fue el primer líder estudiantil, organizando el Congreso de Escritores Jóvenes en 1955, algo que comentó en la Filmoteca en una de las charlas previas a la proyección de sus películas, recordando cómo en algún momento llegó a verse envuelto en alguna conversación poco amistosa con la policía en la que salió a relucir su gusto por el cine soviético, los considerados enemigos, y por el cine sueco y su director más sobresaliente en ese momento, Victor Strotjeim.

Las anécdotas de su historia de vida son casi inacabables y desde hoy, es fácil imaginar la reacción del régimen de la época ante un joven que manifiesta su oposición a través de la burla y con cierta repercusión. Tuvo problemas que finalmente derivaron en su expulsión de la escuela de cine tras once años dando clases por «rojo». En sus propias palabras: “En todas las actividades en que he intervenido me he encontrado con la censura en situaciones muy jodidas”.

Una de las proyecciones durante la retrospectiva en la filmoteca fue la película El arte de vivir, en la cual un joven desarraigado busca su lugar en el mundo. Su crítica y su cínica visión del mundo hace que viva el rechazo social a lo largo de toda la película. Sus aspiraciones son altas pero su desdén por las personas que le rodean es aún mayor. La película es un retrato de miles de jóvenes de la época, una generación en su mayor parte perdida, con una ambición cuyas posibilidades, espíritu y pensamiento no estaban disponibles en aquel momento en España. Luis, el protagonista representa al joven que no puede desarrollarse y que termina anclado a la miseria de sus iguales, con una desgracia distinta a la del resto sí, pero que implica el mismo castigo.

Puede que esa sea la película más representativa de Julio Diamante, ya que engloba los conceptos clave de su cine y su pensamiento. Con tono intimista y personal se refleja seguramente a sí mismo en el protagonista, un joven de edad similar a la que el director tenía en esa época con una actitud similar a la que intuimos, tendría el director en ese momento.

Sex o no sex, fue otra de las elegidas para el ciclo. Se trata de una representación del choque que recibió toda una generación cuando se entero que los parámetros de una relación podían no ser los incluidos en la Biblia y las revistas femeninas de la falange. En una entrevista recogida por El País, Diamante decía lo siguiente sobre la cinta: “se escandalizaron porque era del destape, aunque de hecho se trataba de una crítica benévola sobre las inquietudes sexuales de un pequeño burgués que se disfraza a la hora del sexo, como en realidad hacían ciertos personajes del franquismo”. La película no es un logro excepcional pero, al igual que todo el trabajo de Julio Diamante, nos habla de su tiempo, de su pensamiento y de su gente, analfabeta en la mayoría de cuestiones que hoy nos resultan cotidianas.

En la película el personaje atraviesa una especie de adolescencia tardía donde, además, descubre que no está solo en su perversión, que hay sujetos aun más enfermos, por lo que ante el fracaso continuo de sus técnicas y el resultado que estas dan, tan solo le queda dedicarse al fútbol y convertirse en uno más en la sociedad, yendo a misa cuando toca y obedeciendo lo que le dicen, tal y como debe ser un buen español. La película mantiene un tono cómico, que tan solo decae en las secuencias donde el personaje pone en práctica sus técnicas sexuales, donde se repiten una y otra vez momentos similares en los que la idea es la misma: un personaje que ya es incapaz de tener una vida sexual normal.

CELESTE CIAFARONE Más allá del realismo mágico

Edición:
Leticia Delgado
Andrea Farré
ltcdelgado@gmail.com
andrea.farre@gmail.com
Barcelona.
27/12/2018.


Nacida en 1991 en Rosario (Argentina) y trasplantada a Castellón en plena pubertad, Celeste Ciafarone estudió Bellas Artes entre Valencia y Londres y, una vez licenciada, se instaló en Barcelona. Empezó a dibujar siendo niña y ahora, cuando no lo hace en papel, también dibuja sobre la piel. Ilustraciones y tatuajes forman parte de un mismo universo. Un universo que se inspira en el realismo mágico latinoamericano. Sus dibujos son rigurosos en la forma y surrealistas en el contenido. Limpios, pero con una pátina onírica y de melancolía. Uno de sus principales proyectos es editorial y gira en torno a “Rayuela”. Lo empezó por interés personal y acabó editado en un libro que celebraba los cincuenta años de la novela más famosa de Julio Cortázar.

La ilustración lo es todo para Celeste: sustento económico, pasión, terapia y la mejor forma de expresarse. Cualquier cosa que capte su atención le sirve para inspirarse: personas, conciertos, parques, naturaleza, películas, la obra de otros artistas, viajar. Cuando termina un trabajo siente orgullo y amor propio si está contenta, y mucha frustración en caso contrario.

Celeste nos comenta que está satisfecha con el ritmo actual de trabajo (que espera no decaiga) y, al preguntarle por un deseo, Celeste pide que el trabajo la haga viajar por el mundo.

No ha visto o percibido diferencias de trato por ser mujer, aunque eso no significa que no se den. En su caso lo que sucede es que suele dar presupuestos más bajos de lo que podría pedir. Lo atribuye a la herencia de la sociedad que nos impone quién es válido y quién no en función de su rol. A los hombres les cuesta menos dar presupuestos inflados porque desde pequeños les animan a ser ambiciosos, mientras que a las niñas se las anima a mantener un perfil bajo.

De una “lista infinita” de artistas que la inspiran cita a David Hockney, Egon Shiele, la tatuadora Tati Compton y al gran David de las Heras. En novela gráfica, lo último que ha leído es Arsène Schrauwen de Olivier Schrauwen, y la primera temporada completa de Megg & Mogg de Simon Hanselmann (editados ambos por Fulgencio Pimentel).

Si entendemos ‘primera experiencia con la ilustración’ como mi primera experiencia de trabajo remunerado, creo que fue un dibujo de un dragón que me pidió, siendo yo adolescente, una señora mayor para bordar a su nieto en un cojín. En su momento me pagó 50 euros y creo que luego he tenido trabajos más serios y peor pagados (reír por no llorar).

La creatividad es un don al alcance de todos.

Mi trabajo no sería posible sin un entorno tranquilo. Imprescindible es también mi música favorita.

No pienso mucho en el futuro, voy afrontando los retos a medida que se me van planteando. Pero sí que tengo ideas de cómo me gustaría que fuera.

Ingredientes para un día perfecto: despertarse sin despertador, con el ronroneo de un gato. Desayunar en la cama. Que haga sol, que sea otoño e ir a algún parque con árboles, caminar mucho, sentarse en una terraza con amigos, tomar cerveza, comer rico. Volver a casa y hacer la siesta. Dibujar y escuchar música. Pedir cena, ver una peli, tener sexo, dormir.

 

Asis Percales Humor para nuestros sentidos

Edición:
Leticia Delgado
Andrea Farré
ltcdelgado@gmail.com
andrea.farre@gmail.com
Barcelona 17/12/2018.


©Asis Percales

Nacido en 1986, Asis Percales recuerda que le gustaba dibujar y experimentar con colores y materiales como a todos los niños. Hoy no es pirotécnico ni gerente en un videoclub porque cursó el bachillerato artístico, centrándose en la ilustración. Compaginó estudios posteriores de diseño gráfico y publicidad con la ilustración freelance, la serigrafía, las exposiciones temporales en salas y trabajos para diferentes marcas. 

De la primera exposición en su Granada natal Asis recuerda la mezcla de nervios y alegría al hacer público su trabajo, poder ver la reacción de la gente y darse cuenta de que la ilustración podía ser algo serio. Algo que a día de hoy le da para vivir en Barcelona y comer: ‘No todos los días arroz, que alguno que otro hay gambas’, nos cuenta. No sabe qué vendrá en el futuro, pero está satisfecho con el presente. No dejan de salir proyectos, y cuando no salen, los busca y encuentra. 

Se inspira en el arte mexicano, la ‘estética tattoo’, el cómic y la cultura popular. Sus referentes creativos: desde Robert Crumb o Egon Schiele, pasando por Tim Burton y Edward Gorey, a nombres más actuales como Julián de Narváez, Diego Mora o Ricardo Cavolo.

Obra de ©Asis Percales.

Le hemos pedido que nos recomendara una novela gráfica, la última que ha disfrutado. Su respuesta: ‘Art and Beauty Magazine de Robert Crumb y alguna de Miguel Brieva’.

Obra de ©Asis Percales.

En mi obra se entremezclan personajes, criaturas y elementos de diversa naturaleza, los cuales aparecen representados dando una sensación de fealdad y belleza en diferentes situaciones y actitudes.

Obra de ©Asis Percales.

La ilustración ahora mismo es mi profesión, además de una forma de divertirme y expresarme.

Obra de ©Asis Percales.

Mi trabajo no sería posible sin música y sentido del humor.

Obra de ©Asis Percales.

Creo que la ilustración es un don, aunque en realidad es trabajo y dedicación que se ha de usar como un látigo para despertar a la sociedad y provocar.

Obra de ©Asis Percales.

 

MERLIJNE MARELL Viaje a Estocolmo

Edición:
Leticia Delgado
Andrea Farré
ltcdelgado@gmail.com
andrea.farre@gmail.com
Barcelona/Arnhem.
11/12/2018.


Para Merlijne Marell la ilustración es una forma de diseñar su propio mundo y compartirlo con otros. Vive y trabaja en la ciudad que la vio nacer, Arnhem (Holanda). Allí fue donde, a los nueve años, asistió a una charla de una ilustradora que le abrió los ojos: descubrió que existía la profesión de «ilustrador”. Un año después, ganó un concurso de dibujos que le permitió viajar a Estocolmo con su familia para visitar el centro cultural Junibacken (inspirado en la creadora de Pipi Calzaslargas). Para Merlijne, haber ganado ese concurso, supuso  su primer éxito como ilustradora. 

Formada en la Academia Willem de Kooning de Rotterdam (Holanda) y en la Escuela de Artes de Gante (Bélgica), para crear su trabajo sueña despierta, lee y hojea libros, visita exposiciones, observa la naturaleza y habla con otros acerca de lo que quieren hacer o en qué les gustaría convertirse. 

En este momento trabaja en su tercer libro, con el villano que la acompaña en su obra desde hace más de diez años de protagonista. Está en las primeras fases del proceso, las más difíciles: después de haberlo imaginado, debe trasladarlo al papel. En esta ocasión es más difícil, si cabe, por tratarse de un trabajo muy personal, lo que lo convierte en algo “urgente, hermoso y aterrador al mismo tiempo”. Cuando lo termine le gustaría exponer las ilustraciones de este libro en una pequeña galería de Amberes llamada Bries Space. Es un lugar que ella define como encantador y que le gusta porque mezcla pintura, ilustración, diseño gráfico, cómic, animación y escultura.

En el plano de los proyectos por definir, le da vueltas a una posible colaboración con un diseñador de productos para transformar sus ilustraciones en un utensilio textil, lo que supondría explorar un nuevo medio para expresar sus historias visuales.  

Las ideas y la inspiración surgen más rápido que su ejecución, así que siempre tiene trabajo por hacer. Sueña con tener energía ilimitada para crear.

©Merlijne Marell.

Mi primer libro ‘Schobbejacques en de 7 geiten’ (Loopvis, 2015), fue ganador de un ‘Vlag y Wimpel’. Esto me dio la oportunidad de exponerlo en el Stedelijk Museum de Amsterdam. Además, las ilustraciones se expusieron en el Rijksmuseum Amsterdam y en el Museo de la Nación Eslovaca en Bratislava.

Obra de ©Merlijne Marell.

Desde niña he estado vinculada a la ilustración, a través de libros que leía y que había en casa.

Obra de ©Merlijne Marell.

Mi trabajo siempre comienza con tres ingredientes: el amor por el color y las técnicas, al que se añade un flujo de inspiración e ideas que están presentes en mi cabeza la mayor parte del tiempo. Estas ideas surgen a mayor velocidad que la propia ejecución, así que siempre tengo trabajo que hacer. 

Obra de ©Merlijne Marell.

Un día perfecto para mí consistiría en ir a coger flores, tomar café, cenar con amigos y pasar algunas horas productivas en el estudio.

Obra de ©Merlijne Marell.

Mi sueño sería crear una exposición para un museo, donde no solo se colocaran algunas obras mías en la pared, sino que a partir de ellas se originase una experiencia total.

Obra de ©Merlijne Marell.

Hay muchas formas de ser creativo, no solo en el campo de las artes. Yo me siento muy agradecida por las oportunidades que me brinda mi creatividad, pero eso no quiere decir que siempre me sienta feliz. A veces, el proceso creativo es realmente difícil por el miedo y el estrés que acompañan a casi todos los proyectos. Pero al final, las ideas cobran vida, así que esa es la recompensa de todos esos sufrimientos.

Obra de ©Merlijne Marell.

 

PACO LAFARGA Sin alambradas

Edición: 
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid. 13/12/2018.


PACO LAFARGA EN ACCIÓN.

Empecé de niño, sentado en las rodillas de mi padre en aquella cocina de la calle Mayor, dibujando fondos marinos, con Lole y Manuel sonando en el radiocasete donde grabábamos mis fiestas de cumpleaños con los amigos. Con dieciocho años estuve a punto de irme a Madrid a estudiar Bellas Artes, pero para entonces yo seguía siendo un niño acurrucado entre las suaves manos de su yaya (siempre conmigo). Así que pronto desestimé la idea porque con esto no vas a comer, Paco / para esto no hay salidas. Y cuánta razón tenían los cabrones. Acabarás de profesor en algún colegio / ¡No, joder! ¡Yo quiero ser como Dalí! Conocí la obra de Antonio López, que me despertó un poco de aquel letargo. Decidí retomar, o más bien comenzar, siempre con el apoyo de mis padres y de la Tabu.  En mi vida se cruzó un señor, o tal vez lo busqué yo, el único verdadero artista vivo que conozco, el maestro Golucho, quien me acogió en su casa y me enseñó a descubrir hacia dónde fugan los sueños y el deseo, quien con su afilada mirada me trazó un sendero arriesgado y definitivo, lección de poesía y de vida. Y todo esto soy yo, o el yo que ahora soy, en construcción, como muchas de mis pinturas, busco la belleza inadvertida, el cuerpo y su sensualidad, la seducción de mi estudio, sus techos bajos de donde me crece gente, todo lo lo que no sé de mí.

Es obvio que me ajusto a unos parámetros realistas, quizá es con este lenguaje con el que más cómodo me siento, aunque es solo una excusa o una apariencia puesto que me interesa muchísimo lo que no se dice.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Me cuesta engancharme con algo, me aburro rápido. A la hora de pintar, intento no crearme expectativas porque a veces me anticipo, pinto el cuadro en mi cabeza, henchido de emoción, para luego desinflarme enseguida.  A veces, por ese motivo, ya ni lo empiezo, por ello necesito un vínculo emocional muy grande con lo que quiero representar, para no abandonarlo en mitad del proceso, solo disfrutarlo improvisando un lenguaje y que este se me olvide rápido y no se convierta en un método.  Está claro que me inclino por el ser humano, por los desnudos, la carne, la sensualidad, por escarbar, aunque sinceramente se me escapan de las manos los motivos por los que me decanto por algo en concreto y no por otra cosa.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
No diré cosas como que intento encontrarme a mí mismo a través de la pintura o que pretendo descubrir aspectos de mí que desconozco o que yo me expreso mejor pintando o simplemente —y que esto suene muy solemne, por favor— que yo no puedo vivir sin la pintura, que necesito crear, que es como el aire que respiro o que lo que intento es colmar de belleza el mundo para hacerlo un poquito mejor. Todo eso es MENTIRA.  Es evidente que estoy hablando de mí con cada pintura, pero no trato de invocar, concienciar, hacer visible, reivindicar, transgredir, etcétera.  Lo siento, es todo mucho más prosaico, solo me pongo a dibujar o a pintar lo que me apetece. Para mí la pintura es intuición, seducción, intimidad, deseo y, ante todo, evitar que la razón interfiera en todo este proceso tan extraño.  Desconozco por qué pinto, tampoco me importa. Yo solo intento convertir en pintura, de la forma más convincente, todo ese desorden de ideas y deseos, sin apenas planificación, sin alambradas.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Principalmente pinto para mí, y no digo esto como reclamo de creador marginado. Tampoco lo digo por todo lo contrario, como artista en la cúspide que se lo puede permitir. Lo digo porque siento que es así, porque no me queda más remedio, porque hay muy poquita gente que confíe o que apueste por mi trabajo, es decir el mercado del arte me es un poco ajeno. Comenzar una pintura con esa intención, con esa voluntad de independencia me parece acertado, te relaja, te apacigua y te ayuda a trabajar libremente. Por fortuna, somos más visibles que nunca gracias a las diferentes redes y esa es una buena forma de comunicación con el mundo para calibrar por dónde vamos, pero al mismo tiempo esto crea un caudal desorbitado de imágenes, excesiva competitividad y mucha ‘fast painting’ que muere al día siguiente de publicarse. Yo, a pesar de ese ingenuo deseo de pintar para mí mismo quiero mostrar lo que hago, porque vender un cuadro siempre es una celebración.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Cualquier creador podría aspirar a que los que deciden si su trabajo es bueno o no tengan un poco más de gusto. No tengo consejos, quizá confiar en uno mismo pero sin pasarse.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Golucho fue un antes y un después.  Conocerle allá por el 2005, justo después de la muerte de mi yaya, fue como tomar un rumbo y ‘decidir’ y unos meses antes, ver en compañía de la Tabu una exposición suya, estremecerme y sentir una emoción que ya no he vuelto a sentir en lo artístico.  Guardo aquel recuerdo como un tesoro.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Una canción que me gusta mucho es ‘John Wayne Gacy Jr’ de Sufjan Stevens. Es pura delicadeza. ¿Una ensoñación recurrente? Tener el pelo de Bunbury en el vídeo ‘La chispa adecuada’, ¡qué pelazo! Para vosotros no tengo consejos. Pero, por favor Thalamus, no renunciéis a vuestros sueños, luchad por ellos … frasecitas hechas del doctor Lafarga.

JULIA SOBOLEVA A way to avoid insanity

Edición: Txetxu González
Traducción: Antonio Acosta
Corrección inglesa: Gina Rosemellia
thalamusxmagazine@gmail.com
Madrid/Manchester. 17/11/2018.


JULIA SOBOLEVA (©ALL RIGHTS RESERVED).

Julia Soboleva is UK-based, mixed-media artist. Her work is concerned with the notions of taboo, trauma, communication and the occult. Working with found imagery, Julia creates mysterious pieces with theatrical atmospheres, ominous overtones and absurd humour. She completed a Master’s Degree in Illustration from the Manchester School of Art in 2018 and she is currently working as an educator and a freelance designer.

Julia Soboleva es una artista de técnicas mixtas afincada en Reino Unido. Su trabajo está preocupado por las nociones de lo tabú, el trauma, la comunicación y lo oculto. A través de las imágenes que encuentra, Julia crea obras misteriosas con atmósferas teatrales, matices amenazantes y humor absurdo. Post-graduada con un máster en Ilustración en la Escuela de Artes de Mánchester (Reino Unido), trabaja actualmente como educadora y diseñadora independiente.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

I am trying to move towards light in my everyday life, but in my work it’s darkness that draws me in. Therefore, perhaps, I try to keep a balance of these seemingly opposite forces. In fact, light and darkness are two sides of the same coin. You see the gleaming surface, you flip it, and you discover dark forces pulsating just beneath it. I love seeing things emerge from darkness. It is bottomless.

Intento acercarme a la luz en la vida cotidiana pero en mi trabajo la oscuridad me atrapa. Por tanto, quizás, intento mantener un equilibrio entre estas fuerzas aparentemente opuestas. De hecho, la luz y la oscuridad son dos caras de la misma moneda. Ves la superficie reluciente, le das la vuelta y descubres las fuerzas oscuras golpeando del otro lado. Me encanta ver lo que emerge desde la oscuridad, es ilimitable.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

Creativity is a way to avoid insanity. I do art because it is the closest thing to truth for me. I feel like language, as a system, often fails to serve as an adequate communication tool. The instinctual, irrational, intuitive side of human nature often does not fit the logical, systematic, coherent quality of language. I use visual art to communicate all the information that I can’t deliver through language.

Another important aspect driving my creativity is discipline and the tireless application of work ethics. Regardless of my mood or the presence or absence of inspiration. I am trying to show up for my work every day. During each creative session it is essential for me to temporarily dissociate myself from the results of my work. This state of detachment creates a psychological resistance to the disruptions of self-doubt or self-assurance in my process. All I have to do is show up and what comes out of the process of creation is not entirely my responsibility. Filmmaker David Lynch famously refers to his creative process as catching fish. Desiring an idea is like baiting a hook and waiting for a fish to bite. If you catch a small fish, Lynch says, bigger fish will follow.

La creatividad es una manera de evitar la locura. Hago arte porque es lo más cercano a la verdad para mí. Siento que el lenguaje, como sistema, a menudo fracasa como una herramienta adecuada de comunicación. El lado instintivo, irracional, intuitivo de la naturaleza humana no encaja a menudo dentro de la naturaleza lógica, sistemática y coherente del lenguaje. Uso el lenguaje visual para comunicar toda la información que no puedo expresar a través de las palabras.

La disciplina y la incansable aplicación de la ética laboral es otro aspecto importante que tengo en cuenta cuando pongo en práctica mi creatividad. Independientemente de mi estado de ánimo o la presencia o ausencia de inspiración, intento ponerme a trabajar todos los días. Durante cada sesión creativa considero esencial disociarme temporalmente de los resultados de mi trabajo. Este estado de desapego crea una resistencia psicológica a las interrupciones producidas por la baja autoestima o la confianza en uno mismo. Todo lo que tengo que hacer es ponerme a trabajar y el resultado del proceso de creación no es completamente mi responsabilidad. El director David Lynch asemeja con gran acierto este proceso creativo con la pesca. Desear una idea es como colocar un cebo y esperar que un pez muerda el anzuelo. Si capturas un pez pequeño, según Lynch, un pez más grande le seguirá.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

 

I use intuition as my method. I am enchanted with the simplicity, rawness and directness of this approach. At times, it is  challenging to switch from a rational/careful/calculating frame of mind to a flowing/playful/wild mood. I am intentionally avoiding the urge to rationalise, interpret or clarify the meaning behind my work, instead tuning in to the actual process of creating. In the process of piercing through the surface of one reality – I find another reality lurking just underneath it.

I sometimes try to analyse my work and find meaning behind it. But the more I do it, the more I realise that some questions should be left unanswered. The urge to rationalise and explain things that are unexplainable, which are impossible to decode through language is often inappropriate. The distance between original meaning and interpretation contains the invisible disassembling and reassembling of meaning/intent, and often, as a result of this process, some vital parts of the original intent are lost. It is like there is uncomfortable silence between people in the room and everybody feels tense and edgy. Often this silence speaks volumes and holds a lot of meaning, however uncomfortable it is to accept it. Somebody breaks the silence with some meaningless remark and everybody feel instantly relieved, but the truth remains hidden in the silence.

Uso la intuición como método. Estoy encantada con la simpleza, la crudeza y la franqueza de este acercamiento. En ocasiones, supone un reto pasar de un estado mental racional/cuidadoso/calculado a un estado de ánimo fluido/alegre/salvaje. Intencionalmente evito la necesidad de racionalizar, interpretar o clarificar el significado detrás de mi obra en lugar de sintonizarlo con el proceso creativo propiamente dicho. En el proceso de penetrar a través de la superficie de una realidad, encuentro otra realidad al acecho justo debajo.

A veces intento analizar mi obra y encontrar un significado detrás. Pero cuanto más lo hago, más me doy cuenta de que ciertas preguntas deberían dejarse sin contestar. La necesidad de racionalizar y explicar cosas que son inexplicables, que son imposibles decodificar mediante el lenguaje suele ser inapropiada. La distancia entre el significado original y la interpretación contiene el invisible desarmado y rearmado de la dicotomía significado/intención y, a menudo, como resultado de este proceso, algunas partes vitales de la intención original se pierden. Es como si existiera un silencio incómodo entre la gente en una habitación y todo el mundo se sintiera tenso e inquieto. A menudo este silencio lo dice todo y es capaz de contener gran cantidad de significado, de todos modos, lo incómodo es aceptarlo. Alguien rompe el silencio con un comentario inapropiado y todas las personas se sienten aliviadas inmediatamente, pero la verdad permanece escondida en el silencio.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

We blame society, but we are society. I never think about feeling comfortable within current art market. To be fair I don’t even know what ‘art market’ truly means. ‘Art’ and ‘market’ – it is an awkward word combination. ‘Art’ and ‘death’ sounds better. It is tough making a career in art, it has always been. Following your  intuition and continuously doing the next right thing is perhaps the best thing an artist can do to build a career within their niche.

Culpamos a la sociedad, pero somos la sociedad. Nunca pienso en sentirme cómoda en el mercado del arte actual. Si soy sincera, ni siquiera sé lo que significa realmente ‘mercado del arte’. ‘Arte’ y ‘mercado’ es una combinación de palabras inoportuna. ‘Arte’ y ‘muerte’ suena mejor. Es difícil ganarse la vida con el arte, siempre lo ha sido. Seguir tu intuición y hacer continuamente lo correcto es quizás la mejor forma en la que un artista puede construir su trayectoria dentro de su vocación.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

I don’t have an ideal of life and I doubt there is an ideal at all. Expectations prevent us from fully being present in this very moment. And this very moment, as far as I know, is the only real thing we have. Well, maybe I would like to have a bit more sleep. As a mum of a two-year-old boy, I qualify for one expectation in life – more sleep.

No tengo un ideal de vida y dudo si hay alguno en absoluto. Las expectativas nos impiden estar completamente presentes en este momento preciso. Y este momento preciso, hasta donde sé, es lo único real que tenemos. Bueno, quizás me gustaría dormir un poco más. Como madre de un niño de dos años, cumplo los requisitos para una expectativa en la vida: dormir más.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

Lately, I have been looking for ways to introduce new mediums into my work like photography, film or performance. So I am very excited to be involved in a collaboration with the a very talented Welsh photographer. All I can say at this point is that it is going to be dark, ambiguous, theatrical and sexy.

Últimamente he estado buscando maneras de introducir nuevas técnicas en mi trabajo como fotografía, cine o performance. Por ello estoy muy entusiasmada de colaborar con un fotógrafo galés de gran talento. Todo lo que puedo decir en este momento es que será oscuro, ambiguo, teatral y sexy.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

I am not sure whether my white-masked characters are humans or automatons, whether they feel or act. Roland Barthes, in his renowned book ‘Camera Lucida’, compares the relation between the Photograph and death to the original relation of the theatre and the cult of the Dead. He argues that for the actor ‘to make oneself up was to designate oneself as a body simultaneously living and dead’. (He calls photography a ‘primitive theatre’ – ‘a figuration of the motionless and made-up face beneath which we see the dead’). This reference is perhaps the closest interpretation of my characters I could find. The meaning behind my characters is always interwoven with the actual process of creation, taking into account the quality of working with found photographic imagery and its context.

As for the bleeding part, perhaps I made my characters bleed out of intolerance of their unattainability, out of a childlike desire to break open a toy and see what’s inside. On a personal level, in the context of adapting to different cultures and scuffling between three languages – I have always had a troubled relationship with words. This blood around the mouth might be an injury caused by a spoken word, or maybe an incubation of a repressed memory. It is a taboo, it is terminally unspoken, it is beyond alteration.

No estoy segura si mis personajes con máscaras blancas son seres humanos o autómatas, si sienten o actúan. Roland Barthes, en su reconocido libro ‘La cámara lúcida’, compara la relación entre la fotografía y la muerte con la relación original del teatro y el culto de la muerte. Él argumenta que para el actor, “constituirse a sí mismo* era designarse a uno mismo como un cuerpo vivo y muerto simultáneamente”. (Él llama a la fotografía ‘teatro primitivo’, una simbolización de la cara sin movimiento y maquillada por debajo de la cual vemos la muerte’). Esta referencia es quizás la interpretación más cercana de mis personajes que puedo encontrar. El significado detrás de mis personajes está siempre vinculado con el proceso de creación propiamente dicho, teniendo en cuenta la calidad del trabajo con una imaginería fotográfica encontrada y su contexto.

En cuanto a la sangre, quizás hago que mis personajes sangren desde la intolerancia ante sus metas inalcanzables, desde el deseo infantil de abrir un juguete y ver lo que hay en su interior. A nivel personal, en el contexto de adaptarse a diferentes culturas y pelearse entre tres lenguas, siempre he tenido una relación problemática con las palabras. Esta sangre alrededor de su boca puede ser una herida causada por una palabra dicha, o quizás por la incubación de una memoria reprimida. Es un tabú, terminalmente sobreentendido, más allá del cambio.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

My technique involves painting on top of a found photographic image – whether it’s a cutout from a vintage magazine or an old unwanted photograph found in a flea market. I mainly use chalk pens, acrylic paints and oil-based artist markers. Instead of a brush, I often use my fingertips. I have learnt to work very fast because due to parenting responsibilities I have very limited time to create. Taking this time limitation as a challenge (and not as restriction), I have learnt to prioritize tasks and be as productive as I can.

Mi técnica implica pintar sobre una fotografía encontrada – bien sea, un recorte de una revista vintage o una fotografía abandonada encontrada en un mercadillo. Uso principalmente rotuladores de tiza, pintura acrílica y rotuladores especiales con base de aceite. En lugar de un pincel, a menudo uso mis dedos. He aprendido a trabajar muy rápido debido a que mis responsabilidades como madre me dejan un tiempo muy limitado para crear. Tomando esta limitación temporal como un reto (y no como una limitación), he aprendido a priorizar tareas y ser todo lo productiva que sea capaz.

 

*Nota del traductor: He utilizado para llevar a cabo mi traducción expresiones propias del lenguaje inclusivo, por ello, en ocasiones encontramos giros semánticos o sintácticos para evitar un uso androcéntrico del lenguaje. *Realizo una excepción aquí al ser una cita literal.

 

FEDERICA POLETTI Arquetipos de una feminidad contemporánea y sobreexpuesta

Edición: Txetxu González.
Traducción: Laia López Manrique. 
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Modena. 08/12/2018.


FEDERICA POLETTI EN SU ESTUDIO.

Sono nata a Modena nel novembre 1980. Laurea in arti visive presso l’Accademia di Belle Arti di Bologna nel 2005.  Ho preso parte a numerose mostre collettive e personali in gallerie private ed eventi pubblici. La mia ricerca è inconscia e influenzata, in modo del tutto evocativo, da ciò che accade nel teatro interiore dei miei pensieri: il mio lavoro è ispirato al concetto di identità, di straniamento, e corpo come mezzo fisico e pensante di espressione di ciò che accade in ognuno  intimamente, i miei mezzi espressivi si sono evoluti in pittura, disegno e ceramica. Attualmente vivo e lavoro a Modena, Italia.

Nací en Módena, en Noviembre de 1980. Licenciada en Artes Visuales en la Academia de Bellas Artes de Bolonia en 2005. He participado en numerosas exposiciones colectivas y personales en galerías privadas y eventos públicos. Mi investigación es inconsciente y está influenciada, de una manera completamente evocadora, por lo que sucede en el teatro interior de mis pensamientos: mi trabajo se inspira en el concepto de identidad, distanciamiento y cuerpo como un medio físico y mental para expresar lo que sucede en cada uno de nosotros íntimamente, mis medios de expresión han evolucionado en la pintura, el dibujo y la cerámica. Actualmente vivo y trabajo en Módena, Italia.

Il ruolo della bellezza e della malinconia è fondamentale nel mio lavoro, è il motore principale della mia pittura. Quello che faccio è basato sull’indagine su una vita quotidiana nevrotica e malinconica, rappresentata in modo iconico, in un modo meno alienante, meno aggressivo ma ancora presente. Creo archetipi di una femminilità contemporanea e sovraesposta.

El papel de la belleza y la melancolía es fundamental en mi trabajo, es el motor principal de mi pintura. Lo que hago está basado en la indagación de una vida cotidiana neurótica y melancólica, representada de modo icónico, de una manera menos alienante, menos agresiva, pero todavía presente. Creo arquetipos de una feminidad contemporánea y sobreexpuesta.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Ciò che mantiene viva la mia creatività è la necessità. Devo dipingere. Le immagini vengono da me inconsciamente e poi la mia mente le elabora, ma non potrei vivere senza dipingere. Non l’ho mai fatto e non riesco a immaginare cosa sia non essere in grado di dipingere ogni giorno. Un ruolo molto importante nella mia ispirazione è trovare il tempo, cercarlo costantemente, di stare da sola e mantenere vivo il dialogo con me stessa.

Lo que mantiene viva mi creatividad es la necesidad. Tengo que pintar. Las imágenes vienen a mí inconscientemente y después mi mente las elabora, pero no podría vivir sin pintar. No lo he hecho nunca y no logro imaginar cómo sería no ser capaz de pintar cada día. Algo muy importante para mi inspiración es encontrar el tiempo, buscarlo sin descanso, estar sola y mantener vivo el diálogo conmigo misma.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Il mio lavoro è un processo, un continuo ‘work in progress’, sono sempre alla ricerca del mio dipinto senza trovarlo, l’ansia di non essere in grado spesso mi prende alla gola ma non mi ferma. Sto ancora cercando.

Mi trabajo es un proceso, un continuo ‘work in progress’, estoy siempre en búsqueda de mi pintura sin encontrarla, la ansiedad de no ser capaz a veces me invade, pero no me detiene. Todavía continúo buscando.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Come artista, sono particolarmente disanimata dalle dinamiche del mondo dell’arte attuale. Una cosa veramente terrificante che sembra aver preso piede da qualche tempo è l’immediatezza del lavoro. Gli artisti spesso abbandonano la tecnica per creare sensazionalismo. Questo è qualcosa che mi porta lontano dal capire le dinamiche del mercato dell’arte. Credo che un ruolo importante della perdita di qualità e della ricerca nel mondo dell’arte l’abbia l’irresponsabilità di alcuni galleristi o critici o curatori che hanno spesso trascurato gli artisti per fare soldi, per lanciarli immediatamente sul mercato senza aver sviluppato una ricerca personale interessante, basata davvero sulla tecnica in primo luogo o che espongono gli artisti sotto compenso, chiedendo un pagamento per poter far mostre. Tutta questa fretta e tutti questi soldi hanno trasformato il mondo dell’arte in un grande ‘fast food’. Non mi piace la velocità. Quando parliamo di arte dobbiamo pensare. Il fatto di essere una donna, non credo che cambi radicalmente le cose.

Como artista me siento particularmente desanimada por las dinámicas del arte actual. Una cosa realmente aterradora que parece haber ganado terreno desde hace algún tiempo es la inmediatez del trabajo. Los artistas abandonan a menudo la técnica para crear sensacionalismo. Eso es algo que hace que no entienda y me aleje de las dinámicas del mercado del arte. Creo que una parte de culpa importante en la pérdida de calidad y de investigación en el mundo del arte la tiene la irresponsabilidad de algunos galeristas, críticos o curadores que han descuidado a los artistas para hacer dinero, que exponen a artistas bajo pago, pidiendo cierta cantidad para poder hacer exposiciones o muestras, sin haber desarrollado una búsqueda personal interesante, basada de veras en la técnica en primer lugar. Toda esta prisa y el componente económico han transformado el mundo del arte en un gran ‘fast food’. No me gusta la velocidad. Cuando hablamos de arte debemos pensar. El hecho de ser una mujer no creo que cambie radicalmente las cosas.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Chiunque stia cominciando ora deve prestare attenzione alla fama e alla gloria immediata. Il mondo dell’arte brucia spesso i più giovani. È necessaria la calma, una rapida ascesa offre una altrettanto rapida discesa. Penso che questo non sia solo per l’Italia, ma è un fenomeno generale. Una cosa molto importante è far capire ai giovani che la tecnica è molto importante, così come la ricerca.

Quienquiera que esté empezando ahora debe prestar atención a la fama y a la gloria inmediata. El mundo del arte acaba quemando, a menudo, a los más jóvenes. Es necesaria la calma. Un ascenso rápido equivale a un descenso igualmente rápido. Pienso que esto no sucede solamente en Italia, sino que es un fenómeno global. Una cosa muy importante que hay que hacer que entiendan los jóvenes es que la técnica es fundamental, así como la investigación.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Il filo conduttore del mio lavoro è la figura femminile, il suo ruolo nella società e la sua intimità. Ho scavato per indagare sull’anatomia, le ossa, il cuore. Ora guardo nella mente.

El hilo conductor de mi trabajo es la figura femenina, su papel en la sociedad y su intimidad. He investigado para indagar sobre la anatomía, los huesos, el corazón. Ahora dirijo mi mirada hacia la mente.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Il futuro non può essere previsto, e voglio che rimanga misterioso. Tendo ad annoiarmi facilmente e, quindi, ho bisogno che tutto arrivi come una sorpresa.

El futuro no puede ser previsto y me gustaría que permaneciera misterioso. Tiendo a aburrirme fácilmente y, por eso, necesito que todo llegue como una sorpresa.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

L’opera di Caravaggio mi commuove sempre, per me rimane trasversale al tempo, fluttuando in un’area di pensiero e intimità che continua a stupire per sempre. Rimane un’artista immortale secondo me. Subito dopo c’ è Goya. Incredibile e sinistro più di quanto abbia mai visto. Li adoro.

La obra de Caravaggio me conmueve siempre, para mí permanece transversal al tiempo, fluctuando en una zona de pensamiento e intimidad que impresiona siempre. Es un artista inmortal, a mi parecer. Después está Goya: el más increíble y siniestro de cuantos haya visto. Adoro a ambos.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Scegliete artisti contemporanei che abbiano un vero talento, che sono veri fuoriclasse e che facciano molta ricerca, che non smettano mai di essere curiosi e proporre di tutto, sia il ‘mainstream’ che quelli non ancora visti.

Elegid artistas contemporáneos que tengan un talento real, que sean figuras auténticas y que investiguen mucho, que no dejen de ser curiosos y propongan de todo, tanto los que están dentro del ‘mainstream’ como los que aún no son conocidos.

FEDERICA POLETTI.

Ho libri che sono stati importanti per me. Uno di questi, ‘Tales of Imagination and Mystery’, di Edgar Allan Poe.

Tengo libros que han sido importantes para mí. Uno de ellos es ‘Tales of Imagination and Mystery’, de Edgar Allan Poe.

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