REVISTA DE ARTE CONTRA LA CORDURA

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Explorando un clásico desconocido Ciclo de Julio Diamante en la Filmoteca Española

Por Pedro Fuertes
pefuva3@gmail.com
Madrid 4/01/2019


Foto: Filmoteca española

Hace poco en la Filmoteca Española se rindió homenaje a un director español poco conocido para el gran público. La corta extensión de su obra o el momento que “eligió” para desarrollarse como director, pueden ser algunas de las razones por las que no alcanzó la fama.

Julio Diamante (Cádiz, 1930) es historia del cine español. El cineasta consiguió retratar a través de su obra la idiosincrasia de su época, finamente y siempre desde el humor. Nació el año anterior de la proclamación del régimen republicano, del cual fue siempre un gran defensor, y un comprometido opositor, razón por la que viviría no pocos problemas. Diamante, entre otras cosas, fue el primer líder estudiantil, organizando el Congreso de Escritores Jóvenes en 1955, algo que comentó en la Filmoteca en una de las charlas previas a la proyección de sus películas, recordando cómo en algún momento llegó a verse envuelto en alguna conversación poco amistosa con la policía en la que salió a relucir su gusto por el cine soviético, los considerados enemigos, y por el cine sueco y su director más sobresaliente en ese momento, Victor Strotjeim.

Las anécdotas de su historia de vida son casi inacabables y desde hoy, es fácil imaginar la reacción del régimen de la época ante un joven que manifiesta su oposición a través de la burla y con cierta repercusión. Tuvo problemas que finalmente derivaron en su expulsión de la escuela de cine tras once años dando clases por “rojo”. En sus propias palabras: “En todas las actividades en que he intervenido me he encontrado con la censura en situaciones muy jodidas”.

Una de las proyecciones durante la retrospectiva en la filmoteca fue la película El arte de vivir, en la cual un joven desarraigado busca su lugar en el mundo. Su crítica y su cínica visión del mundo hace que viva el rechazo social a lo largo de toda la película. Sus aspiraciones son altas pero su desdén por las personas que le rodean es aún mayor. La película es un retrato de miles de jóvenes de la época, una generación en su mayor parte perdida, con una ambición cuyas posibilidades, espíritu y pensamiento no estaban disponibles en aquel momento en España. Luis, el protagonista representa al joven que no puede desarrollarse y que termina anclado a la miseria de sus iguales, con una desgracia distinta a la del resto sí, pero que implica el mismo castigo.

Puede que esa sea la película más representativa de Julio Diamante, ya que engloba los conceptos clave de su cine y su pensamiento. Con tono intimista y personal se refleja seguramente a sí mismo en el protagonista, un joven de edad similar a la que el director tenía en esa época con una actitud similar a la que intuimos, tendría el director en ese momento.

Sex o no sex, fue otra de las elegidas para el ciclo. Se trata de una representación del choque que recibió toda una generación cuando se entero que los parámetros de una relación podían no ser los incluidos en la Biblia y las revistas femeninas de la falange. En una entrevista recogida por El País, Diamante decía lo siguiente sobre la cinta: “se escandalizaron porque era del destape, aunque de hecho se trataba de una crítica benévola sobre las inquietudes sexuales de un pequeño burgués que se disfraza a la hora del sexo, como en realidad hacían ciertos personajes del franquismo”. La película no es un logro excepcional pero, al igual que todo el trabajo de Julio Diamante, nos habla de su tiempo, de su pensamiento y de su gente, analfabeta en la mayoría de cuestiones que hoy nos resultan cotidianas.

En la película el personaje atraviesa una especie de adolescencia tardía donde, además, descubre que no está solo en su perversión, que hay sujetos aun más enfermos, por lo que ante el fracaso continuo de sus técnicas y el resultado que estas dan, tan solo le queda dedicarse al fútbol y convertirse en uno más en la sociedad, yendo a misa cuando toca y obedeciendo lo que le dicen, tal y como debe ser un buen español. La película mantiene un tono cómico, que tan solo decae en las secuencias donde el personaje pone en práctica sus técnicas sexuales, donde se repiten una y otra vez momentos similares en los que la idea es la misma: un personaje que ya es incapaz de tener una vida sexual normal.

CELESTE CIAFARONE Más allá del realismo mágico

Edición:
Leticia Delgado
Andrea Farré
ltcdelgado@gmail.com
andrea.farre@gmail.com
Barcelona.
27/12/2018.


Nacida en 1991 en Rosario (Argentina) y trasplantada a Castellón en plena pubertad, Celeste Ciafarone estudió Bellas Artes entre Valencia y Londres y, una vez licenciada, se instaló en Barcelona. Empezó a dibujar siendo niña y ahora, cuando no lo hace en papel, también dibuja sobre la piel. Ilustraciones y tatuajes forman parte de un mismo universo. Un universo que se inspira en el realismo mágico latinoamericano. Sus dibujos son rigurosos en la forma y surrealistas en el contenido. Limpios, pero con una pátina onírica y de melancolía. Uno de sus principales proyectos es editorial y gira en torno a “Rayuela”. Lo empezó por interés personal y acabó editado en un libro que celebraba los cincuenta años de la novela más famosa de Julio Cortázar.

La ilustración lo es todo para Celeste: sustento económico, pasión, terapia y la mejor forma de expresarse. Cualquier cosa que capte su atención le sirve para inspirarse: personas, conciertos, parques, naturaleza, películas, la obra de otros artistas, viajar. Cuando termina un trabajo siente orgullo y amor propio si está contenta, y mucha frustración en caso contrario.

Celeste nos comenta que está satisfecha con el ritmo actual de trabajo (que espera no decaiga) y, al preguntarle por un deseo, Celeste pide que el trabajo la haga viajar por el mundo.

No ha visto o percibido diferencias de trato por ser mujer, aunque eso no significa que no se den. En su caso lo que sucede es que suele dar presupuestos más bajos de lo que podría pedir. Lo atribuye a la herencia de la sociedad que nos impone quién es válido y quién no en función de su rol. A los hombres les cuesta menos dar presupuestos inflados porque desde pequeños les animan a ser ambiciosos, mientras que a las niñas se las anima a mantener un perfil bajo.

De una “lista infinita” de artistas que la inspiran cita a David Hockney, Egon Shiele, la tatuadora Tati Compton y al gran David de las Heras. En novela gráfica, lo último que ha leído es Arsène Schrauwen de Olivier Schrauwen, y la primera temporada completa de Megg & Mogg de Simon Hanselmann (editados ambos por Fulgencio Pimentel).

Si entendemos ‘primera experiencia con la ilustración’ como mi primera experiencia de trabajo remunerado, creo que fue un dibujo de un dragón que me pidió, siendo yo adolescente, una señora mayor para bordar a su nieto en un cojín. En su momento me pagó 50 euros y creo que luego he tenido trabajos más serios y peor pagados (reír por no llorar).

La creatividad es un don al alcance de todos.

Mi trabajo no sería posible sin un entorno tranquilo. Imprescindible es también mi música favorita.

No pienso mucho en el futuro, voy afrontando los retos a medida que se me van planteando. Pero sí que tengo ideas de cómo me gustaría que fuera.

Ingredientes para un día perfecto: despertarse sin despertador, con el ronroneo de un gato. Desayunar en la cama. Que haga sol, que sea otoño e ir a algún parque con árboles, caminar mucho, sentarse en una terraza con amigos, tomar cerveza, comer rico. Volver a casa y hacer la siesta. Dibujar y escuchar música. Pedir cena, ver una peli, tener sexo, dormir.

 

Asis Percales Humor para nuestros sentidos

Edición:
Leticia Delgado
Andrea Farré
ltcdelgado@gmail.com
andrea.farre@gmail.com
Barcelona 17/12/2018.


©Asis Percales

Nacido en 1986, Asis Percales recuerda que le gustaba dibujar y experimentar con colores y materiales como a todos los niños. Hoy no es pirotécnico ni gerente en un videoclub porque cursó el bachillerato artístico, centrándose en la ilustración. Compaginó estudios posteriores de diseño gráfico y publicidad con la ilustración freelance, la serigrafía, las exposiciones temporales en salas y trabajos para diferentes marcas. 

De la primera exposición en su Granada natal Asis recuerda la mezcla de nervios y alegría al hacer público su trabajo, poder ver la reacción de la gente y darse cuenta de que la ilustración podía ser algo serio. Algo que a día de hoy le da para vivir en Barcelona y comer: ‘No todos los días arroz, que alguno que otro hay gambas’, nos cuenta. No sabe qué vendrá en el futuro, pero está satisfecho con el presente. No dejan de salir proyectos, y cuando no salen, los busca y encuentra. 

Se inspira en el arte mexicano, la ‘estética tattoo’, el cómic y la cultura popular. Sus referentes creativos: desde Robert Crumb o Egon Schiele, pasando por Tim Burton y Edward Gorey, a nombres más actuales como Julián de Narváez, Diego Mora o Ricardo Cavolo.

Obra de ©Asis Percales.

Le hemos pedido que nos recomendara una novela gráfica, la última que ha disfrutado. Su respuesta: ‘Art and Beauty Magazine de Robert Crumb y alguna de Miguel Brieva’.

Obra de ©Asis Percales.

En mi obra se entremezclan personajes, criaturas y elementos de diversa naturaleza, los cuales aparecen representados dando una sensación de fealdad y belleza en diferentes situaciones y actitudes.

Obra de ©Asis Percales.

La ilustración ahora mismo es mi profesión, además de una forma de divertirme y expresarme.

Obra de ©Asis Percales.

Mi trabajo no sería posible sin música y sentido del humor.

Obra de ©Asis Percales.

Creo que la ilustración es un don, aunque en realidad es trabajo y dedicación que se ha de usar como un látigo para despertar a la sociedad y provocar.

Obra de ©Asis Percales.

 

MERLIJNE MARELL Viaje a Estocolmo

Edición:
Leticia Delgado
Andrea Farré
ltcdelgado@gmail.com
andrea.farre@gmail.com
Barcelona/Arnhem.
11/12/2018.


Para Merlijne Marell la ilustración es una forma de diseñar su propio mundo y compartirlo con otros. Vive y trabaja en la ciudad que la vio nacer, Arnhem (Holanda). Allí fue donde, a los nueve años, asistió a una charla de una ilustradora que le abrió los ojos: descubrió que existía la profesión de “ilustrador”. Un año después, ganó un concurso de dibujos que le permitió viajar a Estocolmo con su familia para visitar el centro cultural Junibacken (inspirado en la creadora de Pipi Calzaslargas). Para Merlijne, haber ganado ese concurso, supuso  su primer éxito como ilustradora. 

Formada en la Academia Willem de Kooning de Rotterdam (Holanda) y en la Escuela de Artes de Gante (Bélgica), para crear su trabajo sueña despierta, lee y hojea libros, visita exposiciones, observa la naturaleza y habla con otros acerca de lo que quieren hacer o en qué les gustaría convertirse. 

En este momento trabaja en su tercer libro, con el villano que la acompaña en su obra desde hace más de diez años de protagonista. Está en las primeras fases del proceso, las más difíciles: después de haberlo imaginado, debe trasladarlo al papel. En esta ocasión es más difícil, si cabe, por tratarse de un trabajo muy personal, lo que lo convierte en algo “urgente, hermoso y aterrador al mismo tiempo”. Cuando lo termine le gustaría exponer las ilustraciones de este libro en una pequeña galería de Amberes llamada Bries Space. Es un lugar que ella define como encantador y que le gusta porque mezcla pintura, ilustración, diseño gráfico, cómic, animación y escultura.

En el plano de los proyectos por definir, le da vueltas a una posible colaboración con un diseñador de productos para transformar sus ilustraciones en un utensilio textil, lo que supondría explorar un nuevo medio para expresar sus historias visuales.  

Las ideas y la inspiración surgen más rápido que su ejecución, así que siempre tiene trabajo por hacer. Sueña con tener energía ilimitada para crear.

©Merlijne Marell.

Mi primer libro ‘Schobbejacques en de 7 geiten’ (Loopvis, 2015), fue ganador de un ‘Vlag y Wimpel’. Esto me dio la oportunidad de exponerlo en el Stedelijk Museum de Amsterdam. Además, las ilustraciones se expusieron en el Rijksmuseum Amsterdam y en el Museo de la Nación Eslovaca en Bratislava.

Obra de ©Merlijne Marell.

Desde niña he estado vinculada a la ilustración, a través de libros que leía y que había en casa.

Obra de ©Merlijne Marell.

Mi trabajo siempre comienza con tres ingredientes: el amor por el color y las técnicas, al que se añade un flujo de inspiración e ideas que están presentes en mi cabeza la mayor parte del tiempo. Estas ideas surgen a mayor velocidad que la propia ejecución, así que siempre tengo trabajo que hacer. 

Obra de ©Merlijne Marell.

Un día perfecto para mí consistiría en ir a coger flores, tomar café, cenar con amigos y pasar algunas horas productivas en el estudio.

Obra de ©Merlijne Marell.

Mi sueño sería crear una exposición para un museo, donde no solo se colocaran algunas obras mías en la pared, sino que a partir de ellas se originase una experiencia total.

Obra de ©Merlijne Marell.

Hay muchas formas de ser creativo, no solo en el campo de las artes. Yo me siento muy agradecida por las oportunidades que me brinda mi creatividad, pero eso no quiere decir que siempre me sienta feliz. A veces, el proceso creativo es realmente difícil por el miedo y el estrés que acompañan a casi todos los proyectos. Pero al final, las ideas cobran vida, así que esa es la recompensa de todos esos sufrimientos.

Obra de ©Merlijne Marell.

 

PACO LAFARGA Sin alambradas

Edición: 
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid. 13/12/2018.


PACO LAFARGA EN ACCIÓN.

Empecé de niño, sentado en las rodillas de mi padre en aquella cocina de la calle Mayor, dibujando fondos marinos, con Lole y Manuel sonando en el radiocasete donde grabábamos mis fiestas de cumpleaños con los amigos. Con dieciocho años estuve a punto de irme a Madrid a estudiar Bellas Artes, pero para entonces yo seguía siendo un niño acurrucado entre las suaves manos de su yaya (siempre conmigo). Así que pronto desestimé la idea porque con esto no vas a comer, Paco / para esto no hay salidas. Y cuánta razón tenían los cabrones. Acabarás de profesor en algún colegio / ¡No, joder! ¡Yo quiero ser como Dalí! Conocí la obra de Antonio López, que me despertó un poco de aquel letargo. Decidí retomar, o más bien comenzar, siempre con el apoyo de mis padres y de la Tabu.  En mi vida se cruzó un señor, o tal vez lo busqué yo, el único verdadero artista vivo que conozco, el maestro Golucho, quien me acogió en su casa y me enseñó a descubrir hacia dónde fugan los sueños y el deseo, quien con su afilada mirada me trazó un sendero arriesgado y definitivo, lección de poesía y de vida. Y todo esto soy yo, o el yo que ahora soy, en construcción, como muchas de mis pinturas, busco la belleza inadvertida, el cuerpo y su sensualidad, la seducción de mi estudio, sus techos bajos de donde me crece gente, todo lo lo que no sé de mí.

Es obvio que me ajusto a unos parámetros realistas, quizá es con este lenguaje con el que más cómodo me siento, aunque es solo una excusa o una apariencia puesto que me interesa muchísimo lo que no se dice.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Me cuesta engancharme con algo, me aburro rápido. A la hora de pintar, intento no crearme expectativas porque a veces me anticipo, pinto el cuadro en mi cabeza, henchido de emoción, para luego desinflarme enseguida.  A veces, por ese motivo, ya ni lo empiezo, por ello necesito un vínculo emocional muy grande con lo que quiero representar, para no abandonarlo en mitad del proceso, solo disfrutarlo improvisando un lenguaje y que este se me olvide rápido y no se convierta en un método.  Está claro que me inclino por el ser humano, por los desnudos, la carne, la sensualidad, por escarbar, aunque sinceramente se me escapan de las manos los motivos por los que me decanto por algo en concreto y no por otra cosa.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
No diré cosas como que intento encontrarme a mí mismo a través de la pintura o que pretendo descubrir aspectos de mí que desconozco o que yo me expreso mejor pintando o simplemente —y que esto suene muy solemne, por favor— que yo no puedo vivir sin la pintura, que necesito crear, que es como el aire que respiro o que lo que intento es colmar de belleza el mundo para hacerlo un poquito mejor. Todo eso es MENTIRA.  Es evidente que estoy hablando de mí con cada pintura, pero no trato de invocar, concienciar, hacer visible, reivindicar, transgredir, etcétera.  Lo siento, es todo mucho más prosaico, solo me pongo a dibujar o a pintar lo que me apetece. Para mí la pintura es intuición, seducción, intimidad, deseo y, ante todo, evitar que la razón interfiera en todo este proceso tan extraño.  Desconozco por qué pinto, tampoco me importa. Yo solo intento convertir en pintura, de la forma más convincente, todo ese desorden de ideas y deseos, sin apenas planificación, sin alambradas.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Principalmente pinto para mí, y no digo esto como reclamo de creador marginado. Tampoco lo digo por todo lo contrario, como artista en la cúspide que se lo puede permitir. Lo digo porque siento que es así, porque no me queda más remedio, porque hay muy poquita gente que confíe o que apueste por mi trabajo, es decir el mercado del arte me es un poco ajeno. Comenzar una pintura con esa intención, con esa voluntad de independencia me parece acertado, te relaja, te apacigua y te ayuda a trabajar libremente. Por fortuna, somos más visibles que nunca gracias a las diferentes redes y esa es una buena forma de comunicación con el mundo para calibrar por dónde vamos, pero al mismo tiempo esto crea un caudal desorbitado de imágenes, excesiva competitividad y mucha ‘fast painting’ que muere al día siguiente de publicarse. Yo, a pesar de ese ingenuo deseo de pintar para mí mismo quiero mostrar lo que hago, porque vender un cuadro siempre es una celebración.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Cualquier creador podría aspirar a que los que deciden si su trabajo es bueno o no tengan un poco más de gusto. No tengo consejos, quizá confiar en uno mismo pero sin pasarse.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Golucho fue un antes y un después.  Conocerle allá por el 2005, justo después de la muerte de mi yaya, fue como tomar un rumbo y ‘decidir’ y unos meses antes, ver en compañía de la Tabu una exposición suya, estremecerme y sentir una emoción que ya no he vuelto a sentir en lo artístico.  Guardo aquel recuerdo como un tesoro.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Una canción que me gusta mucho es ‘John Wayne Gacy Jr’ de Sufjan Stevens. Es pura delicadeza. ¿Una ensoñación recurrente? Tener el pelo de Bunbury en el vídeo ‘La chispa adecuada’, ¡qué pelazo! Para vosotros no tengo consejos. Pero, por favor Thalamus, no renunciéis a vuestros sueños, luchad por ellos … frasecitas hechas del doctor Lafarga.

JULIA SOBOLEVA A way to avoid insanity

Edición: Txetxu González
Traducción: Antonio Acosta
Corrección inglesa: Gina Rosemellia
thalamusxmagazine@gmail.com
Madrid/Manchester. 17/11/2018.


JULIA SOBOLEVA (©ALL RIGHTS RESERVED).

Julia Soboleva is UK-based, mixed-media artist. Her work is concerned with the notions of taboo, trauma, communication and the occult. Working with found imagery, Julia creates mysterious pieces with theatrical atmospheres, ominous overtones and absurd humour. She completed a Master’s Degree in Illustration from the Manchester School of Art in 2018 and she is currently working as an educator and a freelance designer.

Julia Soboleva es una artista de técnicas mixtas afincada en Reino Unido. Su trabajo está preocupado por las nociones de lo tabú, el trauma, la comunicación y lo oculto. A través de las imágenes que encuentra, Julia crea obras misteriosas con atmósferas teatrales, matices amenazantes y humor absurdo. Post-graduada con un máster en Ilustración en la Escuela de Artes de Mánchester (Reino Unido), trabaja actualmente como educadora y diseñadora independiente.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

I am trying to move towards light in my everyday life, but in my work it’s darkness that draws me in. Therefore, perhaps, I try to keep a balance of these seemingly opposite forces. In fact, light and darkness are two sides of the same coin. You see the gleaming surface, you flip it, and you discover dark forces pulsating just beneath it. I love seeing things emerge from darkness. It is bottomless.

Intento acercarme a la luz en la vida cotidiana pero en mi trabajo la oscuridad me atrapa. Por tanto, quizás, intento mantener un equilibrio entre estas fuerzas aparentemente opuestas. De hecho, la luz y la oscuridad son dos caras de la misma moneda. Ves la superficie reluciente, le das la vuelta y descubres las fuerzas oscuras golpeando del otro lado. Me encanta ver lo que emerge desde la oscuridad, es ilimitable.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

Creativity is a way to avoid insanity. I do art because it is the closest thing to truth for me. I feel like language, as a system, often fails to serve as an adequate communication tool. The instinctual, irrational, intuitive side of human nature often does not fit the logical, systematic, coherent quality of language. I use visual art to communicate all the information that I can’t deliver through language.

Another important aspect driving my creativity is discipline and the tireless application of work ethics. Regardless of my mood or the presence or absence of inspiration. I am trying to show up for my work every day. During each creative session it is essential for me to temporarily dissociate myself from the results of my work. This state of detachment creates a psychological resistance to the disruptions of self-doubt or self-assurance in my process. All I have to do is show up and what comes out of the process of creation is not entirely my responsibility. Filmmaker David Lynch famously refers to his creative process as catching fish. Desiring an idea is like baiting a hook and waiting for a fish to bite. If you catch a small fish, Lynch says, bigger fish will follow.

La creatividad es una manera de evitar la locura. Hago arte porque es lo más cercano a la verdad para mí. Siento que el lenguaje, como sistema, a menudo fracasa como una herramienta adecuada de comunicación. El lado instintivo, irracional, intuitivo de la naturaleza humana no encaja a menudo dentro de la naturaleza lógica, sistemática y coherente del lenguaje. Uso el lenguaje visual para comunicar toda la información que no puedo expresar a través de las palabras.

La disciplina y la incansable aplicación de la ética laboral es otro aspecto importante que tengo en cuenta cuando pongo en práctica mi creatividad. Independientemente de mi estado de ánimo o la presencia o ausencia de inspiración, intento ponerme a trabajar todos los días. Durante cada sesión creativa considero esencial disociarme temporalmente de los resultados de mi trabajo. Este estado de desapego crea una resistencia psicológica a las interrupciones producidas por la baja autoestima o la confianza en uno mismo. Todo lo que tengo que hacer es ponerme a trabajar y el resultado del proceso de creación no es completamente mi responsabilidad. El director David Lynch asemeja con gran acierto este proceso creativo con la pesca. Desear una idea es como colocar un cebo y esperar que un pez muerda el anzuelo. Si capturas un pez pequeño, según Lynch, un pez más grande le seguirá.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

 

I use intuition as my method. I am enchanted with the simplicity, rawness and directness of this approach. At times, it is  challenging to switch from a rational/careful/calculating frame of mind to a flowing/playful/wild mood. I am intentionally avoiding the urge to rationalise, interpret or clarify the meaning behind my work, instead tuning in to the actual process of creating. In the process of piercing through the surface of one reality – I find another reality lurking just underneath it.

I sometimes try to analyse my work and find meaning behind it. But the more I do it, the more I realise that some questions should be left unanswered. The urge to rationalise and explain things that are unexplainable, which are impossible to decode through language is often inappropriate. The distance between original meaning and interpretation contains the invisible disassembling and reassembling of meaning/intent, and often, as a result of this process, some vital parts of the original intent are lost. It is like there is uncomfortable silence between people in the room and everybody feels tense and edgy. Often this silence speaks volumes and holds a lot of meaning, however uncomfortable it is to accept it. Somebody breaks the silence with some meaningless remark and everybody feel instantly relieved, but the truth remains hidden in the silence.

Uso la intuición como método. Estoy encantada con la simpleza, la crudeza y la franqueza de este acercamiento. En ocasiones, supone un reto pasar de un estado mental racional/cuidadoso/calculado a un estado de ánimo fluido/alegre/salvaje. Intencionalmente evito la necesidad de racionalizar, interpretar o clarificar el significado detrás de mi obra en lugar de sintonizarlo con el proceso creativo propiamente dicho. En el proceso de penetrar a través de la superficie de una realidad, encuentro otra realidad al acecho justo debajo.

A veces intento analizar mi obra y encontrar un significado detrás. Pero cuanto más lo hago, más me doy cuenta de que ciertas preguntas deberían dejarse sin contestar. La necesidad de racionalizar y explicar cosas que son inexplicables, que son imposibles decodificar mediante el lenguaje suele ser inapropiada. La distancia entre el significado original y la interpretación contiene el invisible desarmado y rearmado de la dicotomía significado/intención y, a menudo, como resultado de este proceso, algunas partes vitales de la intención original se pierden. Es como si existiera un silencio incómodo entre la gente en una habitación y todo el mundo se sintiera tenso e inquieto. A menudo este silencio lo dice todo y es capaz de contener gran cantidad de significado, de todos modos, lo incómodo es aceptarlo. Alguien rompe el silencio con un comentario inapropiado y todas las personas se sienten aliviadas inmediatamente, pero la verdad permanece escondida en el silencio.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

We blame society, but we are society. I never think about feeling comfortable within current art market. To be fair I don’t even know what ‘art market’ truly means. ‘Art’ and ‘market’ – it is an awkward word combination. ‘Art’ and ‘death’ sounds better. It is tough making a career in art, it has always been. Following your  intuition and continuously doing the next right thing is perhaps the best thing an artist can do to build a career within their niche.

Culpamos a la sociedad, pero somos la sociedad. Nunca pienso en sentirme cómoda en el mercado del arte actual. Si soy sincera, ni siquiera sé lo que significa realmente ‘mercado del arte’. ‘Arte’ y ‘mercado’ es una combinación de palabras inoportuna. ‘Arte’ y ‘muerte’ suena mejor. Es difícil ganarse la vida con el arte, siempre lo ha sido. Seguir tu intuición y hacer continuamente lo correcto es quizás la mejor forma en la que un artista puede construir su trayectoria dentro de su vocación.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

I don’t have an ideal of life and I doubt there is an ideal at all. Expectations prevent us from fully being present in this very moment. And this very moment, as far as I know, is the only real thing we have. Well, maybe I would like to have a bit more sleep. As a mum of a two-year-old boy, I qualify for one expectation in life – more sleep.

No tengo un ideal de vida y dudo si hay alguno en absoluto. Las expectativas nos impiden estar completamente presentes en este momento preciso. Y este momento preciso, hasta donde sé, es lo único real que tenemos. Bueno, quizás me gustaría dormir un poco más. Como madre de un niño de dos años, cumplo los requisitos para una expectativa en la vida: dormir más.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

Lately, I have been looking for ways to introduce new mediums into my work like photography, film or performance. So I am very excited to be involved in a collaboration with the a very talented Welsh photographer. All I can say at this point is that it is going to be dark, ambiguous, theatrical and sexy.

Últimamente he estado buscando maneras de introducir nuevas técnicas en mi trabajo como fotografía, cine o performance. Por ello estoy muy entusiasmada de colaborar con un fotógrafo galés de gran talento. Todo lo que puedo decir en este momento es que será oscuro, ambiguo, teatral y sexy.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

I am not sure whether my white-masked characters are humans or automatons, whether they feel or act. Roland Barthes, in his renowned book ‘Camera Lucida’, compares the relation between the Photograph and death to the original relation of the theatre and the cult of the Dead. He argues that for the actor ‘to make oneself up was to designate oneself as a body simultaneously living and dead’. (He calls photography a ‘primitive theatre’ – ‘a figuration of the motionless and made-up face beneath which we see the dead’). This reference is perhaps the closest interpretation of my characters I could find. The meaning behind my characters is always interwoven with the actual process of creation, taking into account the quality of working with found photographic imagery and its context.

As for the bleeding part, perhaps I made my characters bleed out of intolerance of their unattainability, out of a childlike desire to break open a toy and see what’s inside. On a personal level, in the context of adapting to different cultures and scuffling between three languages – I have always had a troubled relationship with words. This blood around the mouth might be an injury caused by a spoken word, or maybe an incubation of a repressed memory. It is a taboo, it is terminally unspoken, it is beyond alteration.

No estoy segura si mis personajes con máscaras blancas son seres humanos o autómatas, si sienten o actúan. Roland Barthes, en su reconocido libro ‘La cámara lúcida’, compara la relación entre la fotografía y la muerte con la relación original del teatro y el culto de la muerte. Él argumenta que para el actor, “constituirse a sí mismo* era designarse a uno mismo como un cuerpo vivo y muerto simultáneamente”. (Él llama a la fotografía ‘teatro primitivo’, una simbolización de la cara sin movimiento y maquillada por debajo de la cual vemos la muerte’). Esta referencia es quizás la interpretación más cercana de mis personajes que puedo encontrar. El significado detrás de mis personajes está siempre vinculado con el proceso de creación propiamente dicho, teniendo en cuenta la calidad del trabajo con una imaginería fotográfica encontrada y su contexto.

En cuanto a la sangre, quizás hago que mis personajes sangren desde la intolerancia ante sus metas inalcanzables, desde el deseo infantil de abrir un juguete y ver lo que hay en su interior. A nivel personal, en el contexto de adaptarse a diferentes culturas y pelearse entre tres lenguas, siempre he tenido una relación problemática con las palabras. Esta sangre alrededor de su boca puede ser una herida causada por una palabra dicha, o quizás por la incubación de una memoria reprimida. Es un tabú, terminalmente sobreentendido, más allá del cambio.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

My technique involves painting on top of a found photographic image – whether it’s a cutout from a vintage magazine or an old unwanted photograph found in a flea market. I mainly use chalk pens, acrylic paints and oil-based artist markers. Instead of a brush, I often use my fingertips. I have learnt to work very fast because due to parenting responsibilities I have very limited time to create. Taking this time limitation as a challenge (and not as restriction), I have learnt to prioritize tasks and be as productive as I can.

Mi técnica implica pintar sobre una fotografía encontrada – bien sea, un recorte de una revista vintage o una fotografía abandonada encontrada en un mercadillo. Uso principalmente rotuladores de tiza, pintura acrílica y rotuladores especiales con base de aceite. En lugar de un pincel, a menudo uso mis dedos. He aprendido a trabajar muy rápido debido a que mis responsabilidades como madre me dejan un tiempo muy limitado para crear. Tomando esta limitación temporal como un reto (y no como una limitación), he aprendido a priorizar tareas y ser todo lo productiva que sea capaz.

 

*Nota del traductor: He utilizado para llevar a cabo mi traducción expresiones propias del lenguaje inclusivo, por ello, en ocasiones encontramos giros semánticos o sintácticos para evitar un uso androcéntrico del lenguaje. *Realizo una excepción aquí al ser una cita literal.

 

FEDERICA POLETTI Arquetipos de una feminidad contemporánea y sobreexpuesta

Edición: Txetxu González.
Traducción: Laia López Manrique. 
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Modena. 08/12/2018.


FEDERICA POLETTI EN SU ESTUDIO.

Sono nata a Modena nel novembre 1980. Laurea in arti visive presso l’Accademia di Belle Arti di Bologna nel 2005.  Ho preso parte a numerose mostre collettive e personali in gallerie private ed eventi pubblici. La mia ricerca è inconscia e influenzata, in modo del tutto evocativo, da ciò che accade nel teatro interiore dei miei pensieri: il mio lavoro è ispirato al concetto di identità, di straniamento, e corpo come mezzo fisico e pensante di espressione di ciò che accade in ognuno  intimamente, i miei mezzi espressivi si sono evoluti in pittura, disegno e ceramica. Attualmente vivo e lavoro a Modena, Italia.

Nací en Módena, en Noviembre de 1980. Licenciada en Artes Visuales en la Academia de Bellas Artes de Bolonia en 2005. He participado en numerosas exposiciones colectivas y personales en galerías privadas y eventos públicos. Mi investigación es inconsciente y está influenciada, de una manera completamente evocadora, por lo que sucede en el teatro interior de mis pensamientos: mi trabajo se inspira en el concepto de identidad, distanciamiento y cuerpo como un medio físico y mental para expresar lo que sucede en cada uno de nosotros íntimamente, mis medios de expresión han evolucionado en la pintura, el dibujo y la cerámica. Actualmente vivo y trabajo en Módena, Italia.

Il ruolo della bellezza e della malinconia è fondamentale nel mio lavoro, è il motore principale della mia pittura. Quello che faccio è basato sull’indagine su una vita quotidiana nevrotica e malinconica, rappresentata in modo iconico, in un modo meno alienante, meno aggressivo ma ancora presente. Creo archetipi di una femminilità contemporanea e sovraesposta.

El papel de la belleza y la melancolía es fundamental en mi trabajo, es el motor principal de mi pintura. Lo que hago está basado en la indagación de una vida cotidiana neurótica y melancólica, representada de modo icónico, de una manera menos alienante, menos agresiva, pero todavía presente. Creo arquetipos de una feminidad contemporánea y sobreexpuesta.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Ciò che mantiene viva la mia creatività è la necessità. Devo dipingere. Le immagini vengono da me inconsciamente e poi la mia mente le elabora, ma non potrei vivere senza dipingere. Non l’ho mai fatto e non riesco a immaginare cosa sia non essere in grado di dipingere ogni giorno. Un ruolo molto importante nella mia ispirazione è trovare il tempo, cercarlo costantemente, di stare da sola e mantenere vivo il dialogo con me stessa.

Lo que mantiene viva mi creatividad es la necesidad. Tengo que pintar. Las imágenes vienen a mí inconscientemente y después mi mente las elabora, pero no podría vivir sin pintar. No lo he hecho nunca y no logro imaginar cómo sería no ser capaz de pintar cada día. Algo muy importante para mi inspiración es encontrar el tiempo, buscarlo sin descanso, estar sola y mantener vivo el diálogo conmigo misma.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Il mio lavoro è un processo, un continuo ‘work in progress’, sono sempre alla ricerca del mio dipinto senza trovarlo, l’ansia di non essere in grado spesso mi prende alla gola ma non mi ferma. Sto ancora cercando.

Mi trabajo es un proceso, un continuo ‘work in progress’, estoy siempre en búsqueda de mi pintura sin encontrarla, la ansiedad de no ser capaz a veces me invade, pero no me detiene. Todavía continúo buscando.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Come artista, sono particolarmente disanimata dalle dinamiche del mondo dell’arte attuale. Una cosa veramente terrificante che sembra aver preso piede da qualche tempo è l’immediatezza del lavoro. Gli artisti spesso abbandonano la tecnica per creare sensazionalismo. Questo è qualcosa che mi porta lontano dal capire le dinamiche del mercato dell’arte. Credo che un ruolo importante della perdita di qualità e della ricerca nel mondo dell’arte l’abbia l’irresponsabilità di alcuni galleristi o critici o curatori che hanno spesso trascurato gli artisti per fare soldi, per lanciarli immediatamente sul mercato senza aver sviluppato una ricerca personale interessante, basata davvero sulla tecnica in primo luogo o che espongono gli artisti sotto compenso, chiedendo un pagamento per poter far mostre. Tutta questa fretta e tutti questi soldi hanno trasformato il mondo dell’arte in un grande ‘fast food’. Non mi piace la velocità. Quando parliamo di arte dobbiamo pensare. Il fatto di essere una donna, non credo che cambi radicalmente le cose.

Como artista me siento particularmente desanimada por las dinámicas del arte actual. Una cosa realmente aterradora que parece haber ganado terreno desde hace algún tiempo es la inmediatez del trabajo. Los artistas abandonan a menudo la técnica para crear sensacionalismo. Eso es algo que hace que no entienda y me aleje de las dinámicas del mercado del arte. Creo que una parte de culpa importante en la pérdida de calidad y de investigación en el mundo del arte la tiene la irresponsabilidad de algunos galeristas, críticos o curadores que han descuidado a los artistas para hacer dinero, que exponen a artistas bajo pago, pidiendo cierta cantidad para poder hacer exposiciones o muestras, sin haber desarrollado una búsqueda personal interesante, basada de veras en la técnica en primer lugar. Toda esta prisa y el componente económico han transformado el mundo del arte en un gran ‘fast food’. No me gusta la velocidad. Cuando hablamos de arte debemos pensar. El hecho de ser una mujer no creo que cambie radicalmente las cosas.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Chiunque stia cominciando ora deve prestare attenzione alla fama e alla gloria immediata. Il mondo dell’arte brucia spesso i più giovani. È necessaria la calma, una rapida ascesa offre una altrettanto rapida discesa. Penso che questo non sia solo per l’Italia, ma è un fenomeno generale. Una cosa molto importante è far capire ai giovani che la tecnica è molto importante, così come la ricerca.

Quienquiera que esté empezando ahora debe prestar atención a la fama y a la gloria inmediata. El mundo del arte acaba quemando, a menudo, a los más jóvenes. Es necesaria la calma. Un ascenso rápido equivale a un descenso igualmente rápido. Pienso que esto no sucede solamente en Italia, sino que es un fenómeno global. Una cosa muy importante que hay que hacer que entiendan los jóvenes es que la técnica es fundamental, así como la investigación.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Il filo conduttore del mio lavoro è la figura femminile, il suo ruolo nella società e la sua intimità. Ho scavato per indagare sull’anatomia, le ossa, il cuore. Ora guardo nella mente.

El hilo conductor de mi trabajo es la figura femenina, su papel en la sociedad y su intimidad. He investigado para indagar sobre la anatomía, los huesos, el corazón. Ahora dirijo mi mirada hacia la mente.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Il futuro non può essere previsto, e voglio che rimanga misterioso. Tendo ad annoiarmi facilmente e, quindi, ho bisogno che tutto arrivi come una sorpresa.

El futuro no puede ser previsto y me gustaría que permaneciera misterioso. Tiendo a aburrirme fácilmente y, por eso, necesito que todo llegue como una sorpresa.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

L’opera di Caravaggio mi commuove sempre, per me rimane trasversale al tempo, fluttuando in un’area di pensiero e intimità che continua a stupire per sempre. Rimane un’artista immortale secondo me. Subito dopo c’ è Goya. Incredibile e sinistro più di quanto abbia mai visto. Li adoro.

La obra de Caravaggio me conmueve siempre, para mí permanece transversal al tiempo, fluctuando en una zona de pensamiento e intimidad que impresiona siempre. Es un artista inmortal, a mi parecer. Después está Goya: el más increíble y siniestro de cuantos haya visto. Adoro a ambos.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Scegliete artisti contemporanei che abbiano un vero talento, che sono veri fuoriclasse e che facciano molta ricerca, che non smettano mai di essere curiosi e proporre di tutto, sia il ‘mainstream’ che quelli non ancora visti.

Elegid artistas contemporáneos que tengan un talento real, que sean figuras auténticas y que investiguen mucho, que no dejen de ser curiosos y propongan de todo, tanto los que están dentro del ‘mainstream’ como los que aún no son conocidos.

FEDERICA POLETTI.

Ho libri che sono stati importanti per me. Uno di questi, ‘Tales of Imagination and Mystery’, di Edgar Allan Poe.

Tengo libros que han sido importantes para mí. Uno de ellos es ‘Tales of Imagination and Mystery’, de Edgar Allan Poe.

ÍÑIGO NAVARRO DÁVILA Ser como los lirios y los pájaros

Edición:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Madrid.
06/12/2018.


IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

Fui precoz. Me enamoré por primera vez a los tres años y a los cinco adiviné que los reyes eran los padres. Temía que, si mis padres me habían engañado con eso, también me habían podido engañar con lo de que Dios existe. Lo pasé muy mal con mi finitud, creía que me moría a cada momento. Una vez que mis padres se fueron a cenar cuando tenía trece años, puse a rezar a mis hermanos pequeños para curarme de un tumor cerebral que creía que tenía, estaban aterrorizados. Otra vez, en un campamento, pensé que tenía cáncer de mamá y aquello se convirtió en motivo de mofa y una leyenda que se iban contando los unos a los otros de verano en verano. Yo sabía por aquel entonces que Dios existía, pero aun así me había quedado el trauma de la enfermedad. Yo sé que Dios existe porque me habla, punto. No necesito convencer a nadie, ni justificarme, ni me molesto en explicar que no estoy loco. El saber que Dios está a tu lado te ayuda a hacer las cosas que debes hacer sin prisas ni ansiedad. Nadie puede contar nada sin vivir. Vivir de verdad es una tarea difícil que puede resultar exasperante si se ejecuta sin convicción. Sobre todo para unos padres que ven dilapidados sus recursos y aspiraciones por un muchacho sin oficio ni beneficio, tan imbécil que pierde los incisivos superiores cada quince minutos. La juventud de los artistas yace sobre la poesía y la épica, nunca en el claustro universitario, pero eso cuéntaselo tú a alguien desde la cama, un martes al mediodía. Por mucho que el evangelio recomiende ser como los lirios o los pájaros, muy pocos católicos lo toman en serio. La misma fe que me empujaba a ser indolente con las formalidades de la vida cotidiana me obligaba a trabajar muy duro en las cosas inservibles como el arte. Me he roto la mano dibujando, pintando y escribiendo para las mujeres que quería ver desnudas.

‘EL INSIDIOSO’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

Siempre he querido pintar bien. Cuando los artistas de mi generación éramos adolescentes o jóvenes estaba mal visto pintar, aunque fuera mal. Así que pintar ya se puede considerar, en sí mismo, un acto de rebeldía y una decisión conceptual. No creo en la belleza de forma estática, es algo subjetivo. Un ejemplo: no creo que exista algo más horrendo que una boda, donde se supone que se han cuidado todos los detalles buscando la perfección. En ese sentido, me siento muy realista. Si alguien viene a posar al estudio con chaqueta, chándal o en pelotas me da igual. Me divierte improvisar con lo que tengo a mi alrededor y he descubierto que crea efectos más poderosos y complejos que si lo intento manipular todo yo. Por otro lado, sí creo en la belleza. Todas las escenas que pinto intento mostrarlas bonitas. Creo que lo que las hace bonitas es precisamente que relego la belleza a la parte intuitiva y me centro racionalmente en que sean ambiguas, divertidas, complicadas, anecdóticas, pictóricas e interesantes intelectualmente. Vamos, como cuando ves a un perro simpático con tres patas o a una chica narizotas y atractiva con un parche de ojo vago y no sabes muy bien qué pensar, pero no puedes dejar de mirarla.

‘CHICOS, SALID A JUGAR FUERA’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

Vivo constantemente inspirado. Las ideas me las dicta Dios en cada momento. Cuando me acuerdo las apunto, pero no me preocupo mucho de hacerlo, porque las ideas verdaderamente buenas me las repite varias veces.

‘CASTELLERS INDOOR’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

Fue a raíz de casarme y tener niños que caí del guindo coligiendo que si quería que todos viviéramos de la pintura me tenía que dejar de bobadas. Fue entonces cuando me puse manos a la obra. Decidí que la mejor manera de sacar la familia adelante era aspirar a hacer algo que te cayeras de culo al verlo. Conseguirlo me llevó unos cinco años en los que Mindi se tuvo que ocupar de mantenernos a todos, ya que yo apenas ingresaba dinero. El intento de ejecutar una verdadera obra de arte requiere mucha planificación y trabajo, dominar distintas disciplinas a la vez, estar al día teóricamente, con etapas de estudio y otras de rutina productiva. También es necesario entender que la vida es parte de la obra: hay que divertirse, salir, discutir, perder el tiempo e ir pescando gente interesante. Ayuda tener la convicción de que lo conseguirás. Vivo la pintura con pasión y alegría, todo gira en torno al arte e incluso en los peores momentos es un alivio llegar al estudio y hacer cosas.

‘COMO ENGAÑAR A UN GATO CON EL TRUCO DE LA LEVITACIÓN’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

El arte plástico ha perdido relevancia mundial confrontado con otras disciplinas, como la música o el cine. Somos unos ‘mindundis’. La causa es que se ha vuelto confuso y críptico por la intervención del academicismo institucional en connivencia con el mercado. La idea, flotando en el ambiente, de que el arte es un negocio especulativo o una tesis universitaria antes que una forma de expresión primaria, le ha restado mucho encanto y poesía. Esto, no obstante, lo veo como una oportunidad para mi generación, ya que tarde o temprano la humanidad se volverá a divertir con la pintura. Esta revolución iconoclasta es tan antigua como la propia historia del arte. Hay algo excitante en la idea de renovar el género para volverlo interesante. Me estimula ver que hay cosas que hacer.

‘LOS LOBOS Y LA GASOLINA’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

Crear es muy fácil y barato, se puede hacer con un papel y un lápiz. Vivir de lo creado es mucho más difícil, esa es la cuestión y la confusión. La desesperación suele venir por no poder vivir exclusivamente del arte, pero es que somos muchos y no da. Solo logran sobrevivir los que tienen carácter suficiente para no creerse las grandes mentiras en forma de tópicos, como la del artista atormentado o el genio loco, esas tonterías que solo poquísimas veces se dan, en realidad, con éxito. Ser vulgar es la muerte del artista, pero no es fácil no serlo. No hace falta fomentar malos hábitos como el de estar siempre de mal humor, deprimido o triste. Para alguien que empiece le aconsejaría que mantenga intacta la ilusión y juegue limpio con el destino, si toca perder que no se amargue.

‘ORACIONES RESPONDIDAS’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

Hace no mucho expuse en Barcelona, en la galería Contrast, también inauguré en Budapest y en diciembre estuve en Miami, para la feria. Así que, en este momento, estoy exhausto y sin obra en el estudio. Voy a dedicar los próximos seis meses a una nueva serie que por ahora no es más que una nebulosa confusa de ideas, como lo es siempre que voy a empezar. Me apetece hacer algo sobre el erotismo que nunca termino de ejecutar. Soy muy primario, a mí gustan las mujeres desnudas, por eso me hace tanta gracia esa gente a la que le fascinan los pies, el cuero o qué sé yo, la farsa … en realidad es algo muy artístico, me atrae porque me parece ridículo.

 

IÑIGO comparte con nosotras esta foto de familia. Muy a menudo, los mejores modelos, los tiene cerca.

Las obras que, a pesar del paso del tiempo, siguen conmoviéndome son el ‘San Antonio Abad y San Pablo, primer ermitaño’ de Velázquez, bueno casi toda la obra de él; ‘El carro de heno’ de el Bosco;  ‘Los caprichos’ de Goya,  por las conversaciones con Luis Mayo; ‘Agnus Dei’ de Zurbarán; ‘Las señoritas de Aviñón’ de Picasso, sobre todo los cuadros preparatorios; ‘Brigitte Bardot’ de Saura; los paisajes de Antonio López, quien con su lenguaje oracular más me he enseñado sobre lo que es el arte; los paisajes de Peter Dodge, por nombrar un extranjero. Hopper, Neo Rauch, Tuycmans y muchísimos más. Pero el más importante de todos para mí ha sido Eduardo Arroyo, es con el que siento más afinidad. Le he estudiado, le he leído y le he admirado mucho.

‘Oui oui, nous rentrerons dans le Marché Commun (Sí, sí entraremos en el Mercado Común)’ (1971) de Eduardo Arroyo.

No tengo deseos más allá de los relacionados con las mejoras en mi obra. Sueño mucho que vuelo y cada vez lo hago mejor. Las primeras veces apenas flotaba, ahora soy capaz de sobrevolar bloques de edificios. Hay otro sueño en el que vuelvo a mi antiguo estudio y me doy cuenta de que allí reside el demonio y empiezan a suceder cosas muy extrañas y aterradoras, paso mucho miedo, pero también me divierto mucho con la aventura y si me doy cuenta de que estoy soñando fomento que el sueño se dirija hacia allí. Hay una pesadilla horrible que me atormenta. Es un sueño hiperrealista en el que me levanto y voy al súper a hacer la compra, luego llevo a los niños al colegio, hago funcionar el lavaplatos, etcétera.

‘TAKE OVER BID’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA. Óleo sobre lienzo.

En THALAMUS vais fenomenal, no necesitáis consejos, solo inversores. Pero he descubierto que hay dos cosas que nunca fallan: un culo y un caballo. Si ponéis alguna de esas cosas habitualmente en las portadas tenéis el éxito asegurado.

 

FEDERICO GRANELL Una silueta que camina

Edición: 
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid. 28/07/2018.


Federico Granell. Dibujante compulsivo desde que tiene recuerdo, formado en la Universidad de Salamanca (Bellas Artes, especialidad de Diseño), descubrió en su estancia en la Accademia di Belli Arti de Roma que tenía claro que quería dedicarse a la pintura. Federico cuenta con una larga trayectoria en exposiciones nacionales e internacionales, así como en ferias de arte como JustMad o Sculto. Ha sido galardonado con numerosos premios y, para nuestra fortuna, su capacidad creativa goza de una constante proyección hacia el futuro.

Mis primeras influencias fueron unos libros de Hopper, el Picasso de la época azul, Monet y Degas, los miraba y remiraba, luego llegaron Balthus, Hockney, Warhol, Friedrich, Antonio López, Juan Muñoz, Bacon … cada uno me ofrecía algo nuevo, una nueva mirada, supongo que de ahí ha salido mi estilo, buscando la belleza en los sitios cotidianos, en los momentos tranquilos de observación, en la luz de un atardecer, en las fotos de familia antiguas, en interiores misteriosos, en una silueta que camina, en la costa Cantábrica, sobre todo Asturias, que es una fuente inagotable de imágenes guapas.

ESCULTURA DE FEDERICO GRANELL.

La música, la arquitectura, una buena exposición, los viajes, el entorno, la familia, los amigos, una charla, un sueño … todas esas cosas mantienen mi creatividad viva. Me nutro de muchas fuentes, vivimos en el momento de la imagen, todo fluye veloz y el dibujo es una de las cosas que más disfruto y más me activan, la acuarela es una técnica muy inmediata, una manera de jugar y divertirme en los cuadernos Moleskine. Pensar una canción en intentar atraparla en una imagen es un juego que no me cansa, al contrario, es adictivo.

La Moleskine de FEDERICO siempre nos trae alguna escena memorable.

Mi trabajo es un conjunto de ideas pero la más recurrente es el tiempo, el paso del tiempo y la necesidad de atraparlo, la memoria también me interesa, la belleza en la decadencia de los sitios abandonados, el tema de la familia y la infancia. La vida y la muerte, todo lo relacionado con el Romanticismo y el Barroco. La soledad y la melancolía. La mística del paseante, del flâneur. Viajar por el placer de viajar, a veces el objetivo es lo menos importante y el propio trayecto inspira.

Más páginas de FEDERICO GRANELL.

El mercado del arte está evolucionando, las redes sociales te hacen visible a nivel mundial, así que es un momento muy excitante para el artista, ver lo que hacen otros artistas antes siquiera de que se exponga y darte cuenta que estás en la misma onda a pesar de la distancia. Hilos invisibles con artistas de todo el mundo.

‘Villa Excelsior’ de FEDERICO GRANELL.

El desafío para cualquier artista es ser fiel a uno mismo y no seguir modas que van y vienen. Ser auténtico. No soy muy de dar consejos pero diría que lo más importante es disfrutar siempre con lo que haces, pues eso se transmite y la gente disfrutará viéndolo.

Escultura de FEDERICO GRANELL.

Normalmente empiezo dibujando en un cuaderno de ideas, casi todo lo que hago viene de ahí, la pintura es mi medio de expresión habitual al que le dedico casi todo mi tiempo pero a veces necesito trabajar en la escultura para representar alguna idea más compleja y surrealista, me gusta combinar en la exposiciones pintura y escultura, se apoyan y se refuerzan. La escultura tiene un proceso más lento y más costoso por eso hay que pensarse bien qué dibujo del cuaderno pasar a 3D.

FEDERICO GRANELL y sus criaturas.

Los proyectos futuros que tengo son varias exposiciones para el 2019 en Gijón en la galería Gema Llamazares y en Madrid en la galería Utopía Parkway, además de otra en el la Sala 1 del Antiguo Instituto Jovellanos de Gijón. Aparte estoy trabajando en una edición limitada de 25 dibujos del cuaderno de canciones con Litografía Viña y Alchemy Prints que esperamos salga a la luz en otoño.

Más páginas del Moleskine de FEDERICO GRANELL.

Obras de arte que me siguen conmoviendo: ‘Los corredores’ de bronce del Museo Arqueológico de Nápoles, el fresco del jardín de Villa Livia, ‘El éxtasis de Santa Teresa’ de Bernini, ‘Alegoría de la primavera’ de Botticelli, ‘La vocación de San Mateo’ de Caravaggio, ‘Las Meninas’ de Velázquez, ‘El cortejo de los Reyes Magos’ de Benozzo Gozzoli, ‘El entierro del Conde Orgaz’ de El Greco, ‘Guernica’ de Picasso, ‘Nighthawks’ de Hopper, cualquier cuadro de Morandi, ‘A Bigger Splash’ de Hockney, ‘Sternenfall’ de Anselm Kieffer, los chinos sonrientes de Juan Muñoz, una jaula de Louise Bourgeoise, ‘Il giocoliere’ de Antonio Donghi es uno de mis últimos descubrimientos … y podría estar así sin parar.

FEDERICO GRANELL.

Una canción importante van a ser dos: La noche inventada de Family, uno de mis grupos favoritos y hasta hice un vídeo de stop-motion hace años con dibujos en cuadernos, se puede ver en youtube. La otra es la canción de Charles Trenet ‘Que reste t-il de nos amours’, una letra melancólica a más no poder con la que me identifico totalmente.

‘Orly III’ de FEDERICO GRANELL.

Una ensoñación o deseo recurrente es poder volar. Es uno de esos sueños que se repiten y que siempre hacen que me levante de la cama con buen humor.

MONTSERRAT DIAZ La psique multidimensional

Edición:
Déborah Guerrero
deborah.g.ca@gmail.com
Madrid/Milano.


Fotógrafa autodidacta, Montserrat nace en Málaga y se traslada a Milán en el año 2000, donde se licencia en Lingue e Letterature Straniere por la Universidad Estatal. Actualmente se dedica a la fotografía, pasión que cultiva desde 2014, llegando a exponer por primera vez en Turín, en la feria de arte contemporáneo Paratissima XII. Desde entonces, su carrera como artista es imparable: ha ganado varios premios, se han publicado diversos artículos sobre su obra en algunas revistas digitales de fotografía italianas (Clickmagazine, Artevitae) y, a día de hoy, trabaja en diversos proyectos tanto en Italia como en otros países.

El arte siempre siempre captó su atención. Los padres de Montserrat tenían una marquetería en la que de niña pasaba horas mirando catálogos, fotos, pinturas y espejos. Las imágenes de la artista (tratándose principalmente de fotomontajes), responden a la necesidad de crear y reelaborar ese mundo onírico que le fascina. Esta reelaboración de imágenes capturadas a través del objetivo y que dan lugar a una nueva imagen, es un mecanismo semejante al que se produce cuando soñamos. De hecho, Montserrat nos cuenta que se inspira más en el realismo mágico de la literatura hispanoamericana, en la fantasía de Borges, que en el mundo de la fotografía.

Ritratto in bianco e nero – mattino

En la mayor parte de mis imágenes, la mujer que aparece soy yo, aunque cuando trabajo lo que hago es actuar. Me disfrazo, a veces incluso retoco mis facciones. Uso mi cuerpo como canal de comunicación. No hay narcisismo, no hay búsqueda de mí misma en sentido físico, pero sí psíquico. Me gusta descubrir, a trabajo terminado, de qué quería realmente hablar. Las otras figuras femeninas son chicas de mi familia con las que tengo mucha confianza y con las que trabajo cuando tengo ocasión. Creo que no podría trabajar con modelos porque amo la espontaneidad. Casi nunca parto con una idea fija y cuando sucede, como buena Aries que soy, no tengo tiempo ni ganas de esperar: lo tengo que hacer en seguida.

Blanca mañana, blanca espera (2016)
Atto poetico (2017)

Lo que intento con mi trabajo es desarrollar emociones semejantes a las que se viven cuando nos despertamos de un sueño perturbador. Todos hemos vivido alguna vez esa sensación de haberlo vivido realmente y hemos intentado comprender cómo y por qué hemos llegado a desarrollar ese sueño tan asombroso. Luego nos damos cuenta de que, tras esa creación onírica, se esconden miedos, dificultades, episodios y preocupaciones de nuestro día a día. Como decía antes, no siempre parto de una idea preconcebida, sino que me dejo llevar por el aquí y ahora, realizo fotografías de espacios durante mis viajes, o mías en casa (no tengo un estudio), o de mi hija. Después hago los fotomontajes dejándome llevar por sensaciones. Ahí es cuando me doy cuenta de lo que hay detrás de ellas, el mensaje que hay escondido … es como interpretar un sueño.

The Will to fly (2015)
Il mondo riflesso. Di ricordi e di ombre (2018)

El acto poético, como decía Borges, es absolutamente creativo, de la misma manera que lo es el acto onírico. Ambos actos producen creaciones absolutas que nacen de quien las produce sin interferencia de terceros, es decir, en total libertad. A través del fotomontaje disecciono fotografías y creo imágenes nuevas cargadas de simbolismo y de elementos conturbantes que cada uno puede interpretar basándose en su propio existir.

Malvasia (2017)

De pequeña me divertía jugando a disfrazarme para hacerme fotos “artísticas”. A veces mi hermano pequeño se ponía conmigo y pasábamos la tarde con la cámara, haciéndonos fotos. Hoy para mí en cierto sentido es como volver a la infancia. La fotografía me permite hacer algo que los mayores dejan de hacer normalmente, que es jugar.

VUOTO
SHADOWS I

A nivel artístico, retomé la costumbre de fotografiar hace cinco años. Con la excusa de hacerle fotos a mi hija, que ya andaba, me llevaba la cámara a todos lados y poco a poco empecé a hacérselas a edificios, a los árboles, a todo lo que me llamaba la atención. Descubrí que existía el minimalismo fotográfico gracias a internet y me introduje en grupos de Facebook para aprender y ponerme a prueba.  Me di cuenta de que tenía ojo y seguí aplicándome. De ahí nace mi pasión. Más tarde, descubrí las posibilidades artísticas que existían gracias a la manipulación fotográfica y me puse a estudiar cómo funcionaba Photoshop. En esto soy autodidacta (no tengo tiempo de seguir cursos y por otra parte siempre me ha gustado hacer las cosas por mí misma y a mi ritmo). Una de mis peores pesadillas hoy en día es perder mi cámara. Para mí, la fotografía es una forma de comunicar. Puedo dejar de hablar pero no de fotografiar.

Sogno lucido (2017)
Tempus fugit II 

Tengo varios proyectos, pero como buena andaluza, soy bastante supersticiosa y no me gusta hablar de ellos hasta que los haya realizado.

Terra madre I
Hic et nunc (2018)

 

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