REVISTA DE ARTE CONTRA LA CORDURA

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FEDERICA POLETTI Arquetipos de una feminidad contemporánea y sobreexpuesta

Edición: Txetxu González.
Traducción: Laia López Manrique. 
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Modena. 08/12/2018.


FEDERICA POLETTI EN SU ESTUDIO.

Sono nata a Modena nel novembre 1980. Laurea in arti visive presso l’Accademia di Belle Arti di Bologna nel 2005.  Ho preso parte a numerose mostre collettive e personali in gallerie private ed eventi pubblici. La mia ricerca è inconscia e influenzata, in modo del tutto evocativo, da ciò che accade nel teatro interiore dei miei pensieri: il mio lavoro è ispirato al concetto di identità, di straniamento, e corpo come mezzo fisico e pensante di espressione di ciò che accade in ognuno  intimamente, i miei mezzi espressivi si sono evoluti in pittura, disegno e ceramica. Attualmente vivo e lavoro a Modena, Italia.

Nací en Módena, en Noviembre de 1980. Licenciada en Artes Visuales en la Academia de Bellas Artes de Bolonia en 2005. He participado en numerosas exposiciones colectivas y personales en galerías privadas y eventos públicos. Mi investigación es inconsciente y está influenciada, de una manera completamente evocadora, por lo que sucede en el teatro interior de mis pensamientos: mi trabajo se inspira en el concepto de identidad, distanciamiento y cuerpo como un medio físico y mental para expresar lo que sucede en cada uno de nosotros íntimamente, mis medios de expresión han evolucionado en la pintura, el dibujo y la cerámica. Actualmente vivo y trabajo en Módena, Italia.

Il ruolo della bellezza e della malinconia è fondamentale nel mio lavoro, è il motore principale della mia pittura. Quello che faccio è basato sull’indagine su una vita quotidiana nevrotica e malinconica, rappresentata in modo iconico, in un modo meno alienante, meno aggressivo ma ancora presente. Creo archetipi di una femminilità contemporanea e sovraesposta.

El papel de la belleza y la melancolía es fundamental en mi trabajo, es el motor principal de mi pintura. Lo que hago está basado en la indagación de una vida cotidiana neurótica y melancólica, representada de modo icónico, de una manera menos alienante, menos agresiva, pero todavía presente. Creo arquetipos de una feminidad contemporánea y sobreexpuesta.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Ciò che mantiene viva la mia creatività è la necessità. Devo dipingere. Le immagini vengono da me inconsciamente e poi la mia mente le elabora, ma non potrei vivere senza dipingere. Non l’ho mai fatto e non riesco a immaginare cosa sia non essere in grado di dipingere ogni giorno. Un ruolo molto importante nella mia ispirazione è trovare il tempo, cercarlo costantemente, di stare da sola e mantenere vivo il dialogo con me stessa.

Lo que mantiene viva mi creatividad es la necesidad. Tengo que pintar. Las imágenes vienen a mí inconscientemente y después mi mente las elabora, pero no podría vivir sin pintar. No lo he hecho nunca y no logro imaginar cómo sería no ser capaz de pintar cada día. Algo muy importante para mi inspiración es encontrar el tiempo, buscarlo sin descanso, estar sola y mantener vivo el diálogo conmigo misma.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Il mio lavoro è un processo, un continuo ‘work in progress’, sono sempre alla ricerca del mio dipinto senza trovarlo, l’ansia di non essere in grado spesso mi prende alla gola ma non mi ferma. Sto ancora cercando.

Mi trabajo es un proceso, un continuo ‘work in progress’, estoy siempre en búsqueda de mi pintura sin encontrarla, la ansiedad de no ser capaz a veces me invade, pero no me detiene. Todavía continúo buscando.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Come artista, sono particolarmente disanimata dalle dinamiche del mondo dell’arte attuale. Una cosa veramente terrificante che sembra aver preso piede da qualche tempo è l’immediatezza del lavoro. Gli artisti spesso abbandonano la tecnica per creare sensazionalismo. Questo è qualcosa che mi porta lontano dal capire le dinamiche del mercato dell’arte. Credo che un ruolo importante della perdita di qualità e della ricerca nel mondo dell’arte l’abbia l’irresponsabilità di alcuni galleristi o critici o curatori che hanno spesso trascurato gli artisti per fare soldi, per lanciarli immediatamente sul mercato senza aver sviluppato una ricerca personale interessante, basata davvero sulla tecnica in primo luogo o che espongono gli artisti sotto compenso, chiedendo un pagamento per poter far mostre. Tutta questa fretta e tutti questi soldi hanno trasformato il mondo dell’arte in un grande ‘fast food’. Non mi piace la velocità. Quando parliamo di arte dobbiamo pensare. Il fatto di essere una donna, non credo che cambi radicalmente le cose.

Como artista me siento particularmente desanimada por las dinámicas del arte actual. Una cosa realmente aterradora que parece haber ganado terreno desde hace algún tiempo es la inmediatez del trabajo. Los artistas abandonan a menudo la técnica para crear sensacionalismo. Eso es algo que hace que no entienda y me aleje de las dinámicas del mercado del arte. Creo que una parte de culpa importante en la pérdida de calidad y de investigación en el mundo del arte la tiene la irresponsabilidad de algunos galeristas, críticos o curadores que han descuidado a los artistas para hacer dinero, que exponen a artistas bajo pago, pidiendo cierta cantidad para poder hacer exposiciones o muestras, sin haber desarrollado una búsqueda personal interesante, basada de veras en la técnica en primer lugar. Toda esta prisa y el componente económico han transformado el mundo del arte en un gran ‘fast food’. No me gusta la velocidad. Cuando hablamos de arte debemos pensar. El hecho de ser una mujer no creo que cambie radicalmente las cosas.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Chiunque stia cominciando ora deve prestare attenzione alla fama e alla gloria immediata. Il mondo dell’arte brucia spesso i più giovani. È necessaria la calma, una rapida ascesa offre una altrettanto rapida discesa. Penso che questo non sia solo per l’Italia, ma è un fenomeno generale. Una cosa molto importante è far capire ai giovani che la tecnica è molto importante, così come la ricerca.

Quienquiera que esté empezando ahora debe prestar atención a la fama y a la gloria inmediata. El mundo del arte acaba quemando, a menudo, a los más jóvenes. Es necesaria la calma. Un ascenso rápido equivale a un descenso igualmente rápido. Pienso que esto no sucede solamente en Italia, sino que es un fenómeno global. Una cosa muy importante que hay que hacer que entiendan los jóvenes es que la técnica es fundamental, así como la investigación.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Il filo conduttore del mio lavoro è la figura femminile, il suo ruolo nella società e la sua intimità. Ho scavato per indagare sull’anatomia, le ossa, il cuore. Ora guardo nella mente.

El hilo conductor de mi trabajo es la figura femenina, su papel en la sociedad y su intimidad. He investigado para indagar sobre la anatomía, los huesos, el corazón. Ahora dirijo mi mirada hacia la mente.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Il futuro non può essere previsto, e voglio che rimanga misterioso. Tendo ad annoiarmi facilmente e, quindi, ho bisogno che tutto arrivi come una sorpresa.

El futuro no puede ser previsto y me gustaría que permaneciera misterioso. Tiendo a aburrirme fácilmente y, por eso, necesito que todo llegue como una sorpresa.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

L’opera di Caravaggio mi commuove sempre, per me rimane trasversale al tempo, fluttuando in un’area di pensiero e intimità che continua a stupire per sempre. Rimane un’artista immortale secondo me. Subito dopo c’ è Goya. Incredibile e sinistro più di quanto abbia mai visto. Li adoro.

La obra de Caravaggio me conmueve siempre, para mí permanece transversal al tiempo, fluctuando en una zona de pensamiento e intimidad que impresiona siempre. Es un artista inmortal, a mi parecer. Después está Goya: el más increíble y siniestro de cuantos haya visto. Adoro a ambos.

OBRA SELECCIONADA DE FEDERICA POLETTI.

Scegliete artisti contemporanei che abbiano un vero talento, che sono veri fuoriclasse e che facciano molta ricerca, che non smettano mai di essere curiosi e proporre di tutto, sia il ‘mainstream’ che quelli non ancora visti.

Elegid artistas contemporáneos que tengan un talento real, que sean figuras auténticas y que investiguen mucho, que no dejen de ser curiosos y propongan de todo, tanto los que están dentro del ‘mainstream’ como los que aún no son conocidos.

FEDERICA POLETTI.

Ho libri che sono stati importanti per me. Uno di questi, ‘Tales of Imagination and Mystery’, di Edgar Allan Poe.

Tengo libros que han sido importantes para mí. Uno de ellos es ‘Tales of Imagination and Mystery’, de Edgar Allan Poe.

ÍÑIGO NAVARRO DÁVILA Ser como los lirios y los pájaros

Edición:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Madrid.
06/12/2018.


IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

Fui precoz. Me enamoré por primera vez a los tres años y a los cinco adiviné que los reyes eran los padres. Temía que, si mis padres me habían engañado con eso, también me habían podido engañar con lo de que Dios existe. Lo pasé muy mal con mi finitud, creía que me moría a cada momento. Una vez que mis padres se fueron a cenar cuando tenía trece años, puse a rezar a mis hermanos pequeños para curarme de un tumor cerebral que creía que tenía, estaban aterrorizados. Otra vez, en un campamento, pensé que tenía cáncer de mamá y aquello se convirtió en motivo de mofa y una leyenda que se iban contando los unos a los otros de verano en verano. Yo sabía por aquel entonces que Dios existía, pero aun así me había quedado el trauma de la enfermedad. Yo sé que Dios existe porque me habla, punto. No necesito convencer a nadie, ni justificarme, ni me molesto en explicar que no estoy loco. El saber que Dios está a tu lado te ayuda a hacer las cosas que debes hacer sin prisas ni ansiedad. Nadie puede contar nada sin vivir. Vivir de verdad es una tarea difícil que puede resultar exasperante si se ejecuta sin convicción. Sobre todo para unos padres que ven dilapidados sus recursos y aspiraciones por un muchacho sin oficio ni beneficio, tan imbécil que pierde los incisivos superiores cada quince minutos. La juventud de los artistas yace sobre la poesía y la épica, nunca en el claustro universitario, pero eso cuéntaselo tú a alguien desde la cama, un martes al mediodía. Por mucho que el evangelio recomiende ser como los lirios o los pájaros, muy pocos católicos lo toman en serio. La misma fe que me empujaba a ser indolente con las formalidades de la vida cotidiana me obligaba a trabajar muy duro en las cosas inservibles como el arte. Me he roto la mano dibujando, pintando y escribiendo para las mujeres que quería ver desnudas.

‘EL INSIDIOSO’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

Siempre he querido pintar bien. Cuando los artistas de mi generación éramos adolescentes o jóvenes estaba mal visto pintar, aunque fuera mal. Así que pintar ya se puede considerar, en sí mismo, un acto de rebeldía y una decisión conceptual. No creo en la belleza de forma estática, es algo subjetivo. Un ejemplo: no creo que exista algo más horrendo que una boda, donde se supone que se han cuidado todos los detalles buscando la perfección. En ese sentido, me siento muy realista. Si alguien viene a posar al estudio con chaqueta, chándal o en pelotas me da igual. Me divierte improvisar con lo que tengo a mi alrededor y he descubierto que crea efectos más poderosos y complejos que si lo intento manipular todo yo. Por otro lado, sí creo en la belleza. Todas las escenas que pinto intento mostrarlas bonitas. Creo que lo que las hace bonitas es precisamente que relego la belleza a la parte intuitiva y me centro racionalmente en que sean ambiguas, divertidas, complicadas, anecdóticas, pictóricas e interesantes intelectualmente. Vamos, como cuando ves a un perro simpático con tres patas o a una chica narizotas y atractiva con un parche de ojo vago y no sabes muy bien qué pensar, pero no puedes dejar de mirarla.

‘CHICOS, SALID A JUGAR FUERA’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

Vivo constantemente inspirado. Las ideas me las dicta Dios en cada momento. Cuando me acuerdo las apunto, pero no me preocupo mucho de hacerlo, porque las ideas verdaderamente buenas me las repite varias veces.

‘CASTELLERS INDOOR’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

Fue a raíz de casarme y tener niños que caí del guindo coligiendo que si quería que todos viviéramos de la pintura me tenía que dejar de bobadas. Fue entonces cuando me puse manos a la obra. Decidí que la mejor manera de sacar la familia adelante era aspirar a hacer algo que te cayeras de culo al verlo. Conseguirlo me llevó unos cinco años en los que Mindi se tuvo que ocupar de mantenernos a todos, ya que yo apenas ingresaba dinero. El intento de ejecutar una verdadera obra de arte requiere mucha planificación y trabajo, dominar distintas disciplinas a la vez, estar al día teóricamente, con etapas de estudio y otras de rutina productiva. También es necesario entender que la vida es parte de la obra: hay que divertirse, salir, discutir, perder el tiempo e ir pescando gente interesante. Ayuda tener la convicción de que lo conseguirás. Vivo la pintura con pasión y alegría, todo gira en torno al arte e incluso en los peores momentos es un alivio llegar al estudio y hacer cosas.

‘COMO ENGAÑAR A UN GATO CON EL TRUCO DE LA LEVITACIÓN’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

El arte plástico ha perdido relevancia mundial confrontado con otras disciplinas, como la música o el cine. Somos unos ‘mindundis’. La causa es que se ha vuelto confuso y críptico por la intervención del academicismo institucional en connivencia con el mercado. La idea, flotando en el ambiente, de que el arte es un negocio especulativo o una tesis universitaria antes que una forma de expresión primaria, le ha restado mucho encanto y poesía. Esto, no obstante, lo veo como una oportunidad para mi generación, ya que tarde o temprano la humanidad se volverá a divertir con la pintura. Esta revolución iconoclasta es tan antigua como la propia historia del arte. Hay algo excitante en la idea de renovar el género para volverlo interesante. Me estimula ver que hay cosas que hacer.

‘LOS LOBOS Y LA GASOLINA’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

Crear es muy fácil y barato, se puede hacer con un papel y un lápiz. Vivir de lo creado es mucho más difícil, esa es la cuestión y la confusión. La desesperación suele venir por no poder vivir exclusivamente del arte, pero es que somos muchos y no da. Solo logran sobrevivir los que tienen carácter suficiente para no creerse las grandes mentiras en forma de tópicos, como la del artista atormentado o el genio loco, esas tonterías que solo poquísimas veces se dan, en realidad, con éxito. Ser vulgar es la muerte del artista, pero no es fácil no serlo. No hace falta fomentar malos hábitos como el de estar siempre de mal humor, deprimido o triste. Para alguien que empiece le aconsejaría que mantenga intacta la ilusión y juegue limpio con el destino, si toca perder que no se amargue.

‘ORACIONES RESPONDIDAS’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA.

Hace no mucho expuse en Barcelona, en la galería Contrast, también inauguré en Budapest y en diciembre estuve en Miami, para la feria. Así que, en este momento, estoy exhausto y sin obra en el estudio. Voy a dedicar los próximos seis meses a una nueva serie que por ahora no es más que una nebulosa confusa de ideas, como lo es siempre que voy a empezar. Me apetece hacer algo sobre el erotismo que nunca termino de ejecutar. Soy muy primario, a mí gustan las mujeres desnudas, por eso me hace tanta gracia esa gente a la que le fascinan los pies, el cuero o qué sé yo, la farsa … en realidad es algo muy artístico, me atrae porque me parece ridículo.

 

IÑIGO comparte con nosotras esta foto de familia. Muy a menudo, los mejores modelos, los tiene cerca.

Las obras que, a pesar del paso del tiempo, siguen conmoviéndome son el ‘San Antonio Abad y San Pablo, primer ermitaño’ de Velázquez, bueno casi toda la obra de él; ‘El carro de heno’ de el Bosco;  ‘Los caprichos’ de Goya,  por las conversaciones con Luis Mayo; ‘Agnus Dei’ de Zurbarán; ‘Las señoritas de Aviñón’ de Picasso, sobre todo los cuadros preparatorios; ‘Brigitte Bardot’ de Saura; los paisajes de Antonio López, quien con su lenguaje oracular más me he enseñado sobre lo que es el arte; los paisajes de Peter Dodge, por nombrar un extranjero. Hopper, Neo Rauch, Tuycmans y muchísimos más. Pero el más importante de todos para mí ha sido Eduardo Arroyo, es con el que siento más afinidad. Le he estudiado, le he leído y le he admirado mucho.

‘Oui oui, nous rentrerons dans le Marché Commun (Sí, sí entraremos en el Mercado Común)’ (1971) de Eduardo Arroyo.

No tengo deseos más allá de los relacionados con las mejoras en mi obra. Sueño mucho que vuelo y cada vez lo hago mejor. Las primeras veces apenas flotaba, ahora soy capaz de sobrevolar bloques de edificios. Hay otro sueño en el que vuelvo a mi antiguo estudio y me doy cuenta de que allí reside el demonio y empiezan a suceder cosas muy extrañas y aterradoras, paso mucho miedo, pero también me divierto mucho con la aventura y si me doy cuenta de que estoy soñando fomento que el sueño se dirija hacia allí. Hay una pesadilla horrible que me atormenta. Es un sueño hiperrealista en el que me levanto y voy al súper a hacer la compra, luego llevo a los niños al colegio, hago funcionar el lavaplatos, etcétera.

‘TAKE OVER BID’ de IÑIGO NAVARRO DÁVILA. Óleo sobre lienzo.

En THALAMUS vais fenomenal, no necesitáis consejos, solo inversores. Pero he descubierto que hay dos cosas que nunca fallan: un culo y un caballo. Si ponéis alguna de esas cosas habitualmente en las portadas tenéis el éxito asegurado.

 

FEDERICO GRANELL Una silueta que camina

Edición: 
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid. 28/07/2018.


Federico Granell. Dibujante compulsivo desde que tiene recuerdo, formado en la Universidad de Salamanca (Bellas Artes, especialidad de Diseño), descubrió en su estancia en la Accademia di Belli Arti de Roma que tenía claro que quería dedicarse a la pintura. Federico cuenta con una larga trayectoria en exposiciones nacionales e internacionales, así como en ferias de arte como JustMad o Sculto. Ha sido galardonado con numerosos premios y, para nuestra fortuna, su capacidad creativa goza de una constante proyección hacia el futuro.

Mis primeras influencias fueron unos libros de Hopper, el Picasso de la época azul, Monet y Degas, los miraba y remiraba, luego llegaron Balthus, Hockney, Warhol, Friedrich, Antonio López, Juan Muñoz, Bacon … cada uno me ofrecía algo nuevo, una nueva mirada, supongo que de ahí ha salido mi estilo, buscando la belleza en los sitios cotidianos, en los momentos tranquilos de observación, en la luz de un atardecer, en las fotos de familia antiguas, en interiores misteriosos, en una silueta que camina, en la costa Cantábrica, sobre todo Asturias, que es una fuente inagotable de imágenes guapas.

ESCULTURA DE FEDERICO GRANELL.

La música, la arquitectura, una buena exposición, los viajes, el entorno, la familia, los amigos, una charla, un sueño … todas esas cosas mantienen mi creatividad viva. Me nutro de muchas fuentes, vivimos en el momento de la imagen, todo fluye veloz y el dibujo es una de las cosas que más disfruto y más me activan, la acuarela es una técnica muy inmediata, una manera de jugar y divertirme en los cuadernos Moleskine. Pensar una canción en intentar atraparla en una imagen es un juego que no me cansa, al contrario, es adictivo.

La Moleskine de FEDERICO siempre nos trae alguna escena memorable.

Mi trabajo es un conjunto de ideas pero la más recurrente es el tiempo, el paso del tiempo y la necesidad de atraparlo, la memoria también me interesa, la belleza en la decadencia de los sitios abandonados, el tema de la familia y la infancia. La vida y la muerte, todo lo relacionado con el Romanticismo y el Barroco. La soledad y la melancolía. La mística del paseante, del flâneur. Viajar por el placer de viajar, a veces el objetivo es lo menos importante y el propio trayecto inspira.

Más páginas de FEDERICO GRANELL.

El mercado del arte está evolucionando, las redes sociales te hacen visible a nivel mundial, así que es un momento muy excitante para el artista, ver lo que hacen otros artistas antes siquiera de que se exponga y darte cuenta que estás en la misma onda a pesar de la distancia. Hilos invisibles con artistas de todo el mundo.

‘Villa Excelsior’ de FEDERICO GRANELL.

El desafío para cualquier artista es ser fiel a uno mismo y no seguir modas que van y vienen. Ser auténtico. No soy muy de dar consejos pero diría que lo más importante es disfrutar siempre con lo que haces, pues eso se transmite y la gente disfrutará viéndolo.

Escultura de FEDERICO GRANELL.

Normalmente empiezo dibujando en un cuaderno de ideas, casi todo lo que hago viene de ahí, la pintura es mi medio de expresión habitual al que le dedico casi todo mi tiempo pero a veces necesito trabajar en la escultura para representar alguna idea más compleja y surrealista, me gusta combinar en la exposiciones pintura y escultura, se apoyan y se refuerzan. La escultura tiene un proceso más lento y más costoso por eso hay que pensarse bien qué dibujo del cuaderno pasar a 3D.

FEDERICO GRANELL y sus criaturas.

Los proyectos futuros que tengo son varias exposiciones para el 2019 en Gijón en la galería Gema Llamazares y en Madrid en la galería Utopía Parkway, además de otra en el la Sala 1 del Antiguo Instituto Jovellanos de Gijón. Aparte estoy trabajando en una edición limitada de 25 dibujos del cuaderno de canciones con Litografía Viña y Alchemy Prints que esperamos salga a la luz en otoño.

Más páginas del Moleskine de FEDERICO GRANELL.

Obras de arte que me siguen conmoviendo: ‘Los corredores’ de bronce del Museo Arqueológico de Nápoles, el fresco del jardín de Villa Livia, ‘El éxtasis de Santa Teresa’ de Bernini, ‘Alegoría de la primavera’ de Botticelli, ‘La vocación de San Mateo’ de Caravaggio, ‘Las Meninas’ de Velázquez, ‘El cortejo de los Reyes Magos’ de Benozzo Gozzoli, ‘El entierro del Conde Orgaz’ de El Greco, ‘Guernica’ de Picasso, ‘Nighthawks’ de Hopper, cualquier cuadro de Morandi, ‘A Bigger Splash’ de Hockney, ‘Sternenfall’ de Anselm Kieffer, los chinos sonrientes de Juan Muñoz, una jaula de Louise Bourgeoise, ‘Il giocoliere’ de Antonio Donghi es uno de mis últimos descubrimientos … y podría estar así sin parar.

FEDERICO GRANELL.

Una canción importante van a ser dos: La noche inventada de Family, uno de mis grupos favoritos y hasta hice un vídeo de stop-motion hace años con dibujos en cuadernos, se puede ver en youtube. La otra es la canción de Charles Trenet ‘Que reste t-il de nos amours’, una letra melancólica a más no poder con la que me identifico totalmente.

‘Orly III’ de FEDERICO GRANELL.

Una ensoñación o deseo recurrente es poder volar. Es uno de esos sueños que se repiten y que siempre hacen que me levante de la cama con buen humor.

MONTSERRAT DIAZ La psique multidimensional

Edición:
Déborah Guerrero
deborah.g.ca@gmail.com
Madrid/Milano.


Fotógrafa autodidacta, Montserrat nace en Málaga y se traslada a Milán en el año 2000, donde se licencia en Lingue e Letterature Straniere por la Universidad Estatal. Actualmente se dedica a la fotografía, pasión que cultiva desde 2014, llegando a exponer por primera vez en Turín, en la feria de arte contemporáneo Paratissima XII. Desde entonces, su carrera como artista es imparable: ha ganado varios premios, se han publicado diversos artículos sobre su obra en algunas revistas digitales de fotografía italianas (Clickmagazine, Artevitae) y, a día de hoy, trabaja en diversos proyectos tanto en Italia como en otros países.

El arte siempre siempre captó su atención. Los padres de Montserrat tenían una marquetería en la que de niña pasaba horas mirando catálogos, fotos, pinturas y espejos. Las imágenes de la artista (tratándose principalmente de fotomontajes), responden a la necesidad de crear y reelaborar ese mundo onírico que le fascina. Esta reelaboración de imágenes capturadas a través del objetivo y que dan lugar a una nueva imagen, es un mecanismo semejante al que se produce cuando soñamos. De hecho, Montserrat nos cuenta que se inspira más en el realismo mágico de la literatura hispanoamericana, en la fantasía de Borges, que en el mundo de la fotografía.

Ritratto in bianco e nero – mattino

En la mayor parte de mis imágenes, la mujer que aparece soy yo, aunque cuando trabajo lo que hago es actuar. Me disfrazo, a veces incluso retoco mis facciones. Uso mi cuerpo como canal de comunicación. No hay narcisismo, no hay búsqueda de mí misma en sentido físico, pero sí psíquico. Me gusta descubrir, a trabajo terminado, de qué quería realmente hablar. Las otras figuras femeninas son chicas de mi familia con las que tengo mucha confianza y con las que trabajo cuando tengo ocasión. Creo que no podría trabajar con modelos porque amo la espontaneidad. Casi nunca parto con una idea fija y cuando sucede, como buena Aries que soy, no tengo tiempo ni ganas de esperar: lo tengo que hacer en seguida.

Blanca mañana, blanca espera (2016)
Atto poetico (2017)

Lo que intento con mi trabajo es desarrollar emociones semejantes a las que se viven cuando nos despertamos de un sueño perturbador. Todos hemos vivido alguna vez esa sensación de haberlo vivido realmente y hemos intentado comprender cómo y por qué hemos llegado a desarrollar ese sueño tan asombroso. Luego nos damos cuenta de que, tras esa creación onírica, se esconden miedos, dificultades, episodios y preocupaciones de nuestro día a día. Como decía antes, no siempre parto de una idea preconcebida, sino que me dejo llevar por el aquí y ahora, realizo fotografías de espacios durante mis viajes, o mías en casa (no tengo un estudio), o de mi hija. Después hago los fotomontajes dejándome llevar por sensaciones. Ahí es cuando me doy cuenta de lo que hay detrás de ellas, el mensaje que hay escondido … es como interpretar un sueño.

The Will to fly (2015)
Il mondo riflesso. Di ricordi e di ombre (2018)

El acto poético, como decía Borges, es absolutamente creativo, de la misma manera que lo es el acto onírico. Ambos actos producen creaciones absolutas que nacen de quien las produce sin interferencia de terceros, es decir, en total libertad. A través del fotomontaje disecciono fotografías y creo imágenes nuevas cargadas de simbolismo y de elementos conturbantes que cada uno puede interpretar basándose en su propio existir.

Malvasia (2017)

De pequeña me divertía jugando a disfrazarme para hacerme fotos “artísticas”. A veces mi hermano pequeño se ponía conmigo y pasábamos la tarde con la cámara, haciéndonos fotos. Hoy para mí en cierto sentido es como volver a la infancia. La fotografía me permite hacer algo que los mayores dejan de hacer normalmente, que es jugar.

VUOTO
SHADOWS I

A nivel artístico, retomé la costumbre de fotografiar hace cinco años. Con la excusa de hacerle fotos a mi hija, que ya andaba, me llevaba la cámara a todos lados y poco a poco empecé a hacérselas a edificios, a los árboles, a todo lo que me llamaba la atención. Descubrí que existía el minimalismo fotográfico gracias a internet y me introduje en grupos de Facebook para aprender y ponerme a prueba.  Me di cuenta de que tenía ojo y seguí aplicándome. De ahí nace mi pasión. Más tarde, descubrí las posibilidades artísticas que existían gracias a la manipulación fotográfica y me puse a estudiar cómo funcionaba Photoshop. En esto soy autodidacta (no tengo tiempo de seguir cursos y por otra parte siempre me ha gustado hacer las cosas por mí misma y a mi ritmo). Una de mis peores pesadillas hoy en día es perder mi cámara. Para mí, la fotografía es una forma de comunicar. Puedo dejar de hablar pero no de fotografiar.

Sogno lucido (2017)
Tempus fugit II 

Tengo varios proyectos, pero como buena andaluza, soy bastante supersticiosa y no me gusta hablar de ellos hasta que los haya realizado.

Terra madre I
Hic et nunc (2018)

 

HELENA PÉREZ GARCÍA Personajes misteriosos y situaciones surrealistas

Helena Pérez García (Sevilla, 1987). Ilustradora, fabuladora de paisajes y estruendos esenciales afincada en Londres desde el año 2012. Estudió Bellas Artes en Sevilla y se licenció en la Facultad de Valencia, donde posteriormente cursó un Máster en Diseño e Ilustración. Es fan de los libros ilustrados desde pequeñita y nos ha explicado que no fue hasta finalizar su último año de carrera cuando descubrió que, con esfuerzo, podría dedicarse a la ilustración. Actualmente su obra se exhibe en galerías de España, Reino Unido, Estados Unidos, Australia, China y Portugal. Ha publicado dos libros: ‘Louna au Musée’ y ‘Bonne Nuit Louna’ (ambos en Francia). Entre sus clientes destacan editoriales como Penguin Random House, Anaya y Santillana. También colabora regularmente con diversas publicaciones.

© Helena Pérez García

Su obra es rica en detalles y colores. A menudo sus personajes están representados en situaciones surrealistas. Incluso nos llega a mostrar el interior de su mente para que conozcamos mejor sus pensamientos y emociones. Se inspira principalmente en el arte prerrenacentista y renacentista, aunque también en otras disciplinas como el cine y la literatura.  Es gran admiradora de Magritte, Chagall, El Bosco, Boticelli, Bruegel, etc.

© Helena Pérez García

La creatividad es un don que todos tenemos y que hay que ejercitar todos los días para desarrollarlo y que salga a la luz.

© Helena Pérez García

 

© Helena Pérez García

Actualmente la ilustración está experimentando un resurgimiento en España, especialmente en el sector del libro, con nuevas y muy cuidadas ediciones ilustradas. Sin embargo, es evidente que la crisis ha afectado a todos los sectores y esto se traduce en menos encargos y en precios más bajos, aunque hay excepciones. No sabría decir cómo será el futuro, pero espero que positivo.

© Helena Pérez García

 

© Helena Pérez García

Pasión y cabezonería son básicos para desarrollar mi trabajo.

© Helena Pérez García

 

© Helena Pérez García

 

© Helena Pérez García

 

© Helena Pérez García

La última película que te ha gustado es … ‘La Librería’ de Isabel Coixet.

Tus ingredientes para un día perfecto son … Sol, buena compañía y un plan inesperado.

 

 

 

Centro de serenidad Entrevista a MARÍA ALCANTARILLA

Con María Alcantarilla nos ha sucedido la agitación. Una suerte de persistente agitación de respuestas que nada tienen que ver con la falsa certeza de los arrogantes. Lo que ella escribe, lo que muestra, lo que expresa y lo que dice tiene mucho más que ver con la autenticidad de quien emerge humilde y libre, a pesar de cierta cotidianidad de inercias que ya nos es demasiado familiar. Y qué bien sienta el hallazgo. Y cómo nos invita a sacudirnos la caspa y la purpurina y la lozana farfolla (que también la hay, y bastante chunga, por cierto). Porque, a veces, cierta ‘familiaridad’ mata, pero no por cercana, sino por repetitiva, laxa, hueca, artificiosa. El arte de María nos devuelve siempre el cambio, es honesto, ‘stendhaliano’ (porque provoca vértigo, sudoración y lágrimas); el tiempo invertido leyéndola, mirando a través de sus fotos, sus imaginadas fobias y estancias, nos compensa como solo lo ha hecho la belleza concreta de las más grandes. Me atrevo a desmentir a su editor, Chus Visor. Me atrevo a contradecirle, sabiendo que me faltan tablas y sabiduría, pero me sobran antenas: María es ya una de las poetas más grandes en lengua española y además supera, con diferencia, a muchos de los hombres poetas de su generación y anteriores.  Y sabemos que no está sola: Elena Medel, Miriam Reyes, Chantal Maillard, Rosalía, Gloria, pero también Ángela Figuera Aymerich, Alfonsa de la Torre, María Teresa Cervantes, Trina Mercader, Margarita Ferreras y tantas otras que escribieron y lograron publicar o no, pero que jamás encontramos en las páginas de nuestros libros de texto. María nos reconcilia con la voz silenciada de aquellas heroínas y, en su particular ámbito de maestría, sabe lo que dice y lo que se hace. Con cada poema, su huella resiste al tiempo que es y que vendrá; con cada fotografía, la retina se guarda un as para cuando vuelva la tormenta. Su inocencia respira a prueba de provocación y de cortes, su edad es lo de menos, la niña que fue supura más allá de pertinentes comas, puntos finales y títulos. Y eso es precisamente lo que la diferencia del resto: María no pretende, pero María nos hace encontrar y cuestionar hasta la suela del piso que nos gobierna por debajo, sin apenas notarlo. En su voz existe profundidad y eco. ¿Quién sabe de dónde le nace? Tal vez de la oscuridad y de la pérdida, tal vez de la nicotina o del desafío de la neurastenia, del exceso de análisis, de la grieta del tiempo. No importa demasiado, pero una cosa es segura: leer a María equivale a entender un poco mejor las claves de la vida. Prueben.

MARÍA ALCANTARILLA.

Como mujer, como poeta, como artista ya consagrada ¿te sientes más cerca de la mirada que observa, del paisaje que se deja observar o del don o látigo que se le presupone a toda persona creativa?

Me siento más cerca de los sentidos que reciben y, sin embargo, me gustaría ir caminando hacia el paisaje que se deja observar. No por el hecho de ser foco de atención sino, más bien, por la tranquilidad subsiguiente que otorga el estar o el existir sin mayores pretensiones.

Un árbol, una roca, el mar. Inmóviles, en parte, pero centros de serenidad, muy lejos de intenciones añadidas, a diferencia de todo lo que nos es propio como humanos.  

Fotografía cortesía de ©María Alcantarilla, perteneciente a la antología visual «La verdad y su doble». Editada por Sonámbulos Ed.

Desde ese ‘estar o existir sin mayores pretensiones’, arraigado en la matriz de la naturaleza, parecen nacer muchos de tus poemas. También se percibe una especie de íntimo ‘deambular cotidiano’ en tus fotografías: existir, estar y al mismo tiempo deambular, como si tu proceso vital y creativo radicase en una búsqueda sin descanso o en un encuentro parcial contigo misma. 

Es muy cierto eso que dices y es curioso cómo, normalmente, somos capaces de vernos con mayor claridad a través de los demás. Como si ellos, los de afuera, te devolvieran ciertas realidades sanas y salvas, aquellas que uno mismo no es capaz de entender o de verbalizar. Incluso, el propio concepto de yo.

Mi proceso vital y, por tanto, también el creativo, radica en una búsqueda constante, en una pregunta diariamente abierta que, me temo, no tiene respuesta alguna más allá del mero proceso de indagación.

Fotografía cortesía de ©María Alcantarilla, perteneciente a la antología visual «La verdad y su doble». Editada por Sonámbulos Ed.

A veces, parece como si nos fuese toda la vida en ese proceso de indagación del que hablas. Cuando escribimos, cuando pintamos, fotografiamos o damos de comer al perro o al gato intervienen remanentes de lo cotidiano que son muy controvertidos o que sencillamente nos es imposible abarcar. ¿Tú cómo te llevas con esa parte de ti o del lenguaje que aún no has podido desvelar o comprender por completo? ¿Tienes algún antídoto contra la frustración de lo no escrito/expresado/sobrevivido?

Ya me gustaría conocer ese antídoto que, por otro lado, me parece el gran Talón de Aquiles con el que la mayoría bregamos. Aunque, por otro lado, a veces me pregunto qué sería de mí sin esa inquietud perpetua. Todo lo que no he vivido, todo lo que no he amado, todo lo que abandoné o todo aquello en lo que me equivoqué de pleno; aquello que echo de menos aunque no lo conozca —y aun conociéndolo—, todo el deseo frustrado o todas esas ganas de ser algo o alguien diferente. Me pregunto si habría podido llegar al punto en que me encuentro sin todo esto. Me temo que no.

La necesidad es tramposa y nos engaña. La frustración nace de ella o de cierta insatisfacción aprendida, familiar o socialmente, cuando lo cierto es que, sin dar demasiadas vueltas, podemos reparar en lo tremendamente afortunados que la mayoría somos. Es curioso, cuando le doy de comer a mis animales —o cuando cuido de mis plantas—, la vida es más sencilla. Como si, de verdad, todo fuese más fácil que este empeño, en la mayoría de casos un tanto inútil, de seguir buscando.

Fotografía cortesía de ©María Alcantarilla, perteneciente a la antología visual «La verdad y su doble». Editada por Sonámbulos Ed.

En la búsqueda, en la pérdida, en la imagen que resta y se instala, en el aprendizaje y sus contrarios, en la belleza que nos transforma desde las entrañas … en todos esos elementos (entre tantos otros), podemos dar con los ingredientes para la construcción de un libro o una obra-símbolo. ¿Cómo te enfrentas tú a ese primer instante en el que se cree intuir la posibilidad de un comienzo? ¿Escribes primero las coordenadas o los fogonazos? ¿Es la disciplina un animal al que también hay que alimentar y dedicar ‘cuidados especiales’? 

En general soy bastante caótica y suelo moverme por intuiciones. Prefiero abocetarlo todo y, una vez que la forma se hace relativamente visible, comenzar a perfilarla. Tanto en la fotografía como en las letras. Lo de ser disciplinada en una asignatura pendiente. Aunque, en realidad, tampoco sé si la disciplina es necesaria. Creo, en todo caso, que cada cual debe buscar su manera de estar en el mundo y de enriquecerlo. Sea día a día o a través de movimientos alternos.

Fotografía cortesía de ©María Alcantarilla, perteneciente a la antología visual «La verdad y su doble». Editada por Sonámbulos Ed.

Hablando de ‘maneras de estar en el mundo’… ¿cómo te llevas con el actual? La ansiedad, la abulia, la incertidumbre, la competitividad o el hartazgo parecen tomar el control sobre muchos de nuestros conocidos. Por otra parte, la rebeldía -dicen- se desvirtúa interesadamente cada día. ¿Percibes la presencia de esas ‘corrientes epidémicas’ a tu alrededor? ¿Crees que la poesía, la fotografía, el arte en general deben ejercer un rol determinante a la hora de desperezar y proponer alternativas al desorden establecido?

Sinceramente, estoy en un intento continuo de reconciliación con el mundo —al menos con el que me rodea—. Más que la ansiedad, la competitividad o la incertidumbre a la que has hecho referencia, lo que me parece más gravoso es la abulia y el desinterés general por todo —aunque, paradójicamente, muchos y muchas vendan su compromiso como una suerte de estar salvífico, sin precedentes—. No creo en el compromiso con la humanidad cuando ni siquiera existe el compromiso con uno mismo, con las personas con las que convivimos a diario. Somos especialistas en mentirnos, en seguir buscando afuera lo que nos negamos a ver dentro. Es decir, ¿a qué ese empeño en la defensa de “grandes causas” cuando ni siquiera somos capaces de ponerle nombre a un sentimiento propio, cuando ni siquiera somos capaces de decir lo que realmente pensamos? Es como querer construir una casa desde el tejado.

La función social (en sentido puramente teatral) me parece la misma desde hace siglos: una fiesta de máscaras en la que todo el mundo parece sentirse cómodo, interaccionar, bailar muy juntos pero la realidad es que nadie se conoce y, lo que es peor, muy pocos abandonan el salón y dicen: ¡basta!

Fotografía cortesía de ©María Alcantarilla, perteneciente a la antología visual «La verdad y su doble». Editada por Sonámbulos Ed.

Entonces, en esta fiesta de presentables máscaras, donde nadie en realidad conoce a nadie … ¿’abandonamos el salón’ para escribir, para vivir el espejismo de la lucidez, para dar de comer a los animales y condimentar el guiso, para des(a)nudarnos o … escribimos porque es nuestra manera de decir ‘basta’?

Creo que la escritura —y cualquier manifestación artística— tiene dos objetivos que pueden parecer muy difusos: dejar constancia de una época y rebelarse contra la mascarada, sí. El silencio que requiere el acto creativo cada día me parece más subversivo. Estar a solas con uno mismo y escucharse —no oírse, escucharse— debería ser el principio y terminamos por colocarlo a la cola de todo. Es necesario ese “¡basta!” en soledad para poder formularlo con coherencia en sociedad, donde todo suele volverse más difuso.

Fotografía cortesía de ©María Alcantarilla, perteneciente a la antología visual «La verdad y su doble». Editada por Sonámbulos Ed.

‘La edad de la ignorancia’ es el título de tu libro, galardonado en 2017 con uno de los premios de poesía más prestigiosos de este país, el ‘Hermanos Argensola’. ¿Es la infancia ese ‘nudo gordiano’ que a la sobrevalorada ‘madurez’ le cuesta toda una vida desenredar? ¿Cómo hacer para salir indemnes de nuestra propia insignificancia, de nuestra limitada capacidad para comprender y abarcar las claves que se nos presentan a lo largo del camino? 

Creo que la infancia está en todo lo que somos como adultos y que, por tanto, a la infancia hay que volver o, en la medida de lo posible, no relegarla a ese segundo puesto donde la solemos ubicar.

En realidad, lo adulto no existe. Es otra de esas ficciones mediante la cual se nos reconduce desde niños: en un primer momento, observada con admiración y, más tarde, con cierto tedio. No creo que el niño se haga adulto, creo que el niño crece y, si está sano, aprende que hay muchas maneras de estar en el mundo, no necesariamente más serias, no necesariamente más calladas y no necesariamente más aburridas. El niño que ha crecido y está sano es sólo un hombre más alto que mira hacia el cielo con la misma lejanía con la que lo observa el niño más bajo. Y también, con la misma admiración.

En cuanto a las claves para salir indemnes de esa insignificancia a la que te refieres, creo que la risa es importante. No la que se queda en el gesto, sino la que viene de la barriga y nos arruga los ojos y las camisas tan bien planchadas.

Todos conocemos a algún amigo o amiga poeta, actriz, directora de cine o de teatro, pintora, artista visual que en estos últimos años ha estado sobreviviendo ‘gracias’ a un trabajo paralelo precario o subsidio de apenas cuatrocientos euros al mes. Los hay que ni eso, pero incluso en esas circunstancias adversas han seguido creando y de alguna forma generando reflejos de la realidad que les ha tocado vivir. Esos reflejos no suelen ser complacientes. ¿Es la complacencia el enemigo principal de cualquier artista, María? 

Es curioso cómo la falta de recursos agudiza el ingenio. Cuando todo se vuelve relativamente cómodo, las ideas, las buenas ideas, también se acomodan, se vuelven laxas y lo que antes era una búsqueda constante o un hallazgo, ahora ya no tiene el mismo sentido o la misma hondura. La tensión es necesaria, mantiene nuestro esqueleto mental en forma.

Fotografía cortesía de ©María Alcantarilla, perteneciente a la antología visual «La verdad y su doble». Editada por Sonámbulos Ed.

Cuando hablábamos de ‘crisis’, yo también pensaba en las crisis personales, en las más íntimas, las que atañen a uno mismo y a su rol dentro del mundo que hemos creado o destruido. Tal vez me equivoco, pero encuentro que los ‘mejores’ libros de poesía, las mejores películas, interpretaciones o fotografías casi siempre surgen de un proceso doloroso o al menos difícil de desentrañar. ¿Estás de acuerdo?

Este tema lo he tratado mucho con mis alumnos, por ejemplo. ¿Se crea más y mejor desde el dolor o desde la alegría? En mi caso particular, la alegría me llama a vivir. Sin más. El proceso sucede de fuera hacia dentro, sin grandes digestiones. Por eso los momentos en los que surgen ciertas ideas dignas no suelen ser fáciles, a nivel vital. Es un asunto muy personal, creo. ¿Eros o Tánatos?

Fotografía cortesía de ©María Alcantarilla, perteneciente a la antología visual «La verdad y su doble». Editada por Sonámbulos Ed.

Más allá del contexto geográfico, España nunca ha brillado por haber sido país que cuide a sus creadores. ¿No crees que los ciclos económicos, sociales, políticos más controvertidos son también ‘generadores colaterales’ de cultura?

Claro que sí.

Íntimamente creo que actuamos, crecemos, tomamos decisiones o creamos mediante dos mecanismos: por afirmación o por negación. Si atendemos a las dinámicas sociales, suelen llevarnos, más bien, a la segunda opción: planteamos maneras distintas de ver el mundo, de concebirlo y, por esta lógica, de interpretarlo negando sus mecanismos o sus engranajes. El arte como propuesta que mira hacia el futuro desde el interior de cada individuo. El arte como motor para crecer y para cambiar ciertas sinergias. Empezando por cada uno de nosotros. Por el individuo que está de lleno en la obra.

Fotografía cortesía de ©María Alcantarilla, perteneciente a la antología visual «La verdad y su doble». Editada por Sonámbulos Ed.

María, para terminar, ¿puedes contarnos un poco en qué andas ahora? ¿Tienes algún proyecto, libro, aventura ya en el fuego o de cara al futuro, sobre el que te gustaría darnos alguna pista? 

Pues acabo de terminar nuevo poemario y nueva novela y me gustaría encontrar un poco de tiempo para perfilar un proyecto fotográfico que me hace especial ilusión. Todo llegará, no me cabe duda. Lo que sí es importante, creo, es mantenerme alerta. Como observadora y como ser humano que aporta, no solo contenido, sino emocionalidad.

©Txetxu González para THALAMUS MAGAZINE.

MARINA HO La reinvención de la oscuridad

Edición:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/París. 12/03/2018.

Marina Ho nace en 1979, pero esperará veintiocho años para despegar y consolidar su segundo nacimiento. Este estallido artístico, a través de la constante mutación y exploración, es el resultado de un viaje espiritual. Viniendo de una familia donde los libros y el arte siempre estuvieron presentes, ella trae consigo un bagaje multicultural que culminará más adelante con un íntimo y heurístico periplo. Marina tiende a la representación de figuras carnosas, cuerpos de voluntad interrogante, evocaciones solemnes y, al mismo tiempo, libres de cualquier sospecha de fingimiento o forzada sofistificación. Su trabajo nos conecta con una suerte de reencuentro interior necesario, nos interpela desde el magma hasta la corteza e invita a los sentidos numerables a un devenir abundante, sutil, insospechado. En THALAMUS estamos —una vez más— de celebración por poder contar con su genialidad. No nos hubiéramos perdonado inaugurar este rompehielos sin ella, amiga y referencia de tantos años y en tantas bregas. Los fantasmas de nuestro ‘primer número’ ya pueden descansar tranquilos.

 

Marina Ho en acción.
El color negro está asociado a la nada, a la profundidad, a los abismos. La oscuridad puede parecer inquietante para muchos, pero es al sumergirse en ella que descubrimos la inmensidad de los caminos que conducen a la luz. Ejercer esa suerte de introspección es fundamental. Para mí es sinónimo de la imagen que encarna la alegoría de la caverna de Platón, es ese camino de la ignorancia al conocimiento, de la desesperanza a la esperanza. A nivel personal, representa mi profundidad, mi intimidad, mis heridas, mi experiencia.

 

Imagen cortesía de ©Marina Ho.
Lo que mantiene mi creatividad viva y en funcionamiento es el desenlace, la conciencia, el conocimiento, la asunción de que nada es eterno ni adquirido porque cada momento es efímero. Crear para no morir.
Imagen cortesía de ©Marina Ho.
Lo que siento, lo que trato de expresar mientras trabajo son las emociones con las que convivo, pasando a menudo de la melancolía a cierto optimismo con respecto al futuro, buscando el momento de gracia, la poesía, los desconciertos que me son valiosos. Lo que realmente define mi trabajo es ese intento por expresar el momento fugaz que existe entre una emoción y otra, la inconstancia, lo escurridizo. Eso, y crear un ruptura en el tiempo.
Imagen cortesía de ©Marina Ho.
Como mujer, obviamente, lucho por la igualdad en el mundo del arte, pero tengo el privilegio de no experimentar ninguna discriminación en las galerías parisinas que me representan.
Imagen cortesía de ©Marina Ho.

Mi ‘vida ideal’ es la que ya vivo. Intento satisfacerme todos los días a pesar de mis exigencias.

Imagen cortesía de ©Marina Ho.

 

¿Proyectos futuros? Exponer en Japón, un país al que dedico un enorme interés en el campo artístico. También me gustaría exponer en Vietnam, mi país de origen, en Nueva York, así como mostrar mi trabajo en más países europeos. Por supuesto, también aspiro a seguir exponiendo en París con Beatrice Soulié y Jean Marie FELLI.

Imagen cortesía de ©Marina Ho.
Me gusta mucho el drama que contiene el Réquiem de Mozart, al que encuentro tanta profundidad como gracia.
Imagen cortesía de ©Marina Ho.
Esos personajes, figuras solitarias que aparecen en mis obras expresan lo resbaladizo, lo inasible, los sentimientos más humanos. Esos mismos sentimientos están presentes en mi trabajo y, a la vez, son mi principal fuente de inspiración. A través de los retratos, trato de revelar las sutilezas de los diferentes estados de ánimo.

 

Imagen cortesía de ©Marina Ho.

 

Aquí os dejamos ‘CHARCOAL FILM’, un pequeño film dirigido y realizado por Boris Beynet / Idbrandfilm.com sobre Marina, su obra y su proceso creativo. Deléitense:

©Txetxu González para THALAMUS MAGAZINE.

UINVERSO Priscila y Nadiuska Furtado

UINVERSO es el proyecto creado en el año 2013 por Priscila Furtado y su hermana gemela, Nadiuska. Trabajan juntas la ilustración y la cerámica. Ambas tienen experiencia en el diseño editorial y gráfico y cursaron estudios en diseño multidisciplinar. En THALAMUS decidimos incluir su trabajo por su capacidad para abastecer la mirada de imágenes que, en ocasiones, pareciera que pertenecen a otro tiempo. En su obra existen y surgen multitud de gestos, aperturas que nos interpelan. De repente nos invitan a llenarnos las manos de barro, a redecorar el vacío, a regresar a la raíz y a disfrutar del ahora y de Bowie.

©UINVERSO.

La ilustración es la forma en que nos sentimos más libres para expresar una idea, para decir cosas que de otra manera no podríamos decir o para transmitir distintos conceptos a la vez, siempre en función del ojo que mira. Para conseguir esto recurrimos a formas simples.

Priscila y Nadiuska Furtado son ©UINVERSO.

 

©UINVERSO.

Principalmente, lo que intentamos es crear nuestro propio lenguaje, exponer nuestras ideas desde el silencio, con la mínima pérdida de información en el proceso.

 

 

 

©UINVERSO.

 

Cerámica de ©UINVERSO.

¿Artistas que nos inspiran o hayan inspirado? Realmente es difícil elegir uno. Cada día descubrimos creadores asombrosos, pero es verdad que hay dos que nos encantan desde siempre: Lina Bo Bardi, por la forma en que se acercó a la arquitectura y el diseño en Brasil y … por otra parte, el increíble uso del color de Van Gogh para mostrar una perspectiva tan intensa y única. Te hace pensar: ¡QUIERO HACER ESTO!

 

Una de las cerámicas de ©UINVERSO.

Para nosotras, un día perfecto sería el que nos diera la oportunidad de explorar un lugar desconocido.

 

©UINVERSO.

Si hoy tuviéramos que recomendar una canción a alguien esa sería ‘Heroes’ de David Bowie.

©UINVERSO.

La creatividad no es ni un don ni un látigo, es un regalo.

 

©Leticia Delgado para THALAMUS MAGAZINE.

SOCATOBA La explosión de la libertad plena

Sonia Carballo (Socatoba). Nace en Badajoz, en 1979. Es licenciada en Bellas Artes por la Facultad de Sevilla. Ha expuesto en diferentes países, entre los cuales destacan Japón, México, China y Alemania. Recientemente fue galardonada con el accésit ‘Algemesí Valencia’ y reconocida por ‘ARTEINFORMADO’ (Espacio iberoamericano del arte) por ser una de las quince artistas a seguir en el 2018. Vive y trabaja en Barcelona. Pero todos estos datos son —me atrevo a afirmar— irrelevantes, porque lo importante es que ella ha revuelto y continuará revolviendo las entrañas de medio mundo. Irradia. Arrebata. Doblega. Regala. Sobrepasa. Es una artista total. Más adjetivos para describir su obra y su personalidad resultan inútiles. ¿Para qué escribir sobre la belleza que trasciende incluso a los ojos que la observan?

Me encuentro frente a la sección de ‘Arte’ de una conocida librería madrileña. Me es imposible dar con el libro que no busco. Ni siquiera sé si quiero encontrar algo. Tengo hambre y he prometido a mi sobrino de siete años —que no para de trastear en la sección de ciencia ficción— que en cuanto terminemos allí, la próxima parada será en cierto café al que solemos ser fieles los domingos. Todo sea por la tarta de chocolate que dispensan. No paro de quitarle ojo a Adriano mientras miro libros que no me dicen nada. Se mea. Le pregunto si se mea y me dice que no, pero yo sé que se mea. El hecho de que esté de rodillas en el suelo con esa sonrisa de ‘me gustaría liarla y todavía no sé cómo’ ya es un síntoma. Conozco esas poses. A mí también me pasa: cuando la ansiedad empieza a flirtear de la manera más chunga con mi respiración, con mi cuerpo, la gusa que me entra suele ser fina. Las ganas de mear también. Estoy escribiendo esto y tengo ganas de mear. Deben saberlo. No es información baladí. Y no voy a mear porque no quiero levantarme de la silla, aunque me explote la puta vejiga. Solamente quiero seguir escribiendo. Estoy ansioso. Quiero dar con lo que no busco y además, en este caso, sé que quiero encontrar algo. Tal vez, al menos, las palabras justas, las palabras adecuadas, el hilo robado que evite la posibilidad de cagarla. De pronto, cuando todo parece perdido, Déborah me pone en las manos un libro tamaño XXL sobre la obra de Francisco de Goya. Salta el chispazo. Cuando veáis algunas de las obras de Sonia, lo entenderéis, aunque ella misma se encargue, siempre que tiene oportunidad, de cortar de raíz cualquier atisbo de comparación con otros artistas: ‘Nunca he seguido la estela de nadie a la hora de desarrollar mi trabajo. Todos tenemos influencias, claro. Es inevitable. Pero ponerse un espejo delante es algo que cuesta mucho hacer. El ser interno que va más allá de la conciencia … cuando trabajas de esa manera no hay límites’. ¿Hija putativa del modernismo español? Mucho, muchísimo más que eso, créanme. Socatoba es un animal creativo cuya capacidad nos sacude los sentidos para purificarlos a través de los límites que, como humanos, somos incapaces de percibir o dar nombre. Pintura, dibujo, fotografía … cualquier ‘indisciplina’ es para ella una herramienta válida a la hora de dar fondo y forma a su obra. En sus cuadros, los contrarios se buscan y entrelazan, los enemigos no existen. Al mismo tiempo, sus mil y una formas de denunciar lo abyecto de la condición humana nos invitan a una reflexión necesaria sobre cómo nos sentimos, sobre qué rol jugamos en la partida (de antemano perdida) de las inercias cotidianas. La belleza y sus detractores se funden en figuras que el ‘envoltorio’ supura, todo para dejar emerger, en cada una de sus piezas, la posibilidad de una nueva trascendencia.

Después de varias semanas mareando la perdiz, intercambiando mensajes, conversaciones de chat, mails, fotografías, discusiones apasionantes entre horas … este es el pequeño homenaje que, desde Thalamus, queremos hacerle a Sonia Carballo ‘Socatoba’, mujer, fantasma, artista humilde, total e indócil que vuela sin marcas de motor, contracorriente y sin casarse con nadie. Es un auténtico placer tenerla cerca.

¿Recuerdas tu primera experiencia ‘desesperada’ con la pintura? ¿Cómo sucedió? ¿Qué supuso para ti?

No la llamaría desesperada, pero sí bastante incómoda. Me sucedió en un concurso de pintura rápida de mi ciudad, cuando todavía era jovencilla. Nos presentamos varias amigas. Consistía en pintar un cuadro durante un día en un lugar indicado. Al acabar el día, el jurado decidía los premiados. Antes, los miembros se iban paseando, observando a los concursantes. En un momento dado, se pararon donde nos encontrábamos nosotras pintando. La situación se produjo cuando el crítico de arte (parte del jurado y único crítico conocido de la ciudad) se puso a hablar sobre las obras de mis compañeras con el resto de representantes del jurado, dando literalmente la espalda no solo a mi trabajo sino también a mi persona. Sentí una sensación bastante fea, la verdad. En aquel momento era joven y tenía muchas inseguridades con respecto a mi obra. Si ahora me ocurriera lo mismo me daría bastante igual. El tema es que, ese mismo crítico, al que me encontré varios años después en otros eventos culturales, aún me llamaba con otro nombre. Me pareció increíble, pero al menos lo que me produjo esa situación, después de tanto tiempo, fue una gran carcajada. Anécdotas de estas tengo bastantes, como ya os podréis imaginar, pero insisto: para llamarlas ‘desesperadas’ tampoco.

Hablas de las inseguridades que sentías con respecto a tu obra cuando eras más joven. ¿Cuál es tu relación con la inseguridad a día de hoy?

A día de hoy, casi desapareció. Cuando eres consciente de que la inseguridad es una ‘autodevaluación’ subjetiva y arbitraria de tu propia capacidad, normalmente de tendencia negativa y que no sirve para nada, solo para inmovilizarte … la vas dejando atrás. Darte cuenta de que tienes que cambiar la inseguridad por seguridad, seguridad porque eres fiel a lo que sientes, a lo que haces, a ti misma. Si tú estas segura de ti misma lo que proyectarás justamente será seguridad.

©SOCATOBA.

Tu obra está repleta de evocaciones diversas, complementarias y al mismo tiempo enfrentadas: la ascensión y el derrumbamiento, la destrucción, la figura de la madre, la búsqueda o la ausencia de identidad, los polos opuestos, la denuncia. ¿Existe contradicción o pura necesidad en la materialización de todas estas evocaciones?

Partiendo de que la base de mi trabajo se fundamenta en la necesidad de expresión de hechos y situaciones que ocurren a mi alrededor, en el mundo o en mi propia vida, es normal que todas estas evocaciones aparezcan en ella, por pura contradicción, necesidad de materialización o simplemente porque tengo plena libertad de hacer lo que me venga en gana.

¿Crees que esa libertad es real? A veces, nos da la sensación de que lo que ‘elegimos’ hacer o decir con lo que pintamos, escribimos, representamos o esculpimos está DEMASIADO condicionado por lo que tenemos alrededor, que el concepto de libertad se ha violentado tanto que al final hemos perdido control sobre nuestras necesidades reales,  cediendo espacio y tiempo a los intereses o exigencias de la sociedad de consumo.

Sí, creo que esa libertad es real. Estar condicionados como personas que vivimos dentro de una sociedad sea de consumo o no es estar en parte condicionada por ella, en algún que otro aspecto. Lo necesario es darnos cuenta de ello y tener claro si queremos o no estar en ese estado.

©SOCATOBA.

¿Qué marco le pondrías a un espejo resquebrajado y antiguo? ¿Qué barniz utilizarías para ‘proteger’ tu propio autorretrato? ¿Brillante, satinado o mate?

Depende de lo que me transmita el espejo, si tiene necesidad de ser enmarcado lo enmarcaría con un marco antiguo y con historia como él, y si me transmite que no tiene la necesidad de ser enmarcado, no lo enmarcaría. Mate, para que no se refleje nada en él.

©SOCATOBA.

Define a aquellos que se empeñan en definir tus obras.

Pues en este mundo es normal que todos intentemos definir las cosas, las situaciones o las personas. La verdad es que me siento incapaz de definir a las personas que se empeñan en definir mis obras. Creo que simplemente el empeño de querer definir tiene que ser libre, pero si lo haces desde el conocimiento, la definición sería mucho más acertada.

Goya, Dalí, Susan Sontag, Alejandra Pizarnik, Francis Bacon … ¿con quién te irías a tomar un vermut o cuatro? ¿Cón quién a pasar todos los puentes de todos los santos a orillas del lago Walden?

Me iría con todos para poder conocerlos en persona. Una vez con ellos, vería si tomarme uno (por educación) y … me tomaría cuatro con los que me hicieran sentir más a gusto. Hasta conocerlos, imposible decidir con quién pasaría todos los puentes de todos los santos. Pero bueno, si invitan ellos ¿por qué no? ¡Está muy bien vivir experiencias nuevas con gente que no conoces!

©SOCATOBA..

Dentro de diez o quince años una galería de arte será un lugar …

Difícil predecir el futuro. Por ahora no tengo esa capacidad.

Sí me gustaría que siguieran existiendo las galerías que trabajan con artistas que necesitan empuje y apoyo, ayudando a darles voz y mostrando su obra en otros países, en ferias … y que tengan coleccionistas que no solo compren trabajo de gente ya consolidada.

España es ese lugar del mundo en el que la gente, por lo general, todavía pide permiso para entrar a una galería de arte. Es una realidad que no se da en la mayoría de países de nuestro entorno. ¿A qué crees que se debe? Y ya que mencionas la figura del coleccionista de arte, ¿qué crees que haría falta para que se comenzara a implantar una cultura de adquisición de obras sostenible y al alcance de todos?

La verdad es que no creo que solo ocurra en España. Que aquí todavía siga existiendo ese pensamiento del arte como algo elitista, puede ser, pero creo que ya está más que superado. Igual pienso que, en parte, muchas de las galerías crean justamente ese ‘halo’ porque solo les interesa el público que directamente sea un posible comprador, coleccionista …  A veces ni a mí me dan ganas de entrar. Por otra parte, no creo que se tenga que implantar una cultura de adquisición de obras sostenible y al alcance de todos porque ya existe.
 No todos los artistas movemos precios desorbitados, dentro de mundo del arte hay muchos artistas y muchos precios, de los cuales todos nos podemos permitir comprar. El tema es que la gente no está acostumbrada, al menos en este país, a comprar arte.

En cualquier caso, esta pregunta da mucho juego, porque de paso podríamos hablar otra vez de la precariedad laboral de los creadores, del poco apoyo por parte del gobierno, del porcentaje que se llevan las galerías (que ya casi todas, por no decir todas, se llevan un 50% de la venta), el IVA al 21 %, que incluso trabajando con galerías (si es que tienes la suerte de que te lleve alguna) no te aseguran ventas … ¿creéis que la gente esta informada sobre todo esto?

¿A quién dedicarías el último cuadro, la última performance, la última fotografía de tu vida?

A mí misma.

Algunas artistas eluden responder preguntas relacionadas con la política. ¿Eres tú una de esas artistas?

NO, aunque sinceramente hablar de política me pone bastante nerviosa. Hay personas que se vuelven muy radicales cuando hablan de este tema. Creo que sería más sano e inteligente si tuviéramos la capacidad de poder hablar de política de una manera más tranquila, escuchando opiniones diferentes sin llegar al nivel del odio y la confrontación exagerada.

¿Qué opinas sobre la posibilidad de implantar una renta básica para artistas y creadores? ¿Estarías a favor o en contra?

A favor de la renta básica, evidentemente. Leí hace poco en un texto sobre renta básica para creadores lo siguiente: «Lo importante no es, como dijo Joseph Beuys, eso de que ‘todo ser humano es un artista’ sino garantizar que cualquier persona que decida ser artista pueda efectivamente serlo». Una gran verdad. No vivir bajo la precariedad laboral, ya que la mayoría de las profesionales de estos sectores vivimos de otros trabajos para poder compensar los que no recibimos como creadores. Y si ya entráramos en el tema del género …

¿No crees que posicionarse a favor de la renta básica para artistas y creadores es también una manera de posicionarse políticamente?

Pues sí. El gobierno no está haciendo nada por la cultura … a parte de recortar. Lo que me pregunto es cuál de los partidos políticos sería el indicado para que la renta básica para creadores fuera una realidad y no un discurso para ganar los votos de los que nos dedicamos a esto. Evidentemente quieren borregos. Son más fáciles de manejar. Rollo rebaño. Somos así de tontos.

©SOCATOBA.

En una hipotética carrera de fondo en la que te ves obligada a participar … Rajoy te adelanta por la derecha con ese peculiarísimo estilo al andar que le caracteriza. Justo en ese instante, caes en la cuenta de que se le van cayendo sendos hilillos de plastilina negra (o chapapote) por la nariz y la boca. Tu reacción ante semejante cuadro es: a) parar de correr y empezar a descojonarte en su cara; b) hacerle la zancadilla; c) sacarle una foto con el móvil para, en un momento futuro, poder pintar la escena; d) pasar de su coño corrupto.

Me tendría que ver en la situación y la verdad es que no me veo para nada, aunque creo que por mi manera de ser y siendo artista … pintaría la escena y creo que podríais imaginar cómo sería … BOOM! Hace unos años dibujé al rey Juan Carlos para la revista Vice. Nos pidieron a varios artistas una interpretación sobre su persona. La verdad es que me quedé bastante ancha …

‘NUESTRO REY’ de ©SOCATOBA para la revista VICE.

 ¿Qué criaturas deambulan por tus Inner Landscapes?

Criaturas zoomorfas que actúan con plena libertad dentro de paisajes oníricos … otra manera de trabajar sobre la creación de nuevos paraísos. 

©SOCATOBA.

La canción de tu vida o de tu principio del nuevo año es …

‘I won’t complain’ de Benjamin Clementine.

©SOCATOBA.

¿En qué andas enfangada ahora mismo? ¿Algún proyecto, exposición, ensoñación o ida de pinza que desees compartir con nosotros?

Sigo trabajando en la serie ‘The End of Nature’ (entre otras que sigo ampliando y creando), cerrando varias exposiciones en Barcelona, una colectiva para el 15 de Febrero y otra individual para el 22 de marzo, donde expondré por primera vez la serie completa ’49 Maneras de Dibujar a una madre’, a punto de comenzar un proyecto mural privado. ¡Os iré informando!

Ensoñaciones tengo muchísimas e idas de pinza también, pero creo que no las voy a compartir. Bueno, solo una ensoñación que sé que se convertirá en realidad: poder vivir plenamente de mi trabajo artístico y tener un taller enorme (fábrica antigua, a poder ser) y volverme loca trabajando dentro de ella.

SOCATOBA estará expuesta en CAGE (Cortines 23, Born, Barcelona, 08003) del 22 de Marzo al 11 de Mayo de 2018. Vernissage: 22 de Marzo a las 19.30. 

©Txetxu González para THALAMUS MAGAZINE.

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