REVISTA DE ARTE CONTRA LA CORDURA

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MERCEDES HELNWEIN Something fishy about the mundane

Edición:
Txetxu González
Traducción:
Antonio Acosta
Corrección inglesa: Gina Rosemellia
thalamusxmagazine@gmail.com
Madrid/Los Ángeles. 17/03/2019.


MERCEDES HELNWEIN

Mercedes Helnwein was born in Vienna, Austria. She moved to Ireland with her family in her teens, where she spent her time writing and drawing. Consciously choosing not to attend art schools, Helnwein developed a distinct visual style that remained fully untouched by outside opinions, peers or fads.  Instead she drew her inspiration from personal influences,  ranging from Southern Gothic traditions to the cartoons of Robert Crumb, nineteenth Century Russian literature, American motel culture and the Delta blues, amongst others.

Her first art shows were self-instigated, unorthodox one-night events in Los Angeles often with one or two other inexperienced young artists, most commonly photographer Alex Prager.  Sponsored by various alcoholic beverage companies, magazines, and unlikely supporters such as Land Rover, these shows generated a surprisingly genuine response and enabled Helnwein to continue developing her ideas, styles and experimenting with her interests and themes.  She exhibited regularly in Los Angeles during this period at the Merry Karnowsky Gallery, as well as in Europe, steadily garnering interest and collectors, amongst them Damien Hirst, who bought out a London show.

Her novel “The Potential Hazards of Hester Day” was published by Simon & Schuster in 2008, and in French by La Belle Colére in 2014 as “La Ballade d’Hester Day”.  Her second novel is in the process of being edited.

Mercedes Helnwein currently lives and works in downtown Los Angeles and Ireland.

Mercedes Helnwein nació en Viena, Austria. En su adolescencia se mudó a Irlanda con su familia, donde pasaba el tiempo escribiendo y dibujando. Eligiendo de manera consciente no asistir a escuelas de arte, Helnwein desarrolló entonces un estilo visual distintivo que permaneció totalmente al margen de opiniones externas, compañeros o modas. En lugar de esto, ella encontró inspiración en sus propias influencias personales, que abarcan desde la tradición sureña y gótica de los dibujos animados de Robert Crumb, la literatura rusa del siglo diecinueve, la cultura de motel norteamericana y el Delta blues, entre otros.

Sus primeros espectáculos artísticos fueron promovidos por ella misma, eventos de una noche y poco ortodoxos en Los Ángeles, con uno o otros dos artistas jóvenes inexpertos, muy frecuentemente con el fotógrafo Alex Prager. Apoyados por varias compañías de bebidas alcohólicas, revistas y patrocinadores atípicos como Land Rover, estos espectáculos generaron una respuesta sorprendentemente genuina y permitieron a Helnwein continuar desarrollando sus ideas, estilos y experimentando con sus intereses y temáticas. Durante este mismo período, Mercedes expuso regularmente en Los Ángeles en la Galería Merry Karnowsky, así como en Europa, ganando constantemente interés y coleccionistas, entre ellos Damien Hirst, quien compró un espectáculo en Londres.

Su novela “The Potential Hazards of Hester Day” fue publicada por Simon & Schuster en 2008, y en francés por La Belle Colere en 2014 como «La Ballade d’Hester Day”. Su segunda novela está en proceso de edición.

Mercedes Helnwein actualmente vive y trabaja en  Los Ángeles e Irlanda.

‘ANNOYED GIRL’ by MERCEDES HELNWEIN.

Beauty is a must, if it is flawed enough. You gotta have darkness, although in theme more than necessarily literal darkness of tone.  And preferably you balance it with humor. And as for color, I’ve slowly gained the courage over the last few years to actually use all the crazy colors that I initially stayed away from.  I’ve progressed from relatively monochrome imagery (grays, blues, greens) to full on everything   –yellow, pink, neon green– you name it.  It really did take me a long time feel okay with that kind of loud color –scheme though– and to figure out how to retain the darkness with bright colors.

La belleza es una obligación, si es lo suficientemente imperfecta. Debes tener oscuridad, si bien en el tema más que necesariamente en el tono. Y preferiblemente lo equilibras con humor. Y en cuanto al color, he ganado confianza poco a poco durante los últimos años para, en efecto, usar todos los colores alocados de los que me alejaba al principio. He evolucionado desde diseños prácticamente monocromos (grises, azules, verdes) hasta llenos de colores -amarillo, rosa, verde neón- por mencionar algunos. Realmente me costó un tiempo sentirme a gusto con este tipo de paleta de colores tan llamativa y entender cómo contener la oscuridad con colores brillantes.

‘PROM KIDS’ by MERCEDES HELNWEIN.

Everything in my work is based on the potentiality of a story.  I’m always an audience member when it comes to my own work. I have to be entertained by the promise of a story, or I’m not interested. I don’t need to know all the details of the story –it doesn’t need to hit me over the head– but I want an image to be an entrance point to something.  A rabbit hole. 

I love the idea that there’s something fishy about the mundane. A lot of the reference material I gravitate to are really normal American family or school scenes, borderline boring moments of uneventful life.  The challenge then is to make it work, and bring across the idea that although technically nothing is off in the scene, everything is potentially totally off.

I’m a Stephen King fan for a reason –he’s the best at putting you in innocuous settings– normal people, normal lives, normal towns, and then making everything go slowly weird. 

Todo en mi obra artística está basado en el potencial de una historia. Soy siempre una espectadora cuando se trata de mi propio trabajo. Tengo que estar entretenida por la promesa de una historia, o no estoy interesada. No necesito conocer todos los detalles de esa historia, no necesita pegarme en la cabeza, pero quiero una imagen que sea la puerta de entrada hacia algo. Una madriguera.

Me encanta la idea de que haya algo sospechoso sobre lo mundano. Gran parte del material de referencia por el que me siento atraída está compuesto por familias americanas normales o escenas escolares, al borde de momentos aburridos de vida sin contratiempos. El reto entonces es hacer que funcione y transmitir la idea de que aunque técnicamente nada está fuera de la escena, todo lo está potencialmente.

Soy fan de Stephen King por una razón, él es el mejor situándote en escenarios anodinos, gente normal, vidas normales, ciudades normales y, entonces, hacer que todo se vuelva raro paulatinamente.

‘LITTLE MONSTER’ by MERCEDES HELNWEIN.

I’ve never thought of myself as a «woman artist».  I was lucky enough to have grown up in an atmosphere where gender was irrelevant.  I have three brothers, and there was never any kind of difference between how they were encouraged or I was. Our parents fully supported whatever we wanted to do in life, and even as a young artist and as an adult, I’ve been lucky in not having run into any sexist hurdles in the world.  This good luck let me develop artistically very freely, with zero attention on what gender I am and what this means in terms of my art. 

I know it’s not the same for many women out there. I know there are plenty of challenges for girls and women who are trying to have a career, so it’s good to see that things are changing.

As far as the art market is concerned: I don’t think it has very much to do with art in the fist place, so it would be disappointing if you tried to play that game or interact with the art market, expecting it to be actually hinged on art. It seems to have more of a stock-market vibe and is controlled by people who are not artists. And although there is definitely some great art to be found at the top and some amazing passionate people, the majority of the choices are pretty random at best.  It’s just what it is, you have to see it as such, and it’s fine. 

There’s always the question of what is art?  Is art Rembrandt?  Yes for sure, but then is it also a bench in a gallery turned upside down?  Why?  What makes that bench a work of art?  Especially after we’ve already had decades of benches turned upside down and rocks piled into a corner, so that the theory of any of that being outrageous or groundbreaking is mute.  So what is it? 

It’s confusing, and most people don’t have time to play mind-tricks with themselves in order to understand why a tire on a wall at Art Basel is art.  It’s like weird homework that reaps no rewards.  Why put yourself through that if you’re not being paid for it or something?  And I think that’s a major failure on the part of the “art”.  I’m not saying art should be catered explicitly to the masses like a Youtube video about cats doing funny stuff, but I do think it should be a tad more potent generally speaking, enough to have the power to cause impact beyond the small stock-market confines of the art world.  Enough to stop someone on the street –someone who doesn’t care about art– and outrage them, challenge them, transport them, make them think, feel, react, shift into new viewpoints, cry, laugh.  Or no?

Nunca pensé en mí como una “mujer artista”. He tenido la fortuna de haberme criado en un ambiente donde el género era irrelevante. Tengo tres hermanos y no hubo nunca ninguna diferencia entre cómo los estimularon o cómo lo hicieron conmigo. Nuestros padres apoyaron por completo todo lo que quisimos hacer en la vida, he tenido suerte de no haberme encontrado con ninguna traba sexista en el mundo. Esta buena suerte me permite desarrollarme artísticamente con mucha libertad, sin prestar atención al género que tengo y lo que significa en cuanto a mi trabajo.

Sé que no es lo mismo para muchas mujeres ahí fuera, sé que hay muchos retos para niñas y mujeres que están intentando tener una carrera profesional, por lo que es bueno ver que las cosas están cambiando.

En lo que concierne al mercado del arte: no creo que tenga mucho que ver con el arte en primer lugar, de hecho, sería decepcionante si intentaras jugar ese juego o interactuar con el mercado artístico esperando que esté verdaderamente supeditado al arte. Tiene más bien una atmósfera de mercado de valores y está controlado por gente que no es artista.

Y a pesar de que hay definitivamente arte de calidad que se puede encontrar, la mayoría de las elecciones son relativamente aleatorias en el mejor de los casos. Es justo lo que es, tienes que verlo como tal y está bien.

Siempre está ahí la pregunta de qué es el arte. ¿Es arte Rembrandt? Sí, por supuesto, pero entonces, ¿lo es también un banco puesto boca abajo en una galería? ¿Por qué? ¿Qué convierte a un banco en obra de arte?, especialmente después de que hayamos tenido décadas de bancos boca abajo y rocas apiladas en una esquina, de modo que la teoría de que son escandalosos o rompedores se apague. Entonces, ¿qué es? 

Es confuso, y la mayoría de la gente no tiene tiempo para jugar trucos mentales con ellos mismos para entender por qué un neumático en la pared en el Art Basel es arte. Es una especie de tarea bizarra que no aporta ninguna recompensa. ¿Por qué someterse a ella si ni siquiera te pagan por hacerlo? Y creo que es uno de los mayores fracasos con respecto al “arte”. No estoy diciendo que el arte debería ser servido explícitamente a las masas para satisfacer una demanda como un vídeo de gatitos haciendo cosas divertidas en Youtube, sino que pienso que debería ser un poco más potente en general, al menos lo suficiente como para tener el poder de causar impacto más allá de los límites del pequeño mercado del arte. Suficiente como para parar a alguien en la calle -alguien a quien no le importa el arte en absoluto- y escandalizarlo, cambiarlo y transportarlo, hacerle reflexionar, sentir, reaccionar, pensar en nuevos puntos de vista, llorar, reir. ¿O no?

‘AVIATION CLUB’ by MERCEDES HELNWEIN.

I would like to have unlimited time and funds to realize all the ideas that pile up inside of me, even if they seem ridiculous.  That’s a pretty ideal scenario.  Freedom in life to concentrate on artistic problems.

Me gustaría tener tiempo ilimitado y medios para llevar a cabo todas las ideas que se amontonan en mi interior, incluso si parecen ridículas. Es una perspectiva bastante ideal. Libertad en la vida para concentrarse en los problemas artísticos.

‘HORMONS’ by MERCEDES HELNWEIN.

I just finished writing a young adult novel called Slingshot that will be coming out next year.  It’s the story of the simultaneous beauty and the shitstorm of first love.  I think love is one of the great subject matters out there – and one of the easiest to inspire really bad writing.  But if it’s well written, it can be so good, because being in love makes people nuts – and instantly you have a story.

Acabo de terminar de escribir una novela para jóvenes adultos llamada Slingshot que se publicará el año que viene. Es la historia de la simultanea belleza y la tormenta de mierda del primer amor. Creo que el amor es uno de los grandes temas ahí fuera, y uno de los más fáciles para inspirar literatura realmente mala. Pero si está bien escrito, puede ser muy bueno, porque estar enamorado vuelve muy loca a la gente y de manera inmediata tienes una historia.

‘CONNECTION’ by MERCEDES HELNWEIN.

Currently I mainly work with oil pastel on paper.  I guess this came about because I used to work obsessively in the medium of drawing, but eventually found it to be too restrictive and claustrophobic.  I had a box of oil pastels lying around at the time and a large roll of paper and decided to see what happens.  From there I just fell in love with that medium.  The end result were paintings on paper, but you approached it like a drawing and you could go as big as you want, and there was a whole world of colors I hadn’t been exposed to before.

I also liked the fact that oil pastel on paper wasn’t a big medium that other people were using, and so I felt like I could make myself at home there and just create a unique style that was mine.

Actualmente trabajo principalmente con pasteles al óleo sobre papel. Supongo que esto ocurrió porque solía trabajar obsesivamente en dibujo, pero en última instancia lo encontré demasiado restrictivo y claustrofóbico. En aquel momento, tenía una caja de pasteles al óleo por ahí  y un rollo de papel largo y decidí ver qué pasaba. Desde entonces, me quedé prendada de ese medio artístico. El resultado final fueron pinturas sobre el papel, pero lo abordaba como un dibujo y podía hacerlo tan grande como quisiera, y me encontré con un gran mundo de colores a los que nunca había estado expuesta antes.

Me gustó también el hecho de que el pastel al óleo no era un gran medio que otras personas estuvieran usando, lo que hizo que me sintiera como en casa, y acabe creando un estilo único que era solo mío.

OBRA de MERCEDES HELNWEIN.

I have never been to Spain, but I’ve always felt I need to go there someday.  I think my name alone demands it.  I grew up in Austria and Germany where the name Mercedes means a car. The kids on the playground always thought my mom was crazy and calling her car.

I love Goya, thanks to my dad.  He has a big collection of Goya etchings that are mind blowing. I can’t wait to visit the Prado. And I also feel like there is a sensibility in Spain to art that I can relate to.  Over the years I’ve gotten continual interest in my work from Spain, despite the fact that I’ve never been there and never shown there.  So there must be some connection.

Nunca he estado en España, pero siempre he sentido la necesidad de ir allí algún día. Pienso que mi nombre solo lo reclama. Me críe en Austria y Alemania donde el nombre Mercedes hace referencia a un coche. Los niños del parque siempre pensaban que mi madre estaba loca y que llamaba a su coche.

Me encanta Goya gracias a mi padre. Él tiene una gran colección de grabados que son alucinantes. No puedo esperar para visitar el Prado. Y también siento que hay una sensibilidad en España en relación con el arte en la que puedo verme reflejada. A lo largo de los años, ha habido un interés continuo hacia mi trabajo desde España, a pesar de que nunca he estado y nunca he expuesto allí. Por lo que debe haber alguna conexión.

‘DANCE’ by MERCEDES HELNWEIN.

EMILY GERNILD Not just another impressive scandinavian artist

Edición y traducción:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Copenhague. 10/07/2018.


EMILY GERNILD.

Emily Gernild (Odense, 1985). Soy una soñadora. Cuando era niña, siempre era la última en el patio porque estaba ocupada mirando cómo los otros niños se ponían sus chaquetas y zapatos. Todavía soy un poco así y si demasiadas cosas suceden a mi alrededor, no llego a ninguna parte. Esa es una de las razones por las que no puedo trabajar en espacios abiertos. Necesito mi soledad y privacidad para centrarme’.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

El color por sí solo no es necesariamente importante, sino cómo se combina, cómo la luz y la oscuridad hacen vibrar las tonalidades y cómo hacen que las obras cobren vida. Los contrastes con respecto al color y la forma añaden energía a los motivos y brindan diversión a las composiciones de la vida cotidiana. Me gusta trabajar con los contrastes y con la ‘energía’. Tanto en forma como en fondo. Contrastes entre la profundidad y la superficie, entre las velocidades a las que los diferentes colores alcanzan al espectador, entre el sujeto y el objeto, entre la claridad y la oscuridad.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

Lo que mantiene mi creatividad viva es pasar tiempo en mi estudio, a veces esperando que una pintura se construya en la imaginación. Pero también limpiando cosas viejas que ya no necesito. Tanto en casa como en mi estudio. Bosquejo mucho y utilizo mucho las redes sociales e Internet. Siempre estoy atenta a los colores y a las formas.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

A menudo mi trabajo comienza con la indignación y la curiosidad que despierta una limitación. Podría querer expresar la convención que de alguna manera priva a una minoría de hacer lo que considera o siente que es lo más importante. Mis pinturas con flores comenzaron de esa manera, cuando descubrí que las mujeres artistas a menudo ‘elegían’ practicar con naturalezas muertas, retratos y flores en las escuelas de arte, simplemente porque se les impedía tomar parte en los estudios del desnudo, en clases impartidas por artistas y profesores varones en las academias de arte escandinavas. Los estudios del desnudo se consideraban como la forma más elevada de expresión artística. La separación institucional se ha alejado de las academias pero está muy presente en los museos que exhiben, coleccionan y archivan arte contemporáneo. Menos del 10% del presupuesto se gasta en arte realizado por artistas mujeres.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

Como artista y como mujer ¿cuál es tu relación con el mundo/la sociedad actual? ¿Te sientes cómoda con las sinergias que plantea el mercado del arte hoy en día?

Probablemente, nunca tendrás que hacerle esta pregunta a nuestros colegas varones. Lo que significa que todavía es necesario hablar sobre ello. NUNCA se trata de poner en cuestión lo que creo que es más importante aquí: la calidad. Sin embargo, no estoy segura de que herramientas como las cuotas de género sean la solución correcta. Pero debo ser honesta aquí: algunos galeristas me han preguntado si estoy planeando tener otro bebé simplemente porque una gran parte del mercado y el mundo del arte actúa como un tren de alta velocidad. Si tragas, estás dentro, pero si te caes o te bajas demasiado tiempo del tren, estás fuera. Yo he decidido creer y mi experiencia hasta ahora es que el trabajo duro, la dedicación y el talento pueden permitirme vivir la vida como la artista que siempre quise ser.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

El equilibrio es mi ideal de vida.

Obra seleccionada de EMILY GERNILD.

Este otoño, Royal Copenhagen y yo lanzaremos dos colaboraciones diferentes. La primera incluirá la producción de un cortometraje que se exhibirá en Copenhague (Dinamarca) y Tokio (Japón). Este proyecto se lanzará durante los meses de septiembre y octubre. La segunda colaboración tendrá lugar en Copenhague durante el mes de noviembre. Además, ese mismo mes, tendré mi primera exposición individual fuera de Dinamarca, que será en Berlín.

EMILY GERNILD en su estudio.

¿Cuál es el músico, compositora o canción que tiene el poder de rescatarte de una sacudida emocional?

 

Sin duda Frédéric Chopin o Claude Debussy.

EMILY GERNILD en su estudio.

Mi madre amaba a Paul Cézanne y teníamos un póster viejo en la parte posterior de la puerta de la cocina. Aquella obra representaba una naturaleza muerta con cebollas, una copa de vino y una botella. Creo que es ahí donde mi fascinación por el entorno de la vida cotidiana echa sus raíces. También nace de artistas daneses como J. F. Willumsen, Vilhelm Lundstrøm y Storm P. La casa de mi abuela estaba llena de arte y música clásica. Su sala de estar era naranja. Ella no tenía mucho dinero y mi abuelo pintaba copias de piezas de arte famosas para llenar las paredes. Todo en su casa era modesto y viejo, pero nunca carecía de encanto y espíritu. Otra vez, como ves, mi gran amor por los colores nace de cierta cotidianidad.

‘Nature morte aux oignons’ (1896-1898) / PAUL CÉZANNE. Paris, Musée d’Orsay.

Mientras nuestra hija sea pequeña, me mantendré cerca de las cosas y de las personas que ella conozca, incluidos los dos hijos mayores de mi marido, los hermanos mayores de Hannah. Ahora mismo veo Dinamarca llena de oportunidades para mí, pero tanto mi compañero como yo estamos muy por la labor de vivir en el extranjero en algún momento.

FEDERICO GRANELL Una silueta que camina

Edición: 
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid. 28/07/2018.


Federico Granell. Dibujante compulsivo desde que tiene recuerdo, formado en la Universidad de Salamanca (Bellas Artes, especialidad de Diseño), descubrió en su estancia en la Accademia di Belli Arti de Roma que tenía claro que quería dedicarse a la pintura. Federico cuenta con una larga trayectoria en exposiciones nacionales e internacionales, así como en ferias de arte como JustMad o Sculto. Ha sido galardonado con numerosos premios y, para nuestra fortuna, su capacidad creativa goza de una constante proyección hacia el futuro.

Mis primeras influencias fueron unos libros de Hopper, el Picasso de la época azul, Monet y Degas, los miraba y remiraba, luego llegaron Balthus, Hockney, Warhol, Friedrich, Antonio López, Juan Muñoz, Bacon … cada uno me ofrecía algo nuevo, una nueva mirada, supongo que de ahí ha salido mi estilo, buscando la belleza en los sitios cotidianos, en los momentos tranquilos de observación, en la luz de un atardecer, en las fotos de familia antiguas, en interiores misteriosos, en una silueta que camina, en la costa Cantábrica, sobre todo Asturias, que es una fuente inagotable de imágenes guapas.

ESCULTURA DE FEDERICO GRANELL.

La música, la arquitectura, una buena exposición, los viajes, el entorno, la familia, los amigos, una charla, un sueño … todas esas cosas mantienen mi creatividad viva. Me nutro de muchas fuentes, vivimos en el momento de la imagen, todo fluye veloz y el dibujo es una de las cosas que más disfruto y más me activan, la acuarela es una técnica muy inmediata, una manera de jugar y divertirme en los cuadernos Moleskine. Pensar una canción en intentar atraparla en una imagen es un juego que no me cansa, al contrario, es adictivo.

La Moleskine de FEDERICO siempre nos trae alguna escena memorable.

Mi trabajo es un conjunto de ideas pero la más recurrente es el tiempo, el paso del tiempo y la necesidad de atraparlo, la memoria también me interesa, la belleza en la decadencia de los sitios abandonados, el tema de la familia y la infancia. La vida y la muerte, todo lo relacionado con el Romanticismo y el Barroco. La soledad y la melancolía. La mística del paseante, del flâneur. Viajar por el placer de viajar, a veces el objetivo es lo menos importante y el propio trayecto inspira.

Más páginas de FEDERICO GRANELL.

El mercado del arte está evolucionando, las redes sociales te hacen visible a nivel mundial, así que es un momento muy excitante para el artista, ver lo que hacen otros artistas antes siquiera de que se exponga y darte cuenta que estás en la misma onda a pesar de la distancia. Hilos invisibles con artistas de todo el mundo.

‘Villa Excelsior’ de FEDERICO GRANELL.

El desafío para cualquier artista es ser fiel a uno mismo y no seguir modas que van y vienen. Ser auténtico. No soy muy de dar consejos pero diría que lo más importante es disfrutar siempre con lo que haces, pues eso se transmite y la gente disfrutará viéndolo.

Escultura de FEDERICO GRANELL.

Normalmente empiezo dibujando en un cuaderno de ideas, casi todo lo que hago viene de ahí, la pintura es mi medio de expresión habitual al que le dedico casi todo mi tiempo pero a veces necesito trabajar en la escultura para representar alguna idea más compleja y surrealista, me gusta combinar en la exposiciones pintura y escultura, se apoyan y se refuerzan. La escultura tiene un proceso más lento y más costoso por eso hay que pensarse bien qué dibujo del cuaderno pasar a 3D.

FEDERICO GRANELL y sus criaturas.

Los proyectos futuros que tengo son varias exposiciones para el 2019 en Gijón en la galería Gema Llamazares y en Madrid en la galería Utopía Parkway, además de otra en el la Sala 1 del Antiguo Instituto Jovellanos de Gijón. Aparte estoy trabajando en una edición limitada de 25 dibujos del cuaderno de canciones con Litografía Viña y Alchemy Prints que esperamos salga a la luz en otoño.

Más páginas del Moleskine de FEDERICO GRANELL.

Obras de arte que me siguen conmoviendo: ‘Los corredores’ de bronce del Museo Arqueológico de Nápoles, el fresco del jardín de Villa Livia, ‘El éxtasis de Santa Teresa’ de Bernini, ‘Alegoría de la primavera’ de Botticelli, ‘La vocación de San Mateo’ de Caravaggio, ‘Las Meninas’ de Velázquez, ‘El cortejo de los Reyes Magos’ de Benozzo Gozzoli, ‘El entierro del Conde Orgaz’ de El Greco, ‘Guernica’ de Picasso, ‘Nighthawks’ de Hopper, cualquier cuadro de Morandi, ‘A Bigger Splash’ de Hockney, ‘Sternenfall’ de Anselm Kieffer, los chinos sonrientes de Juan Muñoz, una jaula de Louise Bourgeoise, ‘Il giocoliere’ de Antonio Donghi es uno de mis últimos descubrimientos … y podría estar así sin parar.

FEDERICO GRANELL.

Una canción importante van a ser dos: La noche inventada de Family, uno de mis grupos favoritos y hasta hice un vídeo de stop-motion hace años con dibujos en cuadernos, se puede ver en youtube. La otra es la canción de Charles Trenet ‘Que reste t-il de nos amours’, una letra melancólica a más no poder con la que me identifico totalmente.

‘Orly III’ de FEDERICO GRANELL.

Una ensoñación o deseo recurrente es poder volar. Es uno de esos sueños que se repiten y que siempre hacen que me levante de la cama con buen humor.

MAI BLANCO La invocación de los superpoderes

Edición:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Barcelona/Asturies. 24/07/2018.


MAI BLANCO en su estudio.

MAI BLANCO nació en una pequeña localidad asturiana. Pasó su infancia entre tubos de pintura y correteando detrás de las gallinas. Años más tarde, dejaría su pueblo rumbo a Barcelona, en busca del mapa del tesoro. El arte, que la ha acompañado siempre, es la forma que tiene de compartirlo con el mundo. En Thalamus celebramos el nacimiento de cada cuadro suyo como si fuera un hito o una excusa para apreciar, desde los márgenes y su carácter único, las mejores posibilidades de la vida.

‘Blue girl’ de MAI BLANCO.

Trabajo constantemente con conceptos que tienen que ver con la identidad. Vivimos en una sociedad megaindividualista, de la exaltación del yo, la libertad individual y la performance. El éxito social tiene mucho que ver con la capacidad de adaptación al cambio, así que cuantos más registros interpretativos tengas, mejor. Cuando estaba preparando ‘Mujer Flor’ (mi última exposición) invité a mis amigas a posar para una sesión de fotos y nos disfrazamos con todo lo que yo tenía por ahí. Al final, todos nos interpretamos a nosotros mismos en las redes sociales y ya casi no hay separación entre lo público y lo privado. 

‘Belén’ de MAI BLANCO.

Para mí, el arte es bello por definición. Puedes encontrar la belleza en un psiquiátrico, en las calles, en las cuevas de Altamira o en el Louvre. Otra cosa es el canon, el canon responde a unos estándares de belleza que van cambiando en función de la sociedad y las modas del momento. A mí eso no me interesa. A mí lo que me interesa es esa emoción profunda que sale del corazón y de la intuición del artista, que genera esa belleza como si fuera magia, no sabes de dónde viene, pero está ahí. Por eso me gusta jugar con los límites, me gusta romper esa tendencia a polarizarlo todo: realidad/ficción, belleza/fealdad, bueno/malo, masculino/femenino, blanco/negro, yo/el otro. Esa forma de entender el mundo es tan simplista como peligrosa y no sirve en absoluto para describir la realidad que habitamos, que es mucho más compleja.

‘Hermano’ de MAI BLANCO.

Hay días en los que una está más tristona, más melancólica, más recogida hacia el interior. En esos días me cuesta mucho pintar y aprovecho para meditar o escribir sobre las cosas que siento, que también es una parte muy importante del proceso creativo. Sin embargo, cuando pinto invoco mis ‘superpoderes’ y sale toda la fuerza, la intuición, la valentía, la vitalidad, el optimismo, la confianza, el amor que hay en mí. En ese momento, soy yo multiplicada por mil, la mejor versión de mí misma. Es algo así como una ingenuidad aprendida, es hacer como cuando los niños juegan y se toman el juego muy en serio. Pero eso no quiere decir que las cosas tristes se queden fuera, sino que es la forma que tengo de integrarlo todo. Con mi trabajo, lo que pretendo es coger toda esa gravedad existencial, que es parte inherente a todos los seres humanos y proyectarla al mundo con ironía y sentido del humor. Desde mi punto de vista, es la forma más sensata e inteligente de entender la vida.

‘Plátano’ de MAI BLANCO.

Tendríamos que empezar a vernos los unos a los otros como seres humanos, sin pensar qué tiene el de enfrente entre las piernas. Si algún día llegaran a visitarnos los extraterrestres, no se interesarían por nuestra ciencia (seguro que la suya es mucho más avanzada), en cambio encontrarían en el arte una fuente inagotable de conocimiento sobre lo que somos los seres humanos en esencia. El arte es lo más grande y lo más sagrado que tenemos, el arte verdadero trasciende el tiempo y el espacio, porque habla de lo fundamental, sin distinción de raza o sexo. Por eso me pone muy triste y no puedo entender por qué muchos galeristas miran diferente la obra dependiendo de si la ha hecho un hombre o una mujer. Todos somos seres creadores, que sienten, vulnerables, finitos, maravillosos, pero … luego te encuentras cosas como que cuanto mayor es la galería menos mujeres tienen en el catálogo o que en el top 500 del mercado de alta gama hay un 85% de hombres y solo un 15% de mujeres. También es cierto que cada vez hay más mujeres asumiendo papeles de liderazgo en las instituciones, galerías, museos y demás. 

‘Yolanda’ de MAI BLANCO.

Lo importante es que las cosas se mueven y tenemos que dejar de ver el futuro como un lugar al que nos conducen, somos las personas las que construimos el mundo en nuestro día a día, desde las decisiones más íntimas que tomamos, porque lo íntimo es público también. No sé vosotras, pero yo como ser humano, quiero morirme sintiendo que he construido un relato maravilloso y no estoy dispuesta a que nadie lo escriba por mí. 

MAI BLANCO en su estudio.

Muchas mujeres artistas se quedan por el camino y acaban ejerciendo otras profesiones, a veces por agotamiento o por falta de autoestima profesional, pero la mayoría acaban renunciando porque les resulta imposible conciliar su carrera artística con la maternidad. Personalmente, el tema de la conciliación es algo que me preocupa mucho y creo que es uno de los grandes desafíos que debemos afrontar como sociedad.

 

Todos nos sentimos incompletos, eso es algo que viene de fábrica, pero cuando llevas dentro una vocación verdadera, existe una especie de imperativo moral que te grita desde dentro, sientes que hay algo dentro de ti que lucha por salir y notas cómo te vas marchitando poco a poco si no puedes compartirlo con el mundo. Si eres una de esas personas tienes que ser valiente y afrontarlo. Es como el enamoramiento, al principio podrás sentir miedo, pero cuando te lanzas lo vives todo muy intensamente y muchas cosas en tu vida cobran sentido. Yo, a esas personas les diría: abraza tu ‘incompletitud’ como si fuera un regalo de los dioses y utilízala para crear, porque es la fuerza más poderosa que existe, el arte viene de ahí. Ten mucha paciencia y aprende a tolerar la frustración cuando se presente y a vivir el día a día en un estado de incertidumbre general, con una única certeza: este es tu cometido.  

‘Lirio’ de MAI BLANCO.

Yo lo que intento es crear un universo propio con mi pintura, no me gusta nada que me encasillen, porque entonces cuando este o aquel estilo se pase de moda dejará de interesar. Mi objetivo a largo plazo es hacer un arte de mi tiempo pero atemporal. Soy plenamente consciente de que eso es muy difícil y es probable que me lleve muchos años lograrlo, pero intento no caer en las recompensas rápidas y fáciles, prefiero trabajar en algo firme y duradero. Me gustaría hacer magia, recorrer el mundo con mi arte, llegar a cuanta más gente mejor, hacer vibrar, despertar emociones en los demás con mi trabajo, eso es lo que yo proyecto hacia el futuro.

‘Florindo’ de MAI BLANCO.

Las pinturas de mi padre las llevo en el alma y las llevaré por siempre. Una de mis favoritas es un retrato que me hizo de niña durmiendo en el sofá.

‘Sandra’ de MAI BLANCO.

¿Un deseo recurrente o ensoñación? Yo, pintando en una casa preciosa junto al mar, los pájaros, la brisa, el sol, el olor a pino, suena una canción a lo lejos, una cervecita bien fresca en la mano, the love of my life besándome en los labios … parece un anuncio. (Risas). ¡No podría pedir más! 

‘María’ de MAI BLANCO.

 

‘Samantha’ de MAI BLANCO.

Seguid siempre vuestro instinto, aunque vaya en contra de lo que haga y diga la mayoría, porque es la única forma de desarrollar vuestro propio método. Sobre todo, no paréis, cueste lo que cueste siempre a tope, non stop.

 

 

KOKO CHE JOTA Un día sin aprender es un día perdido

Edición:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Sevilla/Berlín. 18/07/2018.


KOKO CHE JOTA.

KoKo Ché Jota es Carolina Häfner Jiménez. Carolina Häfner Jiménez es KoKo Ché Jota. Nace en Granada un año después de la caída del muro de Berlín. Ese mismo año, sus padres deciden volver a Alemania. Su historia es una historia fraguada a golpe de decisiones nada fáciles. Una de las más importantes la llevaría a regresar a Andalucía años después de casi terminar la carrera de arquitectura y de estar al frente de un estudio donde, inevitablemente, debía ejercer dotes de mando.

Nos queda claro que la historia de Carolina es una historia volcada hacia la vida por el arte y hacia el arte por la vida. Sabemos que su valentía resume de forma muy certera el periplo humano, lleno de matices importantes e íntimos, que una persona ha de enfrentar para continuar avanzando erguida, fiel a sus principios y a sus deseos, leal a la vocación profunda que disfrutamos hoy con cada una de sus obras. Es por este poso de emoción que siempre nos dejan sus cuadros que desde Thalamus queremos añadir este eco: GRACIAS KoKo por ser ejemplo.

No me siento a pintar buscando la belleza, lo que sí es verdad es que persigo la armonía en mis cuadros, puede que por ello al final resulten bellos. Me llaman las bellezas raras, siempre intento buscarlas. Me aburren las bellezas perfectas, creo que nada en este mundo es perfecto, aunque intenten colarnos la idea de ello en el bombardeo diario que recibimos por todas partes.

Obra de KOKO CHE JOTA.

Me inspira prácticamente todo. Me encanta que sea así, me gusta ser una esponja porque al final todo lo que absorbemos, inconscientemente, lo transformamos. Creo que es la herramienta que más utilizo y que menos me ha costado desarrollar. Por otro lado confío en mi intuición, muchas veces trabajo de manera impulsiva. Aun así tengo mis esquemas muy marcados. 

Obra de KOKO CHE JOTA.

Soy muy metódica trabajando, incluso antes de ponerme a pintar. Siempre empiezo igual: nada más entrar en el taller me hiervo agua para una infusión, me siento en el ordenador y pongo el ‘Nocturne’ de Chopin o alguna otra música inspiradora. Esto me transmite paz y tranquilidad, con esta energía empiezo a pintar. Es justamente lo que quiero que transmitan mis cuadros. Creo que la vida esta llena de estímulos que nos inquietan, quiero que las personas que tengan un cuadro mío en su salón, sientan serenidad al verlos.

Obra de KOKO CHE JOTA.

Estoy tan absorbida con mi trabajo que vivo un poco en una burbuja, me siento muy libre y por ahora no he percibido ninguna sensación de amenaza por el hecho de ser mujer y artista. Aun así, si la burbuja en algún momento estallara por algún comentario, confiaría en mi propia filosofía y en la libertad del arte.

Obra de KOKO CHE JOTA.

Soy muy inquieta, me aburro muy pronto y me encanta aprender. Para mí, un día sin aprender es un día perdido. Estoy en búsqueda de nuevos soportes que me hagan salir del lienzo. Cada técnica te hace adaptar o incluso reinventar por completo tu estilo. ‘Saltar de un barco a otro’ me emociona porque nunca sé lo que voy a encontrar y eso me motiva y me hace evolucionar. Puedo descubrir algo nuevo que no esperaba o estancarme en algo difícil de resolver, en conclusión: me hace sentir viva y ¿existe algo mejor que sentirse así a la hora de sentarse a trabajar? Me atrevería a decir que para un artista supondría morir lentamente si cada día hiciera lo mismo sin reinventarse.

KOKO CHE JOTA.

Aún estoy digiriendo mi último proyecto “Los Gusanos Del Lapso”. Ha sido mi primera obra grande. Me gusta pensar que mis proyectos siempre están abiertos, es decir que en cualquier momento, cuando yo lo sienta, puedo añadir una obra más a la serie. Son proyectos de vida, cada uno de ellos. Ahora mismo estoy construyendo nuevas estructuras y me siento muy motivada. ¡Ya veréis!

Obra de KOKO CHE JOTA.

Me preocupa mucho la situación política. No solo en España, sino en el mundo entero. El ser humano ha llegado a la cúspide del egoísmo y de la insensatez y, donde más se refleja y más poder tiene, es en la política. Mi deseo sería un colapso total. 

KOKO CHE JOTA.

Para mí el arte es libertad y por eso todo puede serlo. La naturaleza misma crea arte todos los días y el hecho de que alguien sea incapaz de apreciarlo no significa que no sea arte. Si tengo que hablar de artistas u obras que me han marcado … me apasiona un cuadro ‘sin título’ de Lucian Freud. Tiene obras extraordinarias, pero esta en concreto es increíble. Tiene una plasticidad, una distorsión y una paleta que me conmueven muchísimo. Lo publiqué hace meses en mi cuenta de Instagram. (Podéis verlo aquí): 

https://www.instagram.com/p/BaQwuDmFL6a/?hl=es&taken-by=koko_che_jota).

Sólo puedo aconsejaros que sigáis haciendo las cosas con la misma pasión y cercanía que yo he podido sentir y … trabajar, trabajar, trabajar.

 

 

ANGELA DALINGER Fuck it!

Edición y traducción:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Hamburgo. 04/06/2018.


Angela Dalinger (Neetzendorf /Alemania, 1984). Actualmente reside en Hamburgo y ha expuesto en galerías y ferias de arte de medio mundo. Para algunos, Angela es sinónimo de radicalismo creativo. Nosotras pasamos de etiquetas, aunque lo cierto es que no nos importaría una miga hacernos cargo de semejante cualidad. La necesidad obliga. ¿Han pensado en las dosis justas que requeriría nuestra controvertida condición —nowadays— para argumentar en torno a la sangre, la explotación sexual, el estupor o las lágrimas? No hace falta que se detengan ni un instante a hacer cálculos inútiles. Mejor miren, observen, báñense en la obra de Angela Dalinger. Contra la complacencia erigimos un estandarte y ella forma parte fundamental de la causa. Su trabajo es tan urgente como esas claves abruptas que, de cuando en cuando, enseñan a desanudar lo que la tristeza y la frustración arrastra. Su trabajo grita y llega tan alto que no precisa más verborrea que imite lo que otros ya han pensado o dicho antes. Una vez más: no se pongan cómodos. Tienen suerte, mucha suerte, de poder presenciar lo que arderá a continuación.

Me niego a centrar mi atención en ese tipo de belleza que nos muestran los medios cada día. Creo que en el arte hay más espacio y mucho más para mostrar que la mera expresión de una idea superficial en torno a la estética.

by ANGELA DALINGER.

Ahora mismo no considero que mi creatividad esté funcionando en absoluto. Tengo muchas ideas y hay miles de cosas que me gustaría pintar, pero a veces me toca luchar con la estúpida que llevo dentro, esa que cree que todo lo que hago apesta y que nunca es lo suficientemente sofisticado. Pero entonces me digo: ‘a la mierda’, me pongo un vaso de vino tinto e intento pintar algo que, al menos, me procure la sensación de estar satisfecha con lo que he creado.  

by ANGELA DALINGER.

Definir el sentido de mi trabajo es siempre difícil, aunque mucho más complicado sería tener que definirme a mí misma. Echar un vistazo a mis pinturas es como mirarme en el espejo. No me dice nada. No hay vibraciones de ida y vuelta. Conozco cada detalle y cada error, lo cual convierte el proceso en algo así como mirarme en un espejo distorsionado.  Siempre estoy ansiosa por crear algo que sea auténtico, que para mí es más importante que crear algo bonito. Me gusta expresar mis sentimientos más miserables y cuán miserable puede resultar la gente. Estoy tan desesperada por mostrar lo diferentes que son las cosas en relación a cómo aparecen en los medios … que me lo tomo como si fuera mi vocación.

by ANGELA DALINGER.

Sí, soy una mujer pero realmente no me siento como tal. Es un poco difícil de explicar. Solo intento ser la persona, el ser humano que soy. Nunca he sentido o percibido que mi trabajo haya sido rechazado por el hecho de ser mujer. No puedo decir que tenga una buena relación con la sociedad, lo cual suelo expresar bastante en mi trabajo, pero un poco de sufrimiento no hace daño a la creatividad. 

by ANGELA DALINGER.

Mi ideal de vida se parece a una casa en el campo, tal vez en España, con un tío majo y un perro, poder ganarme la vida de mi arte; tener una mente lúcida, ser muy leída y fumarme todos los cigarrillos que me dé la gana sin tener miedo a morir de cáncer.  

by ANGELA DALINGER.

Estoy trabajando en un pequeño libro sobre la temática ‘elementos del crimen’, que en su mayoría aborda los objetos que suelen aparecer cuando un crimen tiene lugar, pero también las emociones que pueden conducir a una persona a cometerlo. Por ejemplo, el sentimiento de humillación. Para ello, he utilizado el bordado. Espero poder terminar el libro pronto. 

by ANGELA DALINGER.

Me gusta pintar cosas feas y gente fea y quizá también ofrecer al espectador cierto sentimiento de incomodidad. Siempre me gusta mirar más allá de la superficie, mostrar un pedazo del mundo real en mis pinturas. Y porque estoy luchando contra la depresión, no puedo evitar expresarlo en mi trabajo.

by ANGELA DALINGER.

Pintar sangre es siempre divertido. Tengo un botecito de pintura ‘rojo sangre’ brillante precisamente para eso. Uno de mis intereses es el crimen, me gusta leer sobre ello y es muy inspirador para mí, aunque encuentro bastante difícil de combinar esta temática con mi estilo ‘naive’ a la hora de pintar.    

by ANGELA DALINGER.

Diría que Alemania es un lugar seguro para vivir. La seguridad a nivel social es bastante elevada, pero la verdad es que me gustaría mudarme a España, especialmente porque me gusta la gente de allí. También mi trabajo parece valorarse más.  Ya he expuesto ocho veces en España, mientras que en Alemania solamente lo he hecho una vez. En cualquier caso y de momento, dependo de la ayuda del Jobcenter de aquí, así que tendré que quedarme un poco más en mi pueblecito alemán.  

 

 

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