REVISTA DE ARTE CONTRA LA CORDURA

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MERCEDES HELNWEIN Something fishy about the mundane

Edición:
Txetxu González
Traducción:
Antonio Acosta
Corrección inglesa: Gina Rosemellia
thalamusxmagazine@gmail.com
Madrid/Los Ángeles. 17/03/2019.


MERCEDES HELNWEIN

Mercedes Helnwein was born in Vienna, Austria. She moved to Ireland with her family in her teens, where she spent her time writing and drawing. Consciously choosing not to attend art schools, Helnwein developed a distinct visual style that remained fully untouched by outside opinions, peers or fads.  Instead she drew her inspiration from personal influences,  ranging from Southern Gothic traditions to the cartoons of Robert Crumb, nineteenth Century Russian literature, American motel culture and the Delta blues, amongst others.

Her first art shows were self-instigated, unorthodox one-night events in Los Angeles often with one or two other inexperienced young artists, most commonly photographer Alex Prager.  Sponsored by various alcoholic beverage companies, magazines, and unlikely supporters such as Land Rover, these shows generated a surprisingly genuine response and enabled Helnwein to continue developing her ideas, styles and experimenting with her interests and themes.  She exhibited regularly in Los Angeles during this period at the Merry Karnowsky Gallery, as well as in Europe, steadily garnering interest and collectors, amongst them Damien Hirst, who bought out a London show.

Her novel “The Potential Hazards of Hester Day” was published by Simon & Schuster in 2008, and in French by La Belle Colére in 2014 as “La Ballade d’Hester Day”.  Her second novel is in the process of being edited.

Mercedes Helnwein currently lives and works in downtown Los Angeles and Ireland.

Mercedes Helnwein nació en Viena, Austria. En su adolescencia se mudó a Irlanda con su familia, donde pasaba el tiempo escribiendo y dibujando. Eligiendo de manera consciente no asistir a escuelas de arte, Helnwein desarrolló entonces un estilo visual distintivo que permaneció totalmente al margen de opiniones externas, compañeros o modas. En lugar de esto, ella encontró inspiración en sus propias influencias personales, que abarcan desde la tradición sureña y gótica de los dibujos animados de Robert Crumb, la literatura rusa del siglo diecinueve, la cultura de motel norteamericana y el Delta blues, entre otros.

Sus primeros espectáculos artísticos fueron promovidos por ella misma, eventos de una noche y poco ortodoxos en Los Ángeles, con uno o otros dos artistas jóvenes inexpertos, muy frecuentemente con el fotógrafo Alex Prager. Apoyados por varias compañías de bebidas alcohólicas, revistas y patrocinadores atípicos como Land Rover, estos espectáculos generaron una respuesta sorprendentemente genuina y permitieron a Helnwein continuar desarrollando sus ideas, estilos y experimentando con sus intereses y temáticas. Durante este mismo período, Mercedes expuso regularmente en Los Ángeles en la Galería Merry Karnowsky, así como en Europa, ganando constantemente interés y coleccionistas, entre ellos Damien Hirst, quien compró un espectáculo en Londres.

Su novela “The Potential Hazards of Hester Day” fue publicada por Simon & Schuster en 2008, y en francés por La Belle Colere en 2014 como «La Ballade d’Hester Day”. Su segunda novela está en proceso de edición.

Mercedes Helnwein actualmente vive y trabaja en  Los Ángeles e Irlanda.

‘ANNOYED GIRL’ by MERCEDES HELNWEIN.

Beauty is a must, if it is flawed enough. You gotta have darkness, although in theme more than necessarily literal darkness of tone.  And preferably you balance it with humor. And as for color, I’ve slowly gained the courage over the last few years to actually use all the crazy colors that I initially stayed away from.  I’ve progressed from relatively monochrome imagery (grays, blues, greens) to full on everything   –yellow, pink, neon green– you name it.  It really did take me a long time feel okay with that kind of loud color –scheme though– and to figure out how to retain the darkness with bright colors.

La belleza es una obligación, si es lo suficientemente imperfecta. Debes tener oscuridad, si bien en el tema más que necesariamente en el tono. Y preferiblemente lo equilibras con humor. Y en cuanto al color, he ganado confianza poco a poco durante los últimos años para, en efecto, usar todos los colores alocados de los que me alejaba al principio. He evolucionado desde diseños prácticamente monocromos (grises, azules, verdes) hasta llenos de colores -amarillo, rosa, verde neón- por mencionar algunos. Realmente me costó un tiempo sentirme a gusto con este tipo de paleta de colores tan llamativa y entender cómo contener la oscuridad con colores brillantes.

‘PROM KIDS’ by MERCEDES HELNWEIN.

Everything in my work is based on the potentiality of a story.  I’m always an audience member when it comes to my own work. I have to be entertained by the promise of a story, or I’m not interested. I don’t need to know all the details of the story –it doesn’t need to hit me over the head– but I want an image to be an entrance point to something.  A rabbit hole. 

I love the idea that there’s something fishy about the mundane. A lot of the reference material I gravitate to are really normal American family or school scenes, borderline boring moments of uneventful life.  The challenge then is to make it work, and bring across the idea that although technically nothing is off in the scene, everything is potentially totally off.

I’m a Stephen King fan for a reason –he’s the best at putting you in innocuous settings– normal people, normal lives, normal towns, and then making everything go slowly weird. 

Todo en mi obra artística está basado en el potencial de una historia. Soy siempre una espectadora cuando se trata de mi propio trabajo. Tengo que estar entretenida por la promesa de una historia, o no estoy interesada. No necesito conocer todos los detalles de esa historia, no necesita pegarme en la cabeza, pero quiero una imagen que sea la puerta de entrada hacia algo. Una madriguera.

Me encanta la idea de que haya algo sospechoso sobre lo mundano. Gran parte del material de referencia por el que me siento atraída está compuesto por familias americanas normales o escenas escolares, al borde de momentos aburridos de vida sin contratiempos. El reto entonces es hacer que funcione y transmitir la idea de que aunque técnicamente nada está fuera de la escena, todo lo está potencialmente.

Soy fan de Stephen King por una razón, él es el mejor situándote en escenarios anodinos, gente normal, vidas normales, ciudades normales y, entonces, hacer que todo se vuelva raro paulatinamente.

‘LITTLE MONSTER’ by MERCEDES HELNWEIN.

I’ve never thought of myself as a «woman artist».  I was lucky enough to have grown up in an atmosphere where gender was irrelevant.  I have three brothers, and there was never any kind of difference between how they were encouraged or I was. Our parents fully supported whatever we wanted to do in life, and even as a young artist and as an adult, I’ve been lucky in not having run into any sexist hurdles in the world.  This good luck let me develop artistically very freely, with zero attention on what gender I am and what this means in terms of my art. 

I know it’s not the same for many women out there. I know there are plenty of challenges for girls and women who are trying to have a career, so it’s good to see that things are changing.

As far as the art market is concerned: I don’t think it has very much to do with art in the fist place, so it would be disappointing if you tried to play that game or interact with the art market, expecting it to be actually hinged on art. It seems to have more of a stock-market vibe and is controlled by people who are not artists. And although there is definitely some great art to be found at the top and some amazing passionate people, the majority of the choices are pretty random at best.  It’s just what it is, you have to see it as such, and it’s fine. 

There’s always the question of what is art?  Is art Rembrandt?  Yes for sure, but then is it also a bench in a gallery turned upside down?  Why?  What makes that bench a work of art?  Especially after we’ve already had decades of benches turned upside down and rocks piled into a corner, so that the theory of any of that being outrageous or groundbreaking is mute.  So what is it? 

It’s confusing, and most people don’t have time to play mind-tricks with themselves in order to understand why a tire on a wall at Art Basel is art.  It’s like weird homework that reaps no rewards.  Why put yourself through that if you’re not being paid for it or something?  And I think that’s a major failure on the part of the “art”.  I’m not saying art should be catered explicitly to the masses like a Youtube video about cats doing funny stuff, but I do think it should be a tad more potent generally speaking, enough to have the power to cause impact beyond the small stock-market confines of the art world.  Enough to stop someone on the street –someone who doesn’t care about art– and outrage them, challenge them, transport them, make them think, feel, react, shift into new viewpoints, cry, laugh.  Or no?

Nunca pensé en mí como una “mujer artista”. He tenido la fortuna de haberme criado en un ambiente donde el género era irrelevante. Tengo tres hermanos y no hubo nunca ninguna diferencia entre cómo los estimularon o cómo lo hicieron conmigo. Nuestros padres apoyaron por completo todo lo que quisimos hacer en la vida, he tenido suerte de no haberme encontrado con ninguna traba sexista en el mundo. Esta buena suerte me permite desarrollarme artísticamente con mucha libertad, sin prestar atención al género que tengo y lo que significa en cuanto a mi trabajo.

Sé que no es lo mismo para muchas mujeres ahí fuera, sé que hay muchos retos para niñas y mujeres que están intentando tener una carrera profesional, por lo que es bueno ver que las cosas están cambiando.

En lo que concierne al mercado del arte: no creo que tenga mucho que ver con el arte en primer lugar, de hecho, sería decepcionante si intentaras jugar ese juego o interactuar con el mercado artístico esperando que esté verdaderamente supeditado al arte. Tiene más bien una atmósfera de mercado de valores y está controlado por gente que no es artista.

Y a pesar de que hay definitivamente arte de calidad que se puede encontrar, la mayoría de las elecciones son relativamente aleatorias en el mejor de los casos. Es justo lo que es, tienes que verlo como tal y está bien.

Siempre está ahí la pregunta de qué es el arte. ¿Es arte Rembrandt? Sí, por supuesto, pero entonces, ¿lo es también un banco puesto boca abajo en una galería? ¿Por qué? ¿Qué convierte a un banco en obra de arte?, especialmente después de que hayamos tenido décadas de bancos boca abajo y rocas apiladas en una esquina, de modo que la teoría de que son escandalosos o rompedores se apague. Entonces, ¿qué es? 

Es confuso, y la mayoría de la gente no tiene tiempo para jugar trucos mentales con ellos mismos para entender por qué un neumático en la pared en el Art Basel es arte. Es una especie de tarea bizarra que no aporta ninguna recompensa. ¿Por qué someterse a ella si ni siquiera te pagan por hacerlo? Y creo que es uno de los mayores fracasos con respecto al “arte”. No estoy diciendo que el arte debería ser servido explícitamente a las masas para satisfacer una demanda como un vídeo de gatitos haciendo cosas divertidas en Youtube, sino que pienso que debería ser un poco más potente en general, al menos lo suficiente como para tener el poder de causar impacto más allá de los límites del pequeño mercado del arte. Suficiente como para parar a alguien en la calle -alguien a quien no le importa el arte en absoluto- y escandalizarlo, cambiarlo y transportarlo, hacerle reflexionar, sentir, reaccionar, pensar en nuevos puntos de vista, llorar, reir. ¿O no?

‘AVIATION CLUB’ by MERCEDES HELNWEIN.

I would like to have unlimited time and funds to realize all the ideas that pile up inside of me, even if they seem ridiculous.  That’s a pretty ideal scenario.  Freedom in life to concentrate on artistic problems.

Me gustaría tener tiempo ilimitado y medios para llevar a cabo todas las ideas que se amontonan en mi interior, incluso si parecen ridículas. Es una perspectiva bastante ideal. Libertad en la vida para concentrarse en los problemas artísticos.

‘HORMONS’ by MERCEDES HELNWEIN.

I just finished writing a young adult novel called Slingshot that will be coming out next year.  It’s the story of the simultaneous beauty and the shitstorm of first love.  I think love is one of the great subject matters out there – and one of the easiest to inspire really bad writing.  But if it’s well written, it can be so good, because being in love makes people nuts – and instantly you have a story.

Acabo de terminar de escribir una novela para jóvenes adultos llamada Slingshot que se publicará el año que viene. Es la historia de la simultanea belleza y la tormenta de mierda del primer amor. Creo que el amor es uno de los grandes temas ahí fuera, y uno de los más fáciles para inspirar literatura realmente mala. Pero si está bien escrito, puede ser muy bueno, porque estar enamorado vuelve muy loca a la gente y de manera inmediata tienes una historia.

‘CONNECTION’ by MERCEDES HELNWEIN.

Currently I mainly work with oil pastel on paper.  I guess this came about because I used to work obsessively in the medium of drawing, but eventually found it to be too restrictive and claustrophobic.  I had a box of oil pastels lying around at the time and a large roll of paper and decided to see what happens.  From there I just fell in love with that medium.  The end result were paintings on paper, but you approached it like a drawing and you could go as big as you want, and there was a whole world of colors I hadn’t been exposed to before.

I also liked the fact that oil pastel on paper wasn’t a big medium that other people were using, and so I felt like I could make myself at home there and just create a unique style that was mine.

Actualmente trabajo principalmente con pasteles al óleo sobre papel. Supongo que esto ocurrió porque solía trabajar obsesivamente en dibujo, pero en última instancia lo encontré demasiado restrictivo y claustrofóbico. En aquel momento, tenía una caja de pasteles al óleo por ahí  y un rollo de papel largo y decidí ver qué pasaba. Desde entonces, me quedé prendada de ese medio artístico. El resultado final fueron pinturas sobre el papel, pero lo abordaba como un dibujo y podía hacerlo tan grande como quisiera, y me encontré con un gran mundo de colores a los que nunca había estado expuesta antes.

Me gustó también el hecho de que el pastel al óleo no era un gran medio que otras personas estuvieran usando, lo que hizo que me sintiera como en casa, y acabe creando un estilo único que era solo mío.

OBRA de MERCEDES HELNWEIN.

I have never been to Spain, but I’ve always felt I need to go there someday.  I think my name alone demands it.  I grew up in Austria and Germany where the name Mercedes means a car. The kids on the playground always thought my mom was crazy and calling her car.

I love Goya, thanks to my dad.  He has a big collection of Goya etchings that are mind blowing. I can’t wait to visit the Prado. And I also feel like there is a sensibility in Spain to art that I can relate to.  Over the years I’ve gotten continual interest in my work from Spain, despite the fact that I’ve never been there and never shown there.  So there must be some connection.

Nunca he estado en España, pero siempre he sentido la necesidad de ir allí algún día. Pienso que mi nombre solo lo reclama. Me críe en Austria y Alemania donde el nombre Mercedes hace referencia a un coche. Los niños del parque siempre pensaban que mi madre estaba loca y que llamaba a su coche.

Me encanta Goya gracias a mi padre. Él tiene una gran colección de grabados que son alucinantes. No puedo esperar para visitar el Prado. Y también siento que hay una sensibilidad en España en relación con el arte en la que puedo verme reflejada. A lo largo de los años, ha habido un interés continuo hacia mi trabajo desde España, a pesar de que nunca he estado y nunca he expuesto allí. Por lo que debe haber alguna conexión.

‘DANCE’ by MERCEDES HELNWEIN.

HORACIO QUIROZ La condición humana inmersa en su dualidad

Edición: 
Txetxu González
thalamusxmagazine@gmail.com
Madrid/Ciudad de México. 03/04/2019.


HORACIO QUIROZ.

Afincado en Ciudad de México, Horacio Quiroz comienza sus estudios de pintura, de forma autodidacta, en el año 2013. Ese mismo año, motivado por su pasión hacia las artes visuales, decide dejar la publicidad para dedicarse por completo a la actividad artística. Durante los últimos años se ha lanzado en una nueva trayectoria vital y profesional, experimentando con varias técnicas propias de representación pictórica que le han guiado en la definición de su visión e identidad como artista. Este cambio en su vida ha dado lugar a una profunda introspección personal, estrechamente vinculada a lo que ahora da forma a su cuerpo de trabajo.

EN EL ESTUDIO DE HORACIO QUIROZ.

Creo que el cuerpo es el receptáculo de nuestra historia espiritual en este plano en el que vivimos. Es a través del cuerpo que aprendemos día a día la experiencia humana. La identidad y la anatomía son complementarias y opuestas, no puedes tener conciencia respecto de ti mismo y de lo que te hace diferente a los demás sin estas dos variables. El miedo para mí es la emoción que acciona al mundo en su mayoría, el trabajo está en hacerlo consciente para transmutarlo y poder actuar desde otro lugar más caritativo. La belleza no está en el resultado de la trasmutación sino en el proceso de catalización y cambio.

OBRA SELECCIONADA DE HORACIO QUIROZ.

Creo que propiciar espacios de paz mental, deshacerse del discurso interno que continuamente hace ruido en la cabeza ayuda bastante a mantener la creatividad viva y funcionando. Olvidarse del móvil y el trabajo durante ciertos períodos de tiempo tampoco me vendría mal. Cuando estableces estos parénesis o espacios de no pensar, dentro de la rutina de trabajo, la creatividad surge sola. Creo que releer el “Catching the big fish” de David Lynch no me vendría mal en estos momentos.

EN EL ESTUDIO DE HORACIO QUIROZ.

Creo que mi trabajo es emocional, catártico, confrontativo y que está lleno de dudas. Mientras trabajo invoco a la concentración, me distraigo muy fácil.

OBRA SELECCIONADA DE HORACIO QUIROZ.

No me siento cómodo del todo con las sinergias que genera el mercado del arte en la actualidad, pero hay que tratar de adaptarse. Gracias a los avances tecnológicos somos víctimas de la inmediatez, todo es cada vez más rápido y el mismo mercado exige al creador la misma prontitud con la que avanza el mundo, pero para mí la pintura es un ejercicio que no puede modificar sus tiempos de producción. Algo a favor es que las redes sociales están devolviendo autonomía al artista dentro del mercado del arte, de forma que puedes trabajar con galerías y tener clientes en prácticamente cualquier parte del mundo, sin estar limitado a la burocracia del mercado de tu país.

OBRA SELECCIONADA DE HORACIO QUIROZ.

Creo que el mercado del arte en México empezó a ocupar un lugar de importancia y crecimiento desde hace más de diez años, con el surgimiento de las ferias de arte internacionales que tienen lugar en mi país, pero incluso así falta todavía mucha diversificación y madurez en el mercado del arte en México. Falta educación en el coleccionismo, impulso a los nuevos coleccionistas y democratización hacia todos los tipos de arte. Como pintor figurativo en México extraño los circuitos bien establecidos que existen en el Reino Unido, Australia o Europa, donde cuentan con publicaciones, galerías y ferias que impulsan y validan conjuntamente el trabajo de los pintores figurativo-surrealistas.

OBRA SELECCIONADA DE HORACIO QUIROZ.

Mi consejo para los artistas que están empezando es que no se comparen. La carrera de un artista es única. También es muy necesario que planifiquen, en lo posible, sus finanzas.

OBRA SELECCIONADA DE HORACIO QUIROZ.

El hilo conductor que une la mayor parte de mi trabajo es la reflexión sobre la condición humana, inmersa en la dualidad.

OBRA SELECCIONADA DE HORACIO QUIROZ.

Prefiero no pensar en el futuro, es mejor trabajar y estar listo para cuando las oportunidades llamen a la puerta.

OBRA SELECCIONADA DE HORACIO QUIROZ.

Si tuviera que mencionar a un artista que, aún hoy, me sigue conmoviendo ese sería Egon Schiele.

 

PABLO ALFARO Atmósferas y entornos concretos nada casuales

Edición: 
Txetxu González
thalamusxmagazine@gmail.com
Madrid/Albacete. 20/04/2019.


PABLO ALFARO en acción.

Hola, soy Pablo Alfaro. Soy pintor y profesor de dibujo y pintura en mi propio estudio, que abrí al público en 2016. En él, además de dar clases, realizamos exposiciones de artistas emergentes de Albacete y el resto de España. Somos lo más parecido a una galeria de arte que hay en nuestra ciudad.

Nací en Albacete el 27 de octubre de 1983 y, desde niño, tuve claro que quería ser pintor. Mi padre, profesor de historia y, sobre todo los libros que tenía, me marcaron profundamente en una época en la que no estábamos tan saturados de imágenes y se le daba valor al hecho de contemplar la fotografía de un cuadro en un libro, ¡y encima en color!

Me licencié en Bellas Artes en Cuenca y me Diplomé en Dirección de Cine en la TAI de Madrid, pero volví a mi ciudad y comencé mi carrera como pintor. Mi estilo figurativo y realista derivó en un surrealismo onírico (figurativo por supuesto), a raíz de recibir el Premio de Artes Plásticas del Ayuntamiento de Albacete en 2017 por mi obra “En los charcos”. Actualmente preparo una exposición individual para presentar mi nueva serie, aquí tenéis un adelanto.

‘El guardián’ de PABLO ALFARO.

Creo que mi pintura ha ido vinculándose a la naturaleza en un proceso paulatino pero constante. Solía pintar figuras humanas tratando de evocar a los antiguos maestros del Barroco, también pintaba paisajes urbanos, casi todos nocturnos, inspirados en un romanticismo tamizado por la obra de Hopper, pero el reino animal no era de mi interés más allá de algunas naturalezas muertas de algún pintor flamenco. Sin embargo, la descontextualización de los elementos en la composición del cuadro y el hecho de buscar emociones de una manera más indirecta me hizo dar un giro y empezar a utilizar animales integrados en entornos ajenos a ellos, esta irregularidad ha hecho que, sin buscarlo, haya empezado a preocuparme por la ecología o, al menos, a plantearla en mi obra de manera a veces velada, a veces manifiesta.

Creo que el ser humano es el reflejo de cómo tratamos a cada especie de la fauna y flora de nuestro mundo y, actualmente, ese reflejo no es muy favorecedor. Los animales han sido vehículo de mensajes, metáforas, símbolos, creencias e incluso deidades desde que el ser humano los plasmara en las cuevas paleolíticas, por lo tanto creo que no hay nada que nos devuelva más al origen que hablar del hombre a través de la representación simbólica de animales.

‘En los charcos’ de PABLO ALFARO.

Me nutro principalmente del propio arte, me inspiro en sueños, en la naturaleza o en el entorno urbano que me rodea, pero siempre bajo el prisma de lo que es susceptible de ser pintado. Siempre he sido amante del arte clásico, me encanta la pintura académica y realista del siglo XIX, los prerrafaelitas, el Romanticismo alemán y, por supuesto, la pintura flamenca y española del Barroco, pero bien es cierto que esas fuentes han de ser adaptadas, de alguna forma, a nuestros días, y creo que es en las redes sociales donde los artistas actuales encontramos nuestra inspiración.

Hoy en día, gracias a aplicaciones como Instagram, podemos conocer en qué y cómo trabajan un sin fin de artistas en todo el mundo, algo inconcebible hace a penas diez años. Algunos de los artistas actuales que más me inspiran son Richard Ahnert, Alan MacDonald, Kevin Peterson, Chris Austin o Joel Rea. Y estoy casi convencido de que nunca los habría conocido si no es a través de las, a veces denostadas (no sin razón en ocasiones), redes sociales.

‘El paso’ de PABLO ALFARO.

Trato de manejar emociones a través de atmósferas y entornos concretos nada casuales, como si se tratara de la puesta en escena de una película o una ópera. No busco un significado concreto en cada uno de mis cuadros, ni mucho menos, creo que el espectador debe tener el privilegio de dárselo.

Otra cosa es que la obra emane ciertas sensaciones o sentimientos que son recurrentes en muchas de las interpretaciones que los espectadores dan a mi obra. Trato emociones como la tristeza, la melancolía, la serenidad, el amor, la paz, el miedo, la incertidumbre, etc., pero cada espectador ha de aplicarlas a su significado particular, yo ahí no entro.

‘Oso polar en parking’ de PABLO ALFARO.

Creo que vivimos en la época en la que más fácil es acceder a la cultura, en la que más artistas hay y en la que más público objetivo está interesado, pero por otra parte, el arte se consume de manera inmediata, a golpe de clic, de like y, por supuesto, siempre de manera gratuita. La gente no está interesada en comprar un cuadro para ponerlo en su salón, o al menos no la suficiente, y la que sí lo está muchas veces no tiene el nivel adquisitivo para comprarlo, por eso funciona tanto la venta de láminas o prints, de obra gráfica reproducible y barata, porque la original es verdaderamente difícil de vender. Gustar en redes, tener muchos likes está bien y es una forma única de interactuar y conocer a tu público, pero no da de comer. Yo soy un afortunado y me dedico a dar clases de pintura y gestionar y organizar exposiciones en un estudio de arte que abrí hace casi tres años en mi ciudad natal (Albacete), puedo decir que me dedico al arte a tiempo completo, pero mi sustento es el que me da mi trabajo como docente, no como pintor.

Por otra parte, el mundo de las galerías es complicado y a veces desagradecido, pero hay que intentarlo, porque al fin y al cabo, somos pintores y las galerías son un vehículo más para vender nuestra obra, aunque no debería ser el único y, por supuesto, no deberían abusar del trabajo de algunos artistas con poca experiencia profesional, cosa que sucede a menudo.

¿Cómo vas a poder vivir de tu obra si por exponer en algunas galerías quince o veinte días te piden el 40% o 50% de las ventas, (más su 21% de IVA) y encima te cobran 400€ o 500€ (o una cifra similar) en concepto de alquiler de la sala? A lo que hay que sumar los gastos de transporte, enmarcación, materiales, etc. Es literalmente imposible. Debería estar prohibido pagar por exponer, una cosa es repartir beneficios sobre la venta de la obra, cosa totalmente lógica y lícita y otra es vivir de alquilar paredes en una sala supuestamente prestigiosa por el hecho de llevar el sobrenombre de galería. Yo recibo frecuentemente ofertas para exponer en galerías previo pago, así que sé de primera mano que esto sucede.

‘La salida del rebaño’ de PABLO ALFARO.

Creo que nuestro principal desafío es crear la necesidad de consumir arte por el gran público. Muy pocos son los artistas que tienen la oportunidad de entrar en el circuito de las grandes galerías, ferias o coleccionistas adinerados que puedan darles una seguridad económica y un sustento continuado en el tiempo. Esto sucede entre otras cosas porque son muy pocas las personas que coleccionan, quizás gasten grandes sumas de dinero en arte, pero lo hacen en unas cuantas galerías y benefician a muy pocos artistas.

Por tanto, el pintor de a pie, debe intentar atraer a un público más generalista, debe intentar crear obra “vendible”, formatos que literalmente quepan en un piso de 70 metros cuadrados y. sobre todo, que sean asequibles. Con esto no digo que haya que venderse barato o mal, pero tampoco hay que sobrevalorarse.

Organizo muchas exposiciones de artistas emergentes y locales en mi estudio y puedo asegurar que a nivel económico algunos artistas tienen un altísimo concepto de ellos mismos. Otros, en cambio, son conscientes del nivel en el que están y del público al que se dirigen y presupuestan su obra razonablemente. Estos últimos son los que más venden, los primeros conservan su orgullo y sus cuadros porque no han vendido ni uno.

La venta de obra gráfica y por supuesto los certámenes o concursos son otras de las vías a explorar. Pero principalmente, lo primero que les diría a los artistas que estén empezando es que no olviden que sus cuadros van a ser admirados por otros, y que está muy bien pintar desde uno mismo, pero no para uno mismo. El arte no tiene sentido sin espectadores que lo admiren.

‘El otro lado’ de PABLO ALFARO.

En la serie actual, podría decirse que hay varios elementos comunes que vertebran el hilo conductor que une a todas las pinturas: la fauna como elemento simbólico, el paisaje urbano, a veces camuflado en paisajes clasicistas y el arte urbano, los graffitis, que estoy usando como eslabones entre un cuadro y otro y que. por otra parte, me encanta pintar. Creo que es muy interesante introducir pintura dentro de la pintura, como en un ejercicio de metacine. Es ese ejercicio de metapintura el que quiero desarrollar en mis próximos cuadros, sin perder de vista todos los elementos anteriormente citados.

‘La senda’ de PABLO ALFARO.

En octubre voy a participar en una exposición colectiva “a cuatro” con mis compañeros y amigos de carrera Roberto Infantes, Gabriel Sosa y Juan Sánchez Borox. La exposición consiste en reinterpretar una serie de obras reconocidas de la historia del arte, adaptándolas a cada uno de nuestros estilos. Es un proyecto que me viene como anillo al dedo para desarrollar ese ejercicio de pintura dentro de la pintura que comentaba anteriormente. La exposición tendrá lugar en el Estudio de Arte Pablo Alfaro de Albacete durante el mes de octubre y me hace muchísima ilusión porque es la primera vez que vamos a exponer los cuatro juntos. Además de esa exposición colectiva, espero mostrar mi nueva serie de manera individual en el año 2020, pero todavía desconozco el lugar y la fecha concreta.

PABLO ALFARO trabajando en su estudio.

Podría citar decenas y decenas de obras que, a día de hoy, me siguen conmoviendo: las Venus de Boguereau, las ninfas y doncellas de Waterhouse, los paisajes de Friedrich, el Pablo de Valladolid y el Bufón Calabacillas de Velázquez (todo Velázquez en general), cualquier atardecer de Claudio de Lorena, El triunfo de la muerte de Brueghel, los paisajes de los fondos de los cuadros de Patinir, el Fusilamiento de Torrijos de Gisbert … ¿sigo?

‘Vado de un río’ de PABLO ALFARO.

¿Una ensoñación o deseo recurrente? Hacer una gran exposición individual en algún espacio grande, con algunas esculturas de gran volumen acompañando mis cuadros, algo que impactara y conmocionara de verdad. Desafortunadamente, no soy un ducho escultor y no tengo tiempo ni espacio para realizar unas esculturas semejantes, pero ¿quién sabe? Tiempo al tiempo.

 

PACO LAFARGA Sin alambradas

Edición: 
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid. 13/12/2018.


PACO LAFARGA EN ACCIÓN.

Empecé de niño, sentado en las rodillas de mi padre en aquella cocina de la calle Mayor, dibujando fondos marinos, con Lole y Manuel sonando en el radiocasete donde grabábamos mis fiestas de cumpleaños con los amigos. Con dieciocho años estuve a punto de irme a Madrid a estudiar Bellas Artes, pero para entonces yo seguía siendo un niño acurrucado entre las suaves manos de su yaya (siempre conmigo). Así que pronto desestimé la idea porque con esto no vas a comer, Paco / para esto no hay salidas. Y cuánta razón tenían los cabrones. Acabarás de profesor en algún colegio / ¡No, joder! ¡Yo quiero ser como Dalí! Conocí la obra de Antonio López, que me despertó un poco de aquel letargo. Decidí retomar, o más bien comenzar, siempre con el apoyo de mis padres y de la Tabu.  En mi vida se cruzó un señor, o tal vez lo busqué yo, el único verdadero artista vivo que conozco, el maestro Golucho, quien me acogió en su casa y me enseñó a descubrir hacia dónde fugan los sueños y el deseo, quien con su afilada mirada me trazó un sendero arriesgado y definitivo, lección de poesía y de vida. Y todo esto soy yo, o el yo que ahora soy, en construcción, como muchas de mis pinturas, busco la belleza inadvertida, el cuerpo y su sensualidad, la seducción de mi estudio, sus techos bajos de donde me crece gente, todo lo lo que no sé de mí.

Es obvio que me ajusto a unos parámetros realistas, quizá es con este lenguaje con el que más cómodo me siento, aunque es solo una excusa o una apariencia puesto que me interesa muchísimo lo que no se dice.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Me cuesta engancharme con algo, me aburro rápido. A la hora de pintar, intento no crearme expectativas porque a veces me anticipo, pinto el cuadro en mi cabeza, henchido de emoción, para luego desinflarme enseguida.  A veces, por ese motivo, ya ni lo empiezo, por ello necesito un vínculo emocional muy grande con lo que quiero representar, para no abandonarlo en mitad del proceso, solo disfrutarlo improvisando un lenguaje y que este se me olvide rápido y no se convierta en un método.  Está claro que me inclino por el ser humano, por los desnudos, la carne, la sensualidad, por escarbar, aunque sinceramente se me escapan de las manos los motivos por los que me decanto por algo en concreto y no por otra cosa.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
No diré cosas como que intento encontrarme a mí mismo a través de la pintura o que pretendo descubrir aspectos de mí que desconozco o que yo me expreso mejor pintando o simplemente —y que esto suene muy solemne, por favor— que yo no puedo vivir sin la pintura, que necesito crear, que es como el aire que respiro o que lo que intento es colmar de belleza el mundo para hacerlo un poquito mejor. Todo eso es MENTIRA.  Es evidente que estoy hablando de mí con cada pintura, pero no trato de invocar, concienciar, hacer visible, reivindicar, transgredir, etcétera.  Lo siento, es todo mucho más prosaico, solo me pongo a dibujar o a pintar lo que me apetece. Para mí la pintura es intuición, seducción, intimidad, deseo y, ante todo, evitar que la razón interfiera en todo este proceso tan extraño.  Desconozco por qué pinto, tampoco me importa. Yo solo intento convertir en pintura, de la forma más convincente, todo ese desorden de ideas y deseos, sin apenas planificación, sin alambradas.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Principalmente pinto para mí, y no digo esto como reclamo de creador marginado. Tampoco lo digo por todo lo contrario, como artista en la cúspide que se lo puede permitir. Lo digo porque siento que es así, porque no me queda más remedio, porque hay muy poquita gente que confíe o que apueste por mi trabajo, es decir el mercado del arte me es un poco ajeno. Comenzar una pintura con esa intención, con esa voluntad de independencia me parece acertado, te relaja, te apacigua y te ayuda a trabajar libremente. Por fortuna, somos más visibles que nunca gracias a las diferentes redes y esa es una buena forma de comunicación con el mundo para calibrar por dónde vamos, pero al mismo tiempo esto crea un caudal desorbitado de imágenes, excesiva competitividad y mucha ‘fast painting’ que muere al día siguiente de publicarse. Yo, a pesar de ese ingenuo deseo de pintar para mí mismo quiero mostrar lo que hago, porque vender un cuadro siempre es una celebración.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Cualquier creador podría aspirar a que los que deciden si su trabajo es bueno o no tengan un poco más de gusto. No tengo consejos, quizá confiar en uno mismo pero sin pasarse.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Golucho fue un antes y un después.  Conocerle allá por el 2005, justo después de la muerte de mi yaya, fue como tomar un rumbo y ‘decidir’ y unos meses antes, ver en compañía de la Tabu una exposición suya, estremecerme y sentir una emoción que ya no he vuelto a sentir en lo artístico.  Guardo aquel recuerdo como un tesoro.
OBRA SELECCIONADA DE PACO LAFARGA.
Una canción que me gusta mucho es ‘John Wayne Gacy Jr’ de Sufjan Stevens. Es pura delicadeza. ¿Una ensoñación recurrente? Tener el pelo de Bunbury en el vídeo ‘La chispa adecuada’, ¡qué pelazo! Para vosotros no tengo consejos. Pero, por favor Thalamus, no renunciéis a vuestros sueños, luchad por ellos … frasecitas hechas del doctor Lafarga.

JULIA SOBOLEVA A way to avoid insanity

Edición: Txetxu González
Traducción: Antonio Acosta
Corrección inglesa: Gina Rosemellia
thalamusxmagazine@gmail.com
Madrid/Manchester. 17/11/2018.


JULIA SOBOLEVA (©ALL RIGHTS RESERVED).

Julia Soboleva is UK-based, mixed-media artist. Her work is concerned with the notions of taboo, trauma, communication and the occult. Working with found imagery, Julia creates mysterious pieces with theatrical atmospheres, ominous overtones and absurd humour. She completed a Master’s Degree in Illustration from the Manchester School of Art in 2018 and she is currently working as an educator and a freelance designer.

Julia Soboleva es una artista de técnicas mixtas afincada en Reino Unido. Su trabajo está preocupado por las nociones de lo tabú, el trauma, la comunicación y lo oculto. A través de las imágenes que encuentra, Julia crea obras misteriosas con atmósferas teatrales, matices amenazantes y humor absurdo. Post-graduada con un máster en Ilustración en la Escuela de Artes de Mánchester (Reino Unido), trabaja actualmente como educadora y diseñadora independiente.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

I am trying to move towards light in my everyday life, but in my work it’s darkness that draws me in. Therefore, perhaps, I try to keep a balance of these seemingly opposite forces. In fact, light and darkness are two sides of the same coin. You see the gleaming surface, you flip it, and you discover dark forces pulsating just beneath it. I love seeing things emerge from darkness. It is bottomless.

Intento acercarme a la luz en la vida cotidiana pero en mi trabajo la oscuridad me atrapa. Por tanto, quizás, intento mantener un equilibrio entre estas fuerzas aparentemente opuestas. De hecho, la luz y la oscuridad son dos caras de la misma moneda. Ves la superficie reluciente, le das la vuelta y descubres las fuerzas oscuras golpeando del otro lado. Me encanta ver lo que emerge desde la oscuridad, es ilimitable.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

Creativity is a way to avoid insanity. I do art because it is the closest thing to truth for me. I feel like language, as a system, often fails to serve as an adequate communication tool. The instinctual, irrational, intuitive side of human nature often does not fit the logical, systematic, coherent quality of language. I use visual art to communicate all the information that I can’t deliver through language.

Another important aspect driving my creativity is discipline and the tireless application of work ethics. Regardless of my mood or the presence or absence of inspiration. I am trying to show up for my work every day. During each creative session it is essential for me to temporarily dissociate myself from the results of my work. This state of detachment creates a psychological resistance to the disruptions of self-doubt or self-assurance in my process. All I have to do is show up and what comes out of the process of creation is not entirely my responsibility. Filmmaker David Lynch famously refers to his creative process as catching fish. Desiring an idea is like baiting a hook and waiting for a fish to bite. If you catch a small fish, Lynch says, bigger fish will follow.

La creatividad es una manera de evitar la locura. Hago arte porque es lo más cercano a la verdad para mí. Siento que el lenguaje, como sistema, a menudo fracasa como una herramienta adecuada de comunicación. El lado instintivo, irracional, intuitivo de la naturaleza humana no encaja a menudo dentro de la naturaleza lógica, sistemática y coherente del lenguaje. Uso el lenguaje visual para comunicar toda la información que no puedo expresar a través de las palabras.

La disciplina y la incansable aplicación de la ética laboral es otro aspecto importante que tengo en cuenta cuando pongo en práctica mi creatividad. Independientemente de mi estado de ánimo o la presencia o ausencia de inspiración, intento ponerme a trabajar todos los días. Durante cada sesión creativa considero esencial disociarme temporalmente de los resultados de mi trabajo. Este estado de desapego crea una resistencia psicológica a las interrupciones producidas por la baja autoestima o la confianza en uno mismo. Todo lo que tengo que hacer es ponerme a trabajar y el resultado del proceso de creación no es completamente mi responsabilidad. El director David Lynch asemeja con gran acierto este proceso creativo con la pesca. Desear una idea es como colocar un cebo y esperar que un pez muerda el anzuelo. Si capturas un pez pequeño, según Lynch, un pez más grande le seguirá.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

 

I use intuition as my method. I am enchanted with the simplicity, rawness and directness of this approach. At times, it is  challenging to switch from a rational/careful/calculating frame of mind to a flowing/playful/wild mood. I am intentionally avoiding the urge to rationalise, interpret or clarify the meaning behind my work, instead tuning in to the actual process of creating. In the process of piercing through the surface of one reality – I find another reality lurking just underneath it.

I sometimes try to analyse my work and find meaning behind it. But the more I do it, the more I realise that some questions should be left unanswered. The urge to rationalise and explain things that are unexplainable, which are impossible to decode through language is often inappropriate. The distance between original meaning and interpretation contains the invisible disassembling and reassembling of meaning/intent, and often, as a result of this process, some vital parts of the original intent are lost. It is like there is uncomfortable silence between people in the room and everybody feels tense and edgy. Often this silence speaks volumes and holds a lot of meaning, however uncomfortable it is to accept it. Somebody breaks the silence with some meaningless remark and everybody feel instantly relieved, but the truth remains hidden in the silence.

Uso la intuición como método. Estoy encantada con la simpleza, la crudeza y la franqueza de este acercamiento. En ocasiones, supone un reto pasar de un estado mental racional/cuidadoso/calculado a un estado de ánimo fluido/alegre/salvaje. Intencionalmente evito la necesidad de racionalizar, interpretar o clarificar el significado detrás de mi obra en lugar de sintonizarlo con el proceso creativo propiamente dicho. En el proceso de penetrar a través de la superficie de una realidad, encuentro otra realidad al acecho justo debajo.

A veces intento analizar mi obra y encontrar un significado detrás. Pero cuanto más lo hago, más me doy cuenta de que ciertas preguntas deberían dejarse sin contestar. La necesidad de racionalizar y explicar cosas que son inexplicables, que son imposibles decodificar mediante el lenguaje suele ser inapropiada. La distancia entre el significado original y la interpretación contiene el invisible desarmado y rearmado de la dicotomía significado/intención y, a menudo, como resultado de este proceso, algunas partes vitales de la intención original se pierden. Es como si existiera un silencio incómodo entre la gente en una habitación y todo el mundo se sintiera tenso e inquieto. A menudo este silencio lo dice todo y es capaz de contener gran cantidad de significado, de todos modos, lo incómodo es aceptarlo. Alguien rompe el silencio con un comentario inapropiado y todas las personas se sienten aliviadas inmediatamente, pero la verdad permanece escondida en el silencio.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

We blame society, but we are society. I never think about feeling comfortable within current art market. To be fair I don’t even know what ‘art market’ truly means. ‘Art’ and ‘market’ – it is an awkward word combination. ‘Art’ and ‘death’ sounds better. It is tough making a career in art, it has always been. Following your  intuition and continuously doing the next right thing is perhaps the best thing an artist can do to build a career within their niche.

Culpamos a la sociedad, pero somos la sociedad. Nunca pienso en sentirme cómoda en el mercado del arte actual. Si soy sincera, ni siquiera sé lo que significa realmente ‘mercado del arte’. ‘Arte’ y ‘mercado’ es una combinación de palabras inoportuna. ‘Arte’ y ‘muerte’ suena mejor. Es difícil ganarse la vida con el arte, siempre lo ha sido. Seguir tu intuición y hacer continuamente lo correcto es quizás la mejor forma en la que un artista puede construir su trayectoria dentro de su vocación.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

I don’t have an ideal of life and I doubt there is an ideal at all. Expectations prevent us from fully being present in this very moment. And this very moment, as far as I know, is the only real thing we have. Well, maybe I would like to have a bit more sleep. As a mum of a two-year-old boy, I qualify for one expectation in life – more sleep.

No tengo un ideal de vida y dudo si hay alguno en absoluto. Las expectativas nos impiden estar completamente presentes en este momento preciso. Y este momento preciso, hasta donde sé, es lo único real que tenemos. Bueno, quizás me gustaría dormir un poco más. Como madre de un niño de dos años, cumplo los requisitos para una expectativa en la vida: dormir más.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

Lately, I have been looking for ways to introduce new mediums into my work like photography, film or performance. So I am very excited to be involved in a collaboration with the a very talented Welsh photographer. All I can say at this point is that it is going to be dark, ambiguous, theatrical and sexy.

Últimamente he estado buscando maneras de introducir nuevas técnicas en mi trabajo como fotografía, cine o performance. Por ello estoy muy entusiasmada de colaborar con un fotógrafo galés de gran talento. Todo lo que puedo decir en este momento es que será oscuro, ambiguo, teatral y sexy.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

I am not sure whether my white-masked characters are humans or automatons, whether they feel or act. Roland Barthes, in his renowned book ‘Camera Lucida’, compares the relation between the Photograph and death to the original relation of the theatre and the cult of the Dead. He argues that for the actor ‘to make oneself up was to designate oneself as a body simultaneously living and dead’. (He calls photography a ‘primitive theatre’ – ‘a figuration of the motionless and made-up face beneath which we see the dead’). This reference is perhaps the closest interpretation of my characters I could find. The meaning behind my characters is always interwoven with the actual process of creation, taking into account the quality of working with found photographic imagery and its context.

As for the bleeding part, perhaps I made my characters bleed out of intolerance of their unattainability, out of a childlike desire to break open a toy and see what’s inside. On a personal level, in the context of adapting to different cultures and scuffling between three languages – I have always had a troubled relationship with words. This blood around the mouth might be an injury caused by a spoken word, or maybe an incubation of a repressed memory. It is a taboo, it is terminally unspoken, it is beyond alteration.

No estoy segura si mis personajes con máscaras blancas son seres humanos o autómatas, si sienten o actúan. Roland Barthes, en su reconocido libro ‘La cámara lúcida’, compara la relación entre la fotografía y la muerte con la relación original del teatro y el culto de la muerte. Él argumenta que para el actor, “constituirse a sí mismo* era designarse a uno mismo como un cuerpo vivo y muerto simultáneamente”. (Él llama a la fotografía ‘teatro primitivo’, una simbolización de la cara sin movimiento y maquillada por debajo de la cual vemos la muerte’). Esta referencia es quizás la interpretación más cercana de mis personajes que puedo encontrar. El significado detrás de mis personajes está siempre vinculado con el proceso de creación propiamente dicho, teniendo en cuenta la calidad del trabajo con una imaginería fotográfica encontrada y su contexto.

En cuanto a la sangre, quizás hago que mis personajes sangren desde la intolerancia ante sus metas inalcanzables, desde el deseo infantil de abrir un juguete y ver lo que hay en su interior. A nivel personal, en el contexto de adaptarse a diferentes culturas y pelearse entre tres lenguas, siempre he tenido una relación problemática con las palabras. Esta sangre alrededor de su boca puede ser una herida causada por una palabra dicha, o quizás por la incubación de una memoria reprimida. Es un tabú, terminalmente sobreentendido, más allá del cambio.

JULIA SOBOLEVA (©all rights reserved).

My technique involves painting on top of a found photographic image – whether it’s a cutout from a vintage magazine or an old unwanted photograph found in a flea market. I mainly use chalk pens, acrylic paints and oil-based artist markers. Instead of a brush, I often use my fingertips. I have learnt to work very fast because due to parenting responsibilities I have very limited time to create. Taking this time limitation as a challenge (and not as restriction), I have learnt to prioritize tasks and be as productive as I can.

Mi técnica implica pintar sobre una fotografía encontrada – bien sea, un recorte de una revista vintage o una fotografía abandonada encontrada en un mercadillo. Uso principalmente rotuladores de tiza, pintura acrílica y rotuladores especiales con base de aceite. En lugar de un pincel, a menudo uso mis dedos. He aprendido a trabajar muy rápido debido a que mis responsabilidades como madre me dejan un tiempo muy limitado para crear. Tomando esta limitación temporal como un reto (y no como una limitación), he aprendido a priorizar tareas y ser todo lo productiva que sea capaz.

 

*Nota del traductor: He utilizado para llevar a cabo mi traducción expresiones propias del lenguaje inclusivo, por ello, en ocasiones encontramos giros semánticos o sintácticos para evitar un uso androcéntrico del lenguaje. *Realizo una excepción aquí al ser una cita literal.

 

FEDERICO GRANELL Una silueta que camina

Edición: 
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid. 28/07/2018.


Federico Granell. Dibujante compulsivo desde que tiene recuerdo, formado en la Universidad de Salamanca (Bellas Artes, especialidad de Diseño), descubrió en su estancia en la Accademia di Belli Arti de Roma que tenía claro que quería dedicarse a la pintura. Federico cuenta con una larga trayectoria en exposiciones nacionales e internacionales, así como en ferias de arte como JustMad o Sculto. Ha sido galardonado con numerosos premios y, para nuestra fortuna, su capacidad creativa goza de una constante proyección hacia el futuro.

Mis primeras influencias fueron unos libros de Hopper, el Picasso de la época azul, Monet y Degas, los miraba y remiraba, luego llegaron Balthus, Hockney, Warhol, Friedrich, Antonio López, Juan Muñoz, Bacon … cada uno me ofrecía algo nuevo, una nueva mirada, supongo que de ahí ha salido mi estilo, buscando la belleza en los sitios cotidianos, en los momentos tranquilos de observación, en la luz de un atardecer, en las fotos de familia antiguas, en interiores misteriosos, en una silueta que camina, en la costa Cantábrica, sobre todo Asturias, que es una fuente inagotable de imágenes guapas.

ESCULTURA DE FEDERICO GRANELL.

La música, la arquitectura, una buena exposición, los viajes, el entorno, la familia, los amigos, una charla, un sueño … todas esas cosas mantienen mi creatividad viva. Me nutro de muchas fuentes, vivimos en el momento de la imagen, todo fluye veloz y el dibujo es una de las cosas que más disfruto y más me activan, la acuarela es una técnica muy inmediata, una manera de jugar y divertirme en los cuadernos Moleskine. Pensar una canción en intentar atraparla en una imagen es un juego que no me cansa, al contrario, es adictivo.

La Moleskine de FEDERICO siempre nos trae alguna escena memorable.

Mi trabajo es un conjunto de ideas pero la más recurrente es el tiempo, el paso del tiempo y la necesidad de atraparlo, la memoria también me interesa, la belleza en la decadencia de los sitios abandonados, el tema de la familia y la infancia. La vida y la muerte, todo lo relacionado con el Romanticismo y el Barroco. La soledad y la melancolía. La mística del paseante, del flâneur. Viajar por el placer de viajar, a veces el objetivo es lo menos importante y el propio trayecto inspira.

Más páginas de FEDERICO GRANELL.

El mercado del arte está evolucionando, las redes sociales te hacen visible a nivel mundial, así que es un momento muy excitante para el artista, ver lo que hacen otros artistas antes siquiera de que se exponga y darte cuenta que estás en la misma onda a pesar de la distancia. Hilos invisibles con artistas de todo el mundo.

‘Villa Excelsior’ de FEDERICO GRANELL.

El desafío para cualquier artista es ser fiel a uno mismo y no seguir modas que van y vienen. Ser auténtico. No soy muy de dar consejos pero diría que lo más importante es disfrutar siempre con lo que haces, pues eso se transmite y la gente disfrutará viéndolo.

Escultura de FEDERICO GRANELL.

Normalmente empiezo dibujando en un cuaderno de ideas, casi todo lo que hago viene de ahí, la pintura es mi medio de expresión habitual al que le dedico casi todo mi tiempo pero a veces necesito trabajar en la escultura para representar alguna idea más compleja y surrealista, me gusta combinar en la exposiciones pintura y escultura, se apoyan y se refuerzan. La escultura tiene un proceso más lento y más costoso por eso hay que pensarse bien qué dibujo del cuaderno pasar a 3D.

FEDERICO GRANELL y sus criaturas.

Los proyectos futuros que tengo son varias exposiciones para el 2019 en Gijón en la galería Gema Llamazares y en Madrid en la galería Utopía Parkway, además de otra en el la Sala 1 del Antiguo Instituto Jovellanos de Gijón. Aparte estoy trabajando en una edición limitada de 25 dibujos del cuaderno de canciones con Litografía Viña y Alchemy Prints que esperamos salga a la luz en otoño.

Más páginas del Moleskine de FEDERICO GRANELL.

Obras de arte que me siguen conmoviendo: ‘Los corredores’ de bronce del Museo Arqueológico de Nápoles, el fresco del jardín de Villa Livia, ‘El éxtasis de Santa Teresa’ de Bernini, ‘Alegoría de la primavera’ de Botticelli, ‘La vocación de San Mateo’ de Caravaggio, ‘Las Meninas’ de Velázquez, ‘El cortejo de los Reyes Magos’ de Benozzo Gozzoli, ‘El entierro del Conde Orgaz’ de El Greco, ‘Guernica’ de Picasso, ‘Nighthawks’ de Hopper, cualquier cuadro de Morandi, ‘A Bigger Splash’ de Hockney, ‘Sternenfall’ de Anselm Kieffer, los chinos sonrientes de Juan Muñoz, una jaula de Louise Bourgeoise, ‘Il giocoliere’ de Antonio Donghi es uno de mis últimos descubrimientos … y podría estar así sin parar.

FEDERICO GRANELL.

Una canción importante van a ser dos: La noche inventada de Family, uno de mis grupos favoritos y hasta hice un vídeo de stop-motion hace años con dibujos en cuadernos, se puede ver en youtube. La otra es la canción de Charles Trenet ‘Que reste t-il de nos amours’, una letra melancólica a más no poder con la que me identifico totalmente.

‘Orly III’ de FEDERICO GRANELL.

Una ensoñación o deseo recurrente es poder volar. Es uno de esos sueños que se repiten y que siempre hacen que me levante de la cama con buen humor.

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