Art archivos - THALAMUS

MERCEDES HELNWEIN Something fishy about the mundane

Edición:
Txetxu González
Traducción:
Antonio Acosta
Corrección inglesa: Gina Rosemellia
thalamusxmagazine@gmail.com
Madrid/Los Ángeles. 17/03/2019.

Mercedes Helnwein was born in Vienna, Austria. She moved to Ireland with her family in her teens, where she spent her time writing and drawing. Consciously choosing not to attend art schools, Helnwein developed a distinct visual style that remained fully untouched by outside opinions, peers or fads. Instead she drew her inspiration from personal influences, ranging from Southern Gothic traditions to the cartoons of Robert Crumb, nineteenth Century Russian literature, American motel culture and the Delta blues, amongst others.

Her first art shows were self-instigated, unorthodox one-night events in Los Angeles often with one or two other inexperienced young artists, most commonly photographer Alex Prager. Sponsored by various alcoholic beverage companies, magazines, and unlikely supporters such as Land Rover, these shows generated a surprisingly genuine response and enabled Helnwein to continue developing her ideas, styles and experimenting with her interests and themes. She exhibited regularly in Los Angeles during this period at the Merry Karnowsky Gallery, as well as in Europe, steadily garnering interest and collectors, amongst them Damien Hirst, who bought out a London show.

Her novel “The Potential Hazards of Hester Day” was published by Simon & Schuster in 2008, and in French by La Belle Colére in 2014 as “La Ballade d’Hester Day”. Her second novel is in the process of being edited.

Mercedes Helnwein currently lives and works in downtown Los Angeles and Ireland.

Mercedes Helnwein nació en Viena, Austria. En su adolescencia se mudó a Irlanda con su familia, donde pasaba el tiempo escribiendo y dibujando. Eligiendo de manera consciente no asistir a escuelas de arte, Helnwein desarrolló entonces un estilo visual distintivo que permaneció totalmente al margen de opiniones externas, compañeros o modas. En lugar de esto, ella encontró inspiración en sus propias influencias personales, que abarcan desde la tradición sureña y gótica de los dibujos animados de Robert Crumb, la literatura rusa del siglo diecinueve, la cultura de motel norteamericana y el Delta blues, entre otros.

Sus primeros espectáculos artísticos fueron promovidos por ella misma, eventos de una noche y poco ortodoxos en Los Ángeles, con uno o otros dos artistas jóvenes inexpertos, muy frecuentemente con la fotógrafa Alex Prager. Apoyados por varias compañías de bebidas alcohólicas, revistas y patrocinadores atípicos como Land Rover, estos espectáculos generaron una respuesta sorprendentemente genuina y permitieron a Helnwein continuar desarrollando sus ideas, estilos y experimentando con sus intereses y temáticas. Durante este mismo período, Mercedes expuso regularmente en Los Ángeles en la Galería Merry Karnowsky, así como en Europa, ganando constantemente interés y coleccionistas, entre ellos Damien Hirst, quien compró un espectáculo en Londres.

Su novela “The Potential Hazards of Hester Day” fue publicada por Simon & Schuster en 2008, y en francés por La Belle Colere en 2014 como “La Ballade d’Hester Day”. Su segunda novela está en proceso de edición.

Mercedes Helnwein actualmente vive y trabaja en Los Ángeles e Irlanda.

Beauty is a must, if it is flawed enough. You gotta have darkness, although in theme more than necessarily literal darkness of tone. And preferably you balance it with humor. And as for color, I’ve slowly gained the courage over the last few years to actually use all the crazy colors that I initially stayed away from. I’ve progressed from relatively monochrome imagery (grays, blues, greens) to full on everything –yellow, pink, neon green– you name it. It really did take me a long time feel okay with that kind of loud color –scheme though– and to figure out how to retain the darkness with bright colors.

La belleza es una obligación, si es lo suficientemente imperfecta. Debes tener oscuridad, si bien en el tema más que necesariamente en el tono. Y preferiblemente lo equilibras con humor. Y en cuanto al color, he ganado confianza poco a poco durante los últimos años para, en efecto, usar todos los colores alocados de los que me alejaba al principio. He evolucionado desde diseños prácticamente monocromos (grises, azules, verdes) hasta llenos de colores -amarillo, rosa, verde neón- por mencionar algunos. Realmente me costó un tiempo sentirme a gusto con este tipo de paleta de colores tan llamativa y entender cómo contener la oscuridad con colores brillantes.

Everything in my work is based on the potentiality of a story. I’m always an audience member when it comes to my own work. I have to be entertained by the promise of a story, or I’m not interested. I don’t need to know all the details of the story –it doesn’t need to hit me over the head– but I want an image to be an entrance point to something. A rabbit hole.

I love the idea that there’s something fishy about the mundane. A lot of the reference material I gravitate to are really normal American family or school scenes, borderline boring moments of uneventful life. The challenge then is to make it work, and bring across the idea that although technically nothing is off in the scene, everything is potentially totally off.

I’m a Stephen King fan for a reason –he’s the best at putting you in innocuous settings– normal people, normal lives, normal towns, and then making everything go slowly weird.

Todo en mi obra artística está basado en el potencial de una historia. Soy siempre una espectadora cuando se trata de mi propio trabajo. Tengo que estar entretenida por la promesa de una historia, o no estoy interesada. No necesito conocer todos los detalles de esa historia, no necesita pegarme en la cabeza, pero quiero una imagen que sea la puerta de entrada hacia algo. Una madriguera.

Me encanta la idea de que haya algo sospechoso sobre lo mundano. Gran parte del material de referencia por el que me siento atraída está compuesto por familias americanas normales o escenas escolares, al borde de momentos aburridos de vida sin contratiempos. El reto entonces es hacer que funcione y transmitir la idea de que aunque técnicamente nada está fuera de la escena, todo lo está potencialmente.

Soy fan de Stephen King por una razón, él es el mejor situándote en escenarios anodinos, gente normal, vidas normales, ciudades normales y, entonces, hacer que todo se vuelva raro paulatinamente.

I’ve never thought of myself as a “woman artist”. I was lucky enough to have grown up in an atmosphere where gender was irrelevant. I have three brothers, and there was never any kind of difference between how they were encouraged or I was. Our parents fully supported whatever we wanted to do in life, and even as a young artist and as an adult, I’ve been lucky in not having run into any sexist hurdles in the world. This good luck let me develop artistically very freely, with zero attention on what gender I am and what this means in terms of my art.

I know it’s not the same for many women out there. I know there are plenty of challenges for girls and women who are trying to have a career, so it’s good to see that things are changing.

As far as the art market is concerned: I don’t think it has very much to do with art in the fist place, so it would be disappointing if you tried to play that game or interact with the art market, expecting it to be actually hinged on art. It seems to have more of a stock-market vibe and is controlled by people who are not artists. And although there is definitely some great art to be found at the top and some amazing passionate people, the majority of the choices are pretty random at best. It’s just what it is, you have to see it as such, and it’s fine.

There’s always the question of what is art? Is art Rembrandt? Yes for sure, but then is it also a bench in a gallery turned upside down? Why? What makes that bench a work of art? Especially after we’ve already had decades of benches turned upside down and rocks piled into a corner, so that the theory of any of that being outrageous or groundbreaking is mute. So what is it?

It’s confusing, and most people don’t have time to play mind-tricks with themselves in order to understand why a tire on a wall at Art Basel is art. It’s like weird homework that reaps no rewards. Why put yourself through that if you’re not being paid for it or something? And I think that’s a major failure on the part of the “art”. I’m not saying art should be catered explicitly to the masses like a Youtube video about cats doing funny stuff, but I do think it should be a tad more potent generally speaking, enough to have the power to cause impact beyond the small stock-market confines of the art world. Enough to stop someone on the street –someone who doesn’t care about art– and outrage them, challenge them, transport them, make them think, feel, react, shift into new viewpoints, cry, laugh. Or no?

Nunca pensé en mí como una “mujer artista”. He tenido la fortuna de haberme criado en un ambiente donde el género era irrelevante. Tengo tres hermanos y no hubo nunca ninguna diferencia entre cómo los estimularon o cómo lo hicieron conmigo. Nuestros padres apoyaron por completo todo lo que quisimos hacer en la vida, he tenido suerte de no haberme encontrado con ninguna traba sexista en el mundo. Esta buena suerte me permite desarrollarme artísticamente con mucha libertad, sin prestar atención al género que tengo y lo que significa en cuanto a mi trabajo.

Sé que no es lo mismo para muchas mujeres ahí fuera, sé que hay muchos retos para niñas y mujeres que están intentando tener una carrera profesional, por lo que es bueno ver que las cosas están cambiando.

En lo que concierne al mercado del arte: no creo que tenga mucho que ver con el arte en primer lugar, de hecho, sería decepcionante si intentaras jugar ese juego o interactuar con el mercado artístico esperando que esté verdaderamente supeditado al arte. Tiene más bien una atmósfera de mercado de valores y está controlado por gente que no es artista.

Y a pesar de que hay definitivamente arte de calidad que se puede encontrar, la mayoría de las elecciones son relativamente aleatorias en el mejor de los casos. Es justo lo que es, tienes que verlo como tal y está bien.

Siempre está ahí la pregunta de qué es el arte. ¿Es arte Rembrandt? Sí, por supuesto, pero entonces, ¿lo es también un banco puesto boca abajo en una galería? ¿Por qué? ¿Qué convierte a un banco en obra de arte?, especialmente después de que hayamos tenido décadas de bancos boca abajo y rocas apiladas en una esquina, de modo que la teoría de que son escandalosos o rompedores se apague. Entonces, ¿qué es?

Es confuso, y la mayoría de la gente no tiene tiempo para jugar trucos mentales con ellos mismos para entender por qué un neumático en la pared en el Art Basel es arte. Es una especie de tarea bizarra que no aporta ninguna recompensa. ¿Por qué someterse a ella si ni siquiera te pagan por hacerlo? Y creo que es uno de los mayores fracasos con respecto al “arte”. No estoy diciendo que el arte debería ser servido explícitamente a las masas para satisfacer una demanda como un vídeo de gatitos haciendo cosas divertidas en Youtube, sino que pienso que debería ser un poco más potente en general, al menos lo suficiente como para tener el poder de causar impacto más allá de los límites del pequeño mercado del arte. Suficiente como para parar a alguien en la calle -alguien a quien no le importa el arte en absoluto- y escandalizarlo, cambiarlo y transportarlo, hacerle reflexionar, sentir, reaccionar, pensar en nuevos puntos de vista, llorar, reir. ¿O no?

I would like to have unlimited time and funds to realize all the ideas that pile up inside of me, even if they seem ridiculous. That’s a pretty ideal scenario. Freedom in life to concentrate on artistic problems.

Me gustaría tener tiempo ilimitado y medios para llevar a cabo todas las ideas que se amontonan en mi interior, incluso si parecen ridículas. Es una perspectiva bastante ideal. Libertad en la vida para concentrarse en los problemas artísticos.

I just finished writing a young adult novel called Slingshot that will be coming out next year. It’s the story of the simultaneous beauty and the shitstorm of first love. I think love is one of the great subject matters out there – and one of the easiest to inspire really bad writing. But if it’s well written, it can be so good, because being in love makes people nuts – and instantly you have a story.

Acabo de terminar de escribir una novela para jóvenes adultos llamada Slingshot que se publicará el año que viene. Es la historia de la simultanea belleza y la tormenta de mierda del primer amor. Creo que el amor es uno de los grandes temas ahí fuera, y uno de los más fáciles para inspirar literatura realmente mala. Pero si está bien escrito, puede ser muy bueno, porque estar enamorado vuelve muy loca a la gente y de manera inmediata tienes una historia.

Currently I mainly work with oil pastel on paper. I guess this came about because I used to work obsessively in the medium of drawing, but eventually found it to be too restrictive and claustrophobic. I had a box of oil pastels lying around at the time and a large roll of paper and decided to see what happens. From there I just fell in love with that medium. The end result were paintings on paper, but you approached it like a drawing and you could go as big as you want, and there was a whole world of colors I hadn’t been exposed to before.

I also liked the fact that oil pastel on paper wasn’t a big medium that other people were using, and so I felt like I could make myself at home there and just create a unique style that was mine.

Actualmente trabajo principalmente con pasteles al óleo sobre papel. Supongo que esto ocurrió porque solía trabajar obsesivamente en dibujo, pero en última instancia lo encontré demasiado restrictivo y claustrofóbico. En aquel momento, tenía una caja de pasteles al óleo por ahí y un rollo de papel largo y decidí ver qué pasaba. Desde entonces, me quedé prendada de ese medio artístico. El resultado final fueron pinturas sobre el papel, pero lo abordaba como un dibujo y podía hacerlo tan grande como quisiera, y me encontré con un gran mundo de colores a los que nunca había estado expuesta antes.

Me gustó también el hecho de que el pastel al óleo no era un gran medio que otras personas estuvieran usando, lo que hizo que me sintiera como en casa, y acabe creando un estilo único que era solo mío.

I have never been to Spain, but I’ve always felt I need to go there someday. I think my name alone demands it. I grew up in Austria and Germany where the name Mercedes means a car. The kids on the playground always thought my mom was crazy and calling her car.

I love Goya, thanks to my dad. He has a big collection of Goya etchings that are mind blowing. I can’t wait to visit the Prado. And I also feel like there is a sensibility in Spain to art that I can relate to. Over the years I’ve gotten continual interest in my work from Spain, despite the fact that I’ve never been there and never shown there. So there must be some connection.

Nunca he estado en España, pero siempre he sentido la necesidad de ir allí algún día. Pienso que mi nombre solo lo reclama. Me críe en Austria y Alemania donde el nombre Mercedes hace referencia a un coche. Los niños del parque siempre pensaban que mi madre estaba loca y que llamaba a su coche.

Me encanta Goya gracias a mi padre. Él tiene una gran colección de grabados que son alucinantes. No puedo esperar para visitar el Prado. Y también siento que hay una sensibilidad en España en relación con el arte en la que puedo verme reflejada. A lo largo de los años, ha habido un interés continuo hacia mi trabajo desde España, a pesar de que nunca he estado y nunca he expuesto allí. Por lo que debe haber alguna conexión.

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HORACIO QUIROZ La condición humana inmersa en su dualidad

Edición:
Txetxu González
thalamusxmagazine@gmail.com
Madrid/Ciudad de México. 03/04/2019.

Afincado en Ciudad de México, Horacio Quiroz comienza sus estudios de pintura, de forma autodidacta, en el año 2013. Ese mismo año, motivado por su pasión hacia las artes visuales, decide dejar la publicidad para dedicarse por completo a la actividad artística. Durante los últimos años se ha lanzado en una nueva trayectoria vital y profesional, experimentando con varias técnicas propias de representación pictórica que le han guiado en la definición de su visión e identidad como artista. Este cambio en su vida ha dado lugar a una profunda introspección personal, estrechamente vinculada a lo que ahora da forma a su cuerpo de trabajo.

Creo que el cuerpo es el receptáculo de nuestra historia espiritual en este plano en el que vivimos. Es a través del cuerpo que aprendemos día a día la experiencia humana. La identidad y la anatomía son complementarias y opuestas, no puedes tener conciencia respecto de ti mismo y de lo que te hace diferente a los demás sin estas dos variables. El miedo para mí es la emoción que acciona al mundo en su mayoría, el trabajo está en hacerlo consciente para transmutarlo y poder actuar desde otro lugar más caritativo. La belleza no está en el resultado de la trasmutación sino en el proceso de catalización y cambio.

Creo que propiciar espacios de paz mental, deshacerse del discurso interno que continuamente hace ruido en la cabeza ayuda bastante a mantener la creatividad viva y funcionando. Olvidarse del móvil y el trabajo durante ciertos períodos de tiempo tampoco me vendría mal. Cuando estableces estos parénesis o espacios de no pensar, dentro de la rutina de trabajo, la creatividad surge sola. Creo que releer el “Catching the big fish” de David Lynch no me vendría mal en estos momentos.

Creo que mi trabajo es emocional, catártico, confrontativo y que está lleno de dudas. Mientras trabajo invoco a la concentración, me distraigo muy fácil.

No me siento cómodo del todo con las sinergias que genera el mercado del arte en la actualidad, pero hay que tratar de adaptarse. Gracias a los avances tecnológicos somos víctimas de la inmediatez, todo es cada vez más rápido y el mismo mercado exige al creador la misma prontitud con la que avanza el mundo, pero para mí la pintura es un ejercicio que no puede modificar sus tiempos de producción. Algo a favor es que las redes sociales están devolviendo autonomía al artista dentro del mercado del arte, de forma que puedes trabajar con galerías y tener clientes en prácticamente cualquier parte del mundo, sin estar limitado a la burocracia del mercado de tu país.

Creo que el mercado del arte en México empezó a ocupar un lugar de importancia y crecimiento desde hace más de diez años, con el surgimiento de las ferias de arte internacionales que tienen lugar en mi país, pero incluso así falta todavía mucha diversificación y madurez en el mercado del arte en México. Falta educación en el coleccionismo, impulso a los nuevos coleccionistas y democratización hacia todos los tipos de arte. Como pintor figurativo en México extraño los circuitos bien establecidos que existen en el Reino Unido, Australia o Europa, donde cuentan con publicaciones, galerías y ferias que impulsan y validan conjuntamente el trabajo de los pintores figurativo-surrealistas.

Mi consejo para los artistas que están empezando es que no se comparen. La carrera de un artista es única. También es muy necesario que planifiquen, en lo posible, sus finanzas.

El hilo conductor que une la mayor parte de mi trabajo es la reflexión sobre la condición humana, inmersa en la dualidad.

Prefiero no pensar en el futuro, es mejor trabajar y estar listo para cuando las oportunidades llamen a la puerta.

Si tuviera que mencionar a un artista que, aún hoy, me sigue conmoviendo ese sería Egon Schiele.

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ENERO #4

ENERO, 2019

¿Qué pintamos aquí?

Nos cuentan que hace 367 días desde que THALAMUS MAGAZINE salía con su primer número, cargadita de temores y gracias al empuje y talentos de gente que nos dijo que sí sin conocernos de nada. Hemos perdido la cuenta de la cantidad de nudos resquebrajados que han quedado atrás. Volvimos a tierra temblorosa hace apenas un mes. No es la primera vez que hablamos de neofascismo aquí. Solo añadiremos una pequeña nota más a este respecto: podrán zarandear algunos cimientos, pero nosotras permanecemos más firmes que nunca. Los pasos atrás se conjugan en tercera persona del plural.

Alguien, durante la cena del veinticuatro de diciembre, nos pregunta ¿qué es THALAMUS? Y las respuestas se multiplican segundos después: una revista, una plataforma, un hilo, un rompehielos, un acto de resistencia, una semilla, un grito, un rumbo, una expedición, un zaguán con casco y chimenea, una excusa rara, una falla en la comunidad. Es posible que, en parte, seamos todo eso pero, en los días posteriores y de más allá, hemos tenido tiempo suficiente para comentarlo y creemos haber consensuado una respuesta más certera: THALAMUS es aquel pingüino emperador solitario, de aproximadamente un metro de altura, que nos encontramos hace muy poco sobre la banquisa del mar de Amundsen. Nos miraba desafiante y con calma, a más de quince grados bajo cero, y sus ojos también contenían un mensaje para el resto del mundo: aquí no pintáis nada.

Por aquel entonces, ese mensaje se mezcló con las noticias que recibíamos desde el sur y desde otras partes del mundo. ¿Qué hacían allí todos esos votos, todos esos muros, esas amenazas, esos terraplenes y esa baba tóxica? Claro que sobrevino el temblor, claro que por supuesto hubo debate. ¿Qué rumbo fijamos ahora? Nos quedamos un buen rato en silencio. Entonces recibimos las primeras obras de Íñigo. No olvidaremos el ‘zumbidito/mensaje entrante’ de aquel primer bálsamo. Y horas, días más tarde, la sinfonía continuó a ritmo imparable: llegó lo de Julia, lo de Fede y también lo de Paco. Después, los poemas de Violeta, Javier, Laia, Ángel, Francisco, Jèssica o Juando se colaron por debajo de las puertas de cada camarote, lo mismo que las ilustraciones de Merlijne y Asis. La tinta mágica de Celeste aderezó cada guiso y los libros/apuestas de Lola, Alberto, Miguel Ángel, Nathalie, Julio y de veinticinco jóvenes andaluces nos insuflaron una pizquita más de determinación. No lo creímos cuando ya ‘fuera de plazo’ recibimos aquellos relatos salvajes de Rosetta, Sara, Déborah, Lucía y Rubén. ¿Y qué podemos decir de las fotos de Montse y Valiente, de las reflexiones de Asier? Claro que hubo lágrimas, claro que sobrevino el temblor, claro que hubo debate. ¿Qué rumbo fijamos ahora? RESPUESTA: ENERO, 2019. Año de celebración. Sí, de celebración. Porque cumplimos un año y, sobre todo, porque estamos listas para resistir, porque habremos de pintar y atravesar, más y mejor, allí donde se yerga la rifa en el lenguaje o la chorrada más irracional. Porque prometemos no poner, jamás, la otra mejilla.

Disfruten sin medida la medicina que aquí se dispensa. Está permitida, es aconsejable, la sobredosis.

Madrid-Barcelona-Las Palmas de Gran Canaria / ENERO, 2019. ©Equipo de THALAMUS MAGAZINE para todas las estaciones públicas de penitencia.

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MERLIJNE MARELL Viaje a Estocolmo

Edición:
Leticia Delgado
Andrea Farré
ltcdelgado@gmail.com
andrea.farre@gmail.com
Barcelona/Arnhem.
11/12/2018.

Para Merlijne Marell la ilustración es una forma de diseñar su propio mundo y compartirlo con otros. Vive y trabaja en la ciudad que la vio nacer, Arnhem (Holanda). Allí fue donde, a los nueve años, asistió a una charla de una ilustradora que le abrió los ojos: descubrió que existía la profesión de “ilustrador”. Un año después, ganó un concurso de dibujos que le permitió viajar a Estocolmo con su familia para visitar el centro cultural Junibacken (inspirado en la creadora de Pipi Calzaslargas). Para Merlijne, haber ganado ese concurso, supuso su primer éxito como ilustradora.

Formada en la Academia Willem de Kooning de Rotterdam (Holanda) y en la Escuela de Artes de Gante (Bélgica), para crear su trabajo sueña despierta, lee y hojea libros, visita exposiciones, observa la naturaleza y habla con otros acerca de lo que quieren hacer o en qué les gustaría convertirse.

En este momento trabaja en su tercer libro, con el villano que la acompaña en su obra desde hace más de diez años de protagonista. Está en las primeras fases del proceso, las más difíciles: después de haberlo imaginado, debe trasladarlo al papel. En esta ocasión es más difícil, si cabe, por tratarse de un trabajo muy personal, lo que lo convierte en algo “urgente, hermoso y aterrador al mismo tiempo”. Cuando lo termine le gustaría exponer las ilustraciones de este libro en una pequeña galería de Amberes llamada Bries Space. Es un lugar que ella define como encantador y que le gusta porque mezcla pintura, ilustración, diseño gráfico, cómic, animación y escultura.

En el plano de los proyectos por definir, le da vueltas a una posible colaboración con un diseñador de productos para transformar sus ilustraciones en un utensilio textil, lo que supondría explorar un nuevo medio para expresar sus historias visuales.

Las ideas y la inspiración surgen más rápido que su ejecución, así que siempre tiene trabajo por hacer. Sueña con tener energía ilimitada para crear.

Mi primer libro ‘Schobbejacques en de 7 geiten’ (Loopvis, 2015), fue ganador de un ‘Vlag y Wimpel’. Esto me dio la oportunidad de exponerlo en el Stedelijk Museum de Amsterdam. Además, las ilustraciones se expusieron en el Rijksmuseum Amsterdam y en el Museo de la Nación Eslovaca en Bratislava.

Desde niña he estado vinculada a la ilustración, a través de libros que leía y que había en casa.

Mi trabajo siempre comienza con tres ingredientes: el amor por el color y las técnicas, al que se añade un flujo de inspiración e ideas que están presentes en mi cabeza la mayor parte del tiempo. Estas ideas surgen a mayor velocidad que la propia ejecución, así que siempre tengo trabajo que hacer.

Un día perfecto para mí consistiría en ir a coger flores, tomar café, cenar con amigos y pasar algunas horas productivas en el estudio.

Mi sueño sería crear una exposición para un museo, donde no solo se colocaran algunas obras mías en la pared, sino que a partir de ellas se originase una experiencia total.

Hay muchas formas de ser creativo, no solo en el campo de las artes. Yo me siento muy agradecida por las oportunidades que me brinda mi creatividad, pero eso no quiere decir que siempre me sienta feliz. A veces, el proceso creativo es realmente difícil por el miedo y el estrés que acompañan a casi todos los proyectos. Pero al final, las ideas cobran vida, así que esa es la recompensa de todos esos sufrimientos.

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EMILY GERNILD Not just another impressive scandinavian artist

Edición y traducción:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Copenhague. 10/07/2018.

Emily Gernild (Odense, 1985). ‘Soy una soñadora. Cuando era niña, siempre era la última en el patio porque estaba ocupada mirando cómo los otros niños se ponían sus chaquetas y zapatos. Todavía soy un poco así y si demasiadas cosas suceden a mi alrededor, no llego a ninguna parte. Esa es una de las razones por las que no puedo trabajar en espacios abiertos. Necesito mi soledad y privacidad para centrarme’.

El color por sí solo no es necesariamente importante, sino cómo se combina, cómo la luz y la oscuridad hacen vibrar las tonalidades y cómo hacen que las obras cobren vida. Los contrastes con respecto al color y la forma añaden energía a los motivos y brindan diversión a las composiciones de la vida cotidiana. Me gusta trabajar con los contrastes y con la ‘energía’. Tanto en forma como en fondo. Contrastes entre la profundidad y la superficie, entre las velocidades a las que los diferentes colores alcanzan al espectador, entre el sujeto y el objeto, entre la claridad y la oscuridad.

Lo que mantiene mi creatividad viva es pasar tiempo en mi estudio, a veces esperando que una pintura se construya en la imaginación. Pero también limpiando cosas viejas que ya no necesito. Tanto en casa como en mi estudio. Bosquejo mucho y utilizo mucho las redes sociales e Internet. Siempre estoy atenta a los colores y a las formas.

A menudo mi trabajo comienza con la indignación y la curiosidad que despierta una limitación. Podría querer expresar la convención que de alguna manera priva a una minoría de hacer lo que considera o siente que es lo más importante. Mis pinturas con flores comenzaron de esa manera, cuando descubrí que las mujeres artistas a menudo ‘elegían’ practicar con naturalezas muertas, retratos y flores en las escuelas de arte, simplemente porque se les impedía tomar parte en los estudios del desnudo, en clases impartidas por artistas y profesores varones en las academias de arte escandinavas. Los estudios del desnudo se consideraban como la forma más elevada de expresión artística. La separación institucional se ha alejado de las academias pero está muy presente en los museos que exhiben, coleccionan y archivan arte contemporáneo. Menos del 10% del presupuesto se gasta en arte realizado por artistas mujeres.

Como artista y como mujer ¿cuál es tu relación con el mundo/la sociedad actual? ¿Te sientes cómoda con las sinergias que plantea el mercado del arte hoy en día?

Probablemente, nunca tendrás que hacerle esta pregunta a nuestros colegas varones. Lo que significa que todavía es necesario hablar sobre ello. NUNCA se trata de poner en cuestión lo que creo que es más importante aquí: la calidad. Sin embargo, no estoy segura de que herramientas como las cuotas de género sean la solución correcta. Pero debo ser honesta aquí: algunos galeristas me han preguntado si estoy planeando tener otro bebé simplemente porque una gran parte del mercado y el mundo del arte actúa como un tren de alta velocidad. Si tragas, estás dentro, pero si te caes o te bajas demasiado tiempo del tren, estás fuera. Yo he decidido creer y mi experiencia hasta ahora es que el trabajo duro, la dedicación y el talento pueden permitirme vivir la vida como la artista que siempre quise ser.

El equilibrio es mi ideal de vida.

Este otoño, Royal Copenhagen y yo lanzaremos dos colaboraciones diferentes. La primera incluirá la producción de un cortometraje que se exhibirá en Copenhague (Dinamarca) y Tokio (Japón). Este proyecto se lanzará durante los meses de septiembre y octubre. La segunda colaboración tendrá lugar en Copenhague durante el mes de noviembre. Además, ese mismo mes, tendré mi primera exposición individual fuera de Dinamarca, que será en Berlín.

¿Cuál es el músico, compositora o canción que tiene el poder de rescatarte de una sacudida emocional?

Sin duda Frédéric Chopin o Claude Debussy.

Mi madre amaba a Paul Cézanne y teníamos un póster viejo en la parte posterior de la puerta de la cocina. Aquella obra representaba una naturaleza muerta con cebollas, una copa de vino y una botella. Creo que es ahí donde mi fascinación por el entorno de la vida cotidiana echa sus raíces. También nace de artistas daneses como J. F. Willumsen, Vilhelm Lundstrøm y Storm P. La casa de mi abuela estaba llena de arte y música clásica. Su sala de estar era naranja. Ella no tenía mucho dinero y mi abuelo pintaba copias de piezas de arte famosas para llenar las paredes. Todo en su casa era modesto y viejo, pero nunca carecía de encanto y espíritu. Otra vez, como ves, mi gran amor por los colores nace de cierta cotidianidad.

‘Nature morte aux oignons’ (1896-1898) / PAUL CÉZANNE. Paris, Musée d’Orsay.

Mientras nuestra hija sea pequeña, me mantendré cerca de las cosas y de las personas que ella conozca, incluidos los dos hijos mayores de mi marido, los hermanos mayores de Hannah. Ahora mismo veo Dinamarca llena de oportunidades para mí, pero tanto mi compañero como yo estamos muy por la labor de vivir en el extranjero en algún momento.

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KOKO CHE JOTA Un día sin aprender es un día perdido

Edición:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Sevilla/Berlín. 18/07/2018.

KoKo Ché Jota es Carolina Häfner Jiménez. Carolina Häfner Jiménez es KoKo Ché Jota. Nace en Granada un año después de la caída del muro de Berlín. Ese mismo año, sus padres deciden volver a Alemania. Su historia es una historia fraguada a golpe de decisiones nada fáciles. Una de las más importantes la llevaría a regresar a Andalucía años después de casi terminar la carrera de arquitectura y de estar al frente de un estudio donde, inevitablemente, debía ejercer dotes de mando.

Nos queda claro que la historia de Carolina es una historia volcada hacia la vida por el arte y hacia el arte por la vida. Sabemos que su valentía resume de forma muy certera el periplo humano, lleno de matices importantes e íntimos, que una persona ha de enfrentar para continuar avanzando erguida, fiel a sus principios y a sus deseos, leal a la vocación profunda que disfrutamos hoy con cada una de sus obras. Es por este poso de emoción que siempre nos dejan sus cuadros que desde Thalamus queremos añadir este eco: GRACIAS KoKo por ser ejemplo.

No me siento a pintar buscando la belleza, lo que sí es verdad es que persigo la armonía en mis cuadros, puede que por ello al final resulten bellos. Me llaman las bellezas raras, siempre intento buscarlas. Me aburren las bellezas perfectas, creo que nada en este mundo es perfecto, aunque intenten colarnos la idea de ello en el bombardeo diario que recibimos por todas partes.

Me inspira prácticamente todo. Me encanta que sea así, me gusta ser una esponja porque al final todo lo que absorbemos, inconscientemente, lo transformamos. Creo que es la herramienta que más utilizo y que menos me ha costado desarrollar. Por otro lado confío en mi intuición, muchas veces trabajo de manera impulsiva. Aun así tengo mis esquemas muy marcados.

Soy muy metódica trabajando, incluso antes de ponerme a pintar. Siempre empiezo igual: nada más entrar en el taller me hiervo agua para una infusión, me siento en el ordenador y pongo el ‘Nocturne’ de Chopin o alguna otra música inspiradora. Esto me transmite paz y tranquilidad, con esta energía empiezo a pintar. Es justamente lo que quiero que transmitan mis cuadros. Creo que la vida esta llena de estímulos que nos inquietan, quiero que las personas que tengan un cuadro mío en su salón, sientan serenidad al verlos.

Estoy tan absorbida con mi trabajo que vivo un poco en una burbuja, me siento muy libre y por ahora no he percibido ninguna sensación de amenaza por el hecho de ser mujer y artista. Aun así, si la burbuja en algún momento estallara por algún comentario, confiaría en mi propia filosofía y en la libertad del arte.

Soy muy inquieta, me aburro muy pronto y me encanta aprender. Para mí, un día sin aprender es un día perdido. Estoy en búsqueda de nuevos soportes que me hagan salir del lienzo. Cada técnica te hace adaptar o incluso reinventar por completo tu estilo. ‘Saltar de un barco a otro’ me emociona porque nunca sé lo que voy a encontrar y eso me motiva y me hace evolucionar. Puedo descubrir algo nuevo que no esperaba o estancarme en algo difícil de resolver, en conclusión: me hace sentir viva y ¿existe algo mejor que sentirse así a la hora de sentarse a trabajar? Me atrevería a decir que para un artista supondría morir lentamente si cada día hiciera lo mismo sin reinventarse.

Aún estoy digiriendo mi último proyecto “Los Gusanos Del Lapso”. Ha sido mi primera obra grande. Me gusta pensar que mis proyectos siempre están abiertos, es decir que en cualquier momento, cuando yo lo sienta, puedo añadir una obra más a la serie. Son proyectos de vida, cada uno de ellos. Ahora mismo estoy construyendo nuevas estructuras y me siento muy motivada. ¡Ya veréis!

Me preocupa mucho la situación política. No solo en España, sino en el mundo entero. El ser humano ha llegado a la cúspide del egoísmo y de la insensatez y, donde más se refleja y más poder tiene, es en la política. Mi deseo sería un colapso total.

Para mí el arte es libertad y por eso todo puede serlo. La naturaleza misma crea arte todos los días y el hecho de que alguien sea incapaz de apreciarlo no significa que no sea arte. Si tengo que hablar de artistas u obras que me han marcado … me apasiona un cuadro ‘sin título’ de Lucian Freud. Tiene obras extraordinarias, pero esta en concreto es increíble. Tiene una plasticidad, una distorsión y una paleta que me conmueven muchísimo. Lo publiqué hace meses en mi cuenta de Instagram. (Podéis verlo aquí):

https://www.instagram.com/p/BaQwuDmFL6a/?hl=es&taken-by=koko_che_jota).

Sólo puedo aconsejaros que sigáis haciendo las cosas con la misma pasión y cercanía que yo he podido sentir y … trabajar, trabajar, trabajar.

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ANGELA DALINGER Fuck it!

Edición y traducción:
Txetxu González
txevinuesa@gmail.com
Madrid/Hamburgo. 04/06/2018.

Angela Dalinger (Neetzendorf /Alemania, 1984). Actualmente reside en Hamburgo y ha expuesto en galerías y ferias de arte de medio mundo. Para algunos, Angela es sinónimo de radicalismo creativo. Nosotras pasamos de etiquetas, aunque lo cierto es que no nos importaría una miga hacernos cargo de semejante cualidad. La necesidad obliga. ¿Han pensado en las dosis justas que requeriría nuestra controvertida condición —nowadays— para argumentar en torno a la sangre, la explotación sexual, el estupor o las lágrimas? No hace falta que se detengan ni un instante a hacer cálculos inútiles. Mejor miren, observen, báñense en la obra de Angela Dalinger. Contra la complacencia erigimos un estandarte y ella forma parte fundamental de la causa. Su trabajo es tan urgente como esas claves abruptas que, de cuando en cuando, enseñan a desanudar lo que la tristeza y la frustración arrastra. Su trabajo grita y llega tan alto que no precisa más verborrea que imite lo que otros ya han pensado o dicho antes. Una vez más: no se pongan cómodos. Tienen suerte, mucha suerte, de poder presenciar lo que arderá a continuación.

Me niego a centrar mi atención en ese tipo de belleza que nos muestran los medios cada día. Creo que en el arte hay más espacio y mucho más para mostrar que la mera expresión de una idea superficial en torno a la estética.

Ahora mismo no considero que mi creatividad esté funcionando en absoluto. Tengo muchas ideas y hay miles de cosas que me gustaría pintar, pero a veces me toca luchar con la estúpida que llevo dentro, esa que cree que todo lo que hago apesta y que nunca es lo suficientemente sofisticado. Pero entonces me digo: ‘a la mierda’, me pongo un vaso de vino tinto e intento pintar algo que, al menos, me procure la sensación de estar satisfecha con lo que he creado.

Definir el sentido de mi trabajo es siempre difícil, aunque mucho más complicado sería tener que definirme a mí misma. Echar un vistazo a mis pinturas es como mirarme en el espejo. No me dice nada. No hay vibraciones de ida y vuelta. Conozco cada detalle y cada error, lo cual convierte el proceso en algo así como mirarme en un espejo distorsionado. Siempre estoy ansiosa por crear algo que sea auténtico, que para mí es más importante que crear algo bonito. Me gusta expresar mis sentimientos más miserables y cuán miserable puede resultar la gente. Estoy tan desesperada por mostrar lo diferentes que son las cosas en relación a cómo aparecen en los medios … que me lo tomo como si fuera mi vocación.

Sí, soy una mujer pero realmente no me siento como tal. Es un poco difícil de explicar. Solo intento ser la persona, el ser humano que soy. Nunca he sentido o percibido que mi trabajo haya sido rechazado por el hecho de ser mujer. No puedo decir que tenga una buena relación con la sociedad, lo cual suelo expresar bastante en mi trabajo, pero un poco de sufrimiento no hace daño a la creatividad.

Mi ideal de vida se parece a una casa en el campo, tal vez en España, con un tío majo y un perro, poder ganarme la vida de mi arte; tener una mente lúcida, ser muy leída y fumarme todos los cigarrillos que me dé la gana sin tener miedo a morir de cáncer.

Estoy trabajando en un pequeño libro sobre la temática ‘elementos del crimen’, que en su mayoría aborda los objetos que suelen aparecer cuando un crimen tiene lugar, pero también las emociones que pueden conducir a una persona a cometerlo. Por ejemplo, el sentimiento de humillación. Para ello, he utilizado el bordado. Espero poder terminar el libro pronto.

Me gusta pintar cosas feas y gente fea y quizá también ofrecer al espectador cierto sentimiento de incomodidad. Siempre me gusta mirar más allá de la superficie, mostrar un pedazo del mundo real en mis pinturas. Y porque estoy luchando contra la depresión, no puedo evitar expresarlo en mi trabajo.

by ANGELA DALINGER.

Pintar sangre es siempre divertido. Tengo un botecito de pintura ‘rojo sangre’ brillante precisamente para eso. Uno de mis intereses es el crimen, me gusta leer sobre ello y es muy inspirador para mí, aunque encuentro bastante difícil de combinar esta temática con mi estilo ‘naive’ a la hora de pintar.

Diría que Alemania es un lugar seguro para vivir. La seguridad a nivel social es bastante elevada, pero la verdad es que me gustaría mudarme a España, especialmente porque me gusta la gente de allí. También mi trabajo parece valorarse más. Ya he expuesto ocho veces en España, mientras que en Alemania solamente lo he hecho una vez. En cualquier caso y de momento, dependo de la ayuda del Jobcenter de aquí, así que tendré que quedarme un poco más en mi pueblecito alemán.

MICHAELA KNIZOVA Rasgando el olvido

Michaela Knizova (Hnusta, Eslovaquia, 1982). Fotógrafa que también dedica el tiempo a serpentear en el vídeo y la performance. Su enfoque general es más intuitivo y estético que conceptual. Las fotografías de Michaela están compuestas de tal manera que nos recuerdan a pinturas clásicas. Sus principales campos de interés son los mitos en todas sus formas, desde leyendas antiguas sobre cuentos de hadas hasta historias urbanas actuales.

El autorretrato fue para Michaela, durante el primer período, su principal medio de expresión, que consistió en reinterpretar arquetipos y mitos populares, traladarlos a los tiempos modernos y darles una visión femenina. Con el tiempo, el proyecto se amplió a la interpretación de los mitos contemporáneos y a la creación de los de ficción.

Últimamente está explorando nuevas formas de contar historias, con un estilo de narración más indirecto y complejo. En lugar de simplemente visualizar un mito, crea el escenario, el mundo en el que sucede. Ha dado un giro a esa pequeña serie de retratos que cuentan una historia lineal, dando paso a una multitud de tomas individuales que crean un patrón complejo. Este patrón se convierte en el objeto, transformando muchas imágenes en una sola.

Visito iglesias y cementerios antiguos, me gustan los sitios históricos espeluznantes, pero la oscuridad está más conectada a mi expresión artística que a mi vida personal. Tengo un particular interés en el esteticismo de las viejas fotografías y en la cinematografía antigua. Estas obras contienen cierto tipo de visualidad melancólica y sentimental. Parecen oscuras, no por los temas que abordan, sino porque muestran una distancia en el tiempo, la extrañeza de una edad o época enterrada. Indirectamente, recuerdan nuestro paso por el mundo y la inevitabilidad de la muerte y del olvido. Es este tipo de oscuridad nostálgica la que me interesa y fascina.

Muchas de las fotos que hago son el resultado de mi propia intuición. Por lo general, suelo contar con un concepto a desarrollar desde el principio, pero este concepto a menudo evoluciona y cambia mientras trabajo. No intento expresar cosas específicas, es más como una especie de idea que trato de abordar y visualizar para mí, un viaje que se convierte en objetivo. Mis diferentes series son el resultado de distintas ideas. Lo que siento mientras trabajo, lo que quiero expresar no es realmente importante. El espectador debe hacer su propia interpretación de lo que ve.

La sociedad sigue estando hecha un desastre en general. Algunas cosas están mejorando, otras no. Como artista y mujer, creo que todavía estamos en una situación en la que se sigue considerando que el arte más ‘caro’ es el que está realizado, fundamentalmente, por artistas hombres. Pero en lo que concierne a mi vida, la verdad es que me importa muy poco lo que suceda en el mercado del arte. Yo principalmente creo cosas para mí.

No tengo un ideal de vida. La vida es compleja, las cosas cambian, la utopía no existe.

A menudo trabajo con temas relacionados con cierta percepción del mundo antiguo. La mitología, la religión, pero también los mitos urbanos contemporáneos reflejan una forma de pensar arcaica. Estas cosas ya no son tal vez necesarias en nuestro mundo moderno, pero guardan cierta melancolía en su interior, un relato sobre la percepción del mundo pasado, un anhelo por las historias sencillas. Nuestra historia y nuestro pensamiento mágico-histórico aún nos definen de alguna manera. La magia conecta todos mis trabajos.

En este momento estoy trabajando en un proyecto basado en una mitología futura ficticia, dando vueltas alrededor del romanticismo y del idealismo futuros. Aborda los viajes interestelares y la búsqueda de un nuevo planeta. Estoy indagando mucho en la vida real y buscando buenas localizaciones de ‘ciencia ficción’.

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Madrid-Bratislava / AÑO 2018.

SOCATOBA La explosión de la libertad plena

Sonia Carballo (Socatoba). Nace en Badajoz, en 1979. Es licenciada en Bellas Artes por la Facultad de Sevilla. Ha expuesto en diferentes países, entre los cuales destacan Japón, México, China y Alemania. Recientemente fue galardonada con el accésit ‘Algemesí Valencia’ y reconocida por ‘ARTEINFORMADO’ (Espacio iberoamericano del arte) por ser una de las quince artistas a seguir en el 2018. Vive y trabaja en Barcelona. Pero todos estos datos son —me atrevo a afirmar— irrelevantes, porque lo importante es que ella ha revuelto y continuará revolviendo las entrañas de medio mundo. Irradia. Arrebata. Doblega. Regala. Sobrepasa. Es una artista total. Más adjetivos para describir su obra y su personalidad resultan inútiles. ¿Para qué escribir sobre la belleza que trasciende incluso a los ojos que la observan?

Me encuentro frente a la sección de ‘Arte’ de una conocida librería madrileña. Me es imposible dar con el libro que no busco. Ni siquiera sé si quiero encontrar algo. Tengo hambre y he prometido a mi sobrino de siete años —que no para de trastear en la sección de ciencia ficción— que en cuanto terminemos allí, la próxima parada será en cierto café al que solemos ser fieles los domingos. Todo sea por la tarta de chocolate que dispensan. No paro de quitarle ojo a Adriano mientras miro libros que no me dicen nada. Se mea. Le pregunto si se mea y me dice que no, pero yo sé que se mea. El hecho de que esté de rodillas en el suelo con esa sonrisa de ‘me gustaría liarla y todavía no sé cómo’ ya es un síntoma. Conozco esas poses. A mí también me pasa: cuando la ansiedad empieza a flirtear de la manera más chunga con mi respiración, con mi cuerpo, la gusa que me entra suele ser fina. Las ganas de mear también. Estoy escribiendo esto y tengo ganas de mear. Deben saberlo. No es información baladí. Y no voy a mear porque no quiero levantarme de la silla, aunque me explote la puta vejiga. Solamente quiero seguir escribiendo. Estoy ansioso. Quiero dar con lo que no busco y además, en este caso, sé que quiero encontrar algo. Tal vez, al menos, las palabras justas, las palabras adecuadas, el hilo robado que evite la posibilidad de cagarla. De pronto, cuando todo parece perdido, Déborah me pone en las manos un libro tamaño XXL sobre la obra de Francisco de Goya. Salta el chispazo. Cuando veáis algunas de las obras de Sonia, lo entenderéis, aunque ella misma se encargue, siempre que tiene oportunidad, de cortar de raíz cualquier atisbo de comparación con otros artistas: ‘Nunca he seguido la estela de nadie a la hora de desarrollar mi trabajo. Todos tenemos influencias, claro. Es inevitable. Pero ponerse un espejo delante es algo que cuesta mucho hacer. El ser interno que va más allá de la conciencia … cuando trabajas de esa manera no hay límites’. ¿Hija putativa del modernismo español? Mucho, muchísimo más que eso, créanme. Socatoba es un animal creativo cuya capacidad nos sacude los sentidos para purificarlos a través de los límites que, como humanos, somos incapaces de percibir o dar nombre. Pintura, dibujo, fotografía … cualquier ‘indisciplina’ es para ella una herramienta válida a la hora de dar fondo y forma a su obra. En sus cuadros, los contrarios se buscan y entrelazan, los enemigos no existen. Al mismo tiempo, sus mil y una formas de denunciar lo abyecto de la condición humana nos invitan a una reflexión necesaria sobre cómo nos sentimos, sobre qué rol jugamos en la partida (de antemano perdida) de las inercias cotidianas. La belleza y sus detractores se funden en figuras que el ‘envoltorio’ supura, todo para dejar emerger, en cada una de sus piezas, la posibilidad de una nueva trascendencia.

Después de varias semanas mareando la perdiz, intercambiando mensajes, conversaciones de chat, mails, fotografías, discusiones apasionantes entre horas … este es el pequeño homenaje que, desde Thalamus, queremos hacerle a Sonia Carballo ‘Socatoba’, mujer, fantasma, artista humilde, total e indócil que vuela sin marcas de motor, contracorriente y sin casarse con nadie. Es un auténtico placer tenerla cerca.

¿Recuerdas tu primera experiencia ‘desesperada’ con la pintura? ¿Cómo sucedió? ¿Qué supuso para ti?

No la llamaría desesperada, pero sí bastante incómoda. Me sucedió en un concurso de pintura rápida de mi ciudad, cuando todavía era jovencilla. Nos presentamos varias amigas. Consistía en pintar un cuadro durante un día en un lugar indicado. Al acabar el día, el jurado decidía los premiados. Antes, los miembros se iban paseando, observando a los concursantes. En un momento dado, se pararon donde nos encontrábamos nosotras pintando. La situación se produjo cuando el crítico de arte (parte del jurado y único crítico conocido de la ciudad) se puso a hablar sobre las obras de mis compañeras con el resto de representantes del jurado, dando literalmente la espalda no solo a mi trabajo sino también a mi persona. Sentí una sensación bastante fea, la verdad. En aquel momento era joven y tenía muchas inseguridades con respecto a mi obra. Si ahora me ocurriera lo mismo me daría bastante igual. El tema es que, ese mismo crítico, al que me encontré varios años después en otros eventos culturales, aún me llamaba con otro nombre. Me pareció increíble, pero al menos lo que me produjo esa situación, después de tanto tiempo, fue una gran carcajada. Anécdotas de estas tengo bastantes, como ya os podréis imaginar, pero insisto: para llamarlas ‘desesperadas’ tampoco.

Hablas de las inseguridades que sentías con respecto a tu obra cuando eras más joven. ¿Cuál es tu relación con la inseguridad a día de hoy?

A día de hoy, casi desapareció. Cuando eres consciente de que la inseguridad es una ‘autodevaluación’ subjetiva y arbitraria de tu propia capacidad, normalmente de tendencia negativa y que no sirve para nada, solo para inmovilizarte … la vas dejando atrás. Darte cuenta de que tienes que cambiar la inseguridad por seguridad, seguridad porque eres fiel a lo que sientes, a lo que haces, a ti misma. Si tú estas segura de ti misma lo que proyectarás justamente será seguridad.

Tu obra está repleta de evocaciones diversas, complementarias y al mismo tiempo enfrentadas: la ascensión y el derrumbamiento, la destrucción, la figura de la madre, la búsqueda o la ausencia de identidad, los polos opuestos, la denuncia. ¿Existe contradicción o pura necesidad en la materialización de todas estas evocaciones?

Partiendo de que la base de mi trabajo se fundamenta en la necesidad de expresión de hechos y situaciones que ocurren a mi alrededor, en el mundo o en mi propia vida, es normal que todas estas evocaciones aparezcan en ella, por pura contradicción, necesidad de materialización o simplemente porque tengo plena libertad de hacer lo que me venga en gana.

¿Crees que esa libertad es real? A veces, nos da la sensación de que lo que ‘elegimos’ hacer o decir con lo que pintamos, escribimos, representamos o esculpimos está DEMASIADO condicionado por lo que tenemos alrededor, que el concepto de libertad se ha violentado tanto que al final hemos perdido control sobre nuestras necesidades reales, cediendo espacio y tiempo a los intereses o exigencias de la sociedad de consumo.

Sí, creo que esa libertad es real. Estar condicionados como personas que vivimos dentro de una sociedad sea de consumo o no es estar en parte condicionada por ella, en algún que otro aspecto. Lo necesario es darnos cuenta de ello y tener claro si queremos o no estar en ese estado.

¿Qué marco le pondrías a un espejo resquebrajado y antiguo? ¿Qué barniz utilizarías para ‘proteger’ tu propio autorretrato? ¿Brillante, satinado o mate?

Depende de lo que me transmita el espejo, si tiene necesidad de ser enmarcado lo enmarcaría con un marco antiguo y con historia como él, y si me transmite que no tiene la necesidad de ser enmarcado, no lo enmarcaría. Mate, para que no se refleje nada en él.

Define a aquellos que se empeñan en definir tus obras.

Pues en este mundo es normal que todos intentemos definir las cosas, las situaciones o las personas. La verdad es que me siento incapaz de definir a las personas que se empeñan en definir mis obras. Creo que simplemente el empeño de querer definir tiene que ser libre, pero si lo haces desde el conocimiento, la definición sería mucho más acertada.

Goya, Dalí, Susan Sontag, Alejandra Pizarnik, Francis Bacon … ¿con quién te irías a tomar un vermut o cuatro? ¿Cón quién a pasar todos los puentes de todos los santos a orillas del lago Walden?

Me iría con todos para poder conocerlos en persona. Una vez con ellos, vería si tomarme uno (por educación) y … me tomaría cuatro con los que me hicieran sentir más a gusto. Hasta conocerlos, imposible decidir con quién pasaría todos los puentes de todos los santos. Pero bueno, si invitan ellos ¿por qué no? ¡Está muy bien vivir experiencias nuevas con gente que no conoces!

Dentro de diez o quince años una galería de arte será un lugar …

Difícil predecir el futuro. Por ahora no tengo esa capacidad.

Sí me gustaría que siguieran existiendo las galerías que trabajan con artistas que necesitan empuje y apoyo, ayudando a darles voz y mostrando su obra en otros países, en ferias … y que tengan coleccionistas que no solo compren trabajo de gente ya consolidada.

España es ese lugar del mundo en el que la gente, por lo general, todavía pide permiso para entrar a una galería de arte. Es una realidad que no se da en la mayoría de países de nuestro entorno. ¿A qué crees que se debe? Y ya que mencionas la figura del coleccionista de arte, ¿qué crees que haría falta para que se comenzara a implantar una cultura de adquisición de obras sostenible y al alcance de todos?

La verdad es que no creo que solo ocurra en España. Que aquí todavía siga existiendo ese pensamiento del arte como algo elitista, puede ser, pero creo que ya está más que superado. Igual pienso que, en parte, muchas de las galerías crean justamente ese ‘halo’ porque solo les interesa el público que directamente sea un posible comprador, coleccionista … A veces ni a mí me dan ganas de entrar. Por otra parte, no creo que se tenga que implantar una cultura de adquisición de obras sostenible y al alcance de todos porque ya existe.

No todos los artistas movemos precios desorbitados, dentro de mundo del arte hay muchos artistas y muchos precios, de los cuales todos nos podemos permitir comprar. El tema es que la gente no está acostumbrada, al menos en este país, a comprar arte.

En cualquier caso, esta pregunta da mucho juego, porque de paso podríamos hablar otra vez de la precariedad laboral de los creadores, del poco apoyo por parte del gobierno, del porcentaje que se llevan las galerías (que ya casi todas, por no decir todas, se llevan un 50% de la venta), el IVA al 21 %, que incluso trabajando con galerías (si es que tienes la suerte de que te lleve alguna) no te aseguran ventas … ¿creéis que la gente esta informada sobre todo esto?

¿A quién dedicarías el último cuadro, la última performance, la última fotografía de tu vida?

A mí misma.

Algunas artistas eluden responder preguntas relacionadas con la política. ¿Eres tú una de esas artistas?

NO, aunque sinceramente hablar de política me pone bastante nerviosa. Hay personas que se vuelven muy radicales cuando hablan de este tema. Creo que sería más sano e inteligente si tuviéramos la capacidad de poder hablar de política de una manera más tranquila, escuchando opiniones diferentes sin llegar al nivel del odio y la confrontación exagerada.

¿Qué opinas sobre la posibilidad de implantar una renta básica para artistas y creadores? ¿Estarías a favor o en contra?

A favor de la renta básica, evidentemente. Leí hace poco en un texto sobre renta básica para creadores lo siguiente: “Lo importante no es, como dijo Joseph Beuys, eso de que ‘todo ser humano es un artista’ sino garantizar que cualquier persona que decida ser artista pueda efectivamente serlo”. Una gran verdad. No vivir bajo la precariedad laboral, ya que la mayoría de las profesionales de estos sectores vivimos de otros trabajos para poder compensar los que no recibimos como creadores. Y si ya entráramos en el tema del género …

¿No crees que posicionarse a favor de la renta básica para artistas y creadores es también una manera de posicionarse políticamente?

Pues sí. El gobierno no está haciendo nada por la cultura … a parte de recortar. Lo que me pregunto es cuál de los partidos políticos sería el indicado para que la renta básica para creadores fuera una realidad y no un discurso para ganar los votos de los que nos dedicamos a esto. Evidentemente quieren borregos. Son más fáciles de manejar. Rollo rebaño. Somos así de tontos.

En una hipotética carrera de fondo en la que te ves obligada a participar … Rajoy te adelanta por la derecha con ese peculiarísimo estilo al andar que le caracteriza. Justo en ese instante, caes en la cuenta de que se le van cayendo sendos hilillos de plastilina negra (o chapapote) por la nariz y la boca. Tu reacción ante semejante cuadro es: a) parar de correr y empezar a descojonarte en su cara; b) hacerle la zancadilla; c) sacarle una foto con el móvil para, en un momento futuro, poder pintar la escena; d) pasar de su coño corrupto.

Me tendría que ver en la situación y la verdad es que no me veo para nada, aunque creo que por mi manera de ser y siendo artista … pintaría la escena y creo que podríais imaginar cómo sería … BOOM! Hace unos años dibujé al rey Juan Carlos para la revista Vice. Nos pidieron a varios artistas una interpretación sobre su persona. La verdad es que me quedé bastante ancha …

‘NUESTRO REY’ de ©SOCATOBA para la revista VICE.

¿Qué criaturas deambulan por tus Inner Landscapes?

Criaturas zoomorfas que actúan con plena libertad dentro de paisajes oníricos … otra manera de trabajar sobre la creación de nuevos paraísos.

La canción de tu vida o de tu principio del nuevo año es …

‘I won’t complain’ de Benjamin Clementine.

¿En qué andas enfangada ahora mismo? ¿Algún proyecto, exposición, ensoñación o ida de pinza que desees compartir con nosotros?

Sigo trabajando en la serie ‘The End of Nature’ (entre otras que sigo ampliando y creando), cerrando varias exposiciones en Barcelona, una colectiva para el 15 de Febrero y otra individual para el 22 de marzo, donde expondré por primera vez la serie completa ’49 Maneras de Dibujar a una madre’, a punto de comenzar un proyecto mural privado. ¡Os iré informando!

Ensoñaciones tengo muchísimas e idas de pinza también, pero creo que no las voy a compartir. Bueno, solo una ensoñación que sé que se convertirá en realidad: poder vivir plenamente de mi trabajo artístico y tener un taller enorme (fábrica antigua, a poder ser) y volverme loca trabajando dentro de ella.

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SOCATOBA estará expuesta en CAGE (Cortines 23, Born, Barcelona, 08003) del 22 de Marzo al 11 de Mayo de 2018. Vernissage: 22 de Marzo a las 19.30.

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